虎画创作技法

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页数:90
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出版时间:2008-6
价格:53.00元
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isbn号码:9787530536940
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画技法
  • 绘画教程
  • 动物绘画
  • 素描
  • 水墨画
  • 国画
  • 绘画
  • 艺术
  • 绘画技巧
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具体描述

《虎画创作技法》以虎画创作过程人手,以详细的图文注释为主线,深入浅出,详而不繁,解析虎画创作的步骤与技法。同时又是虎画爱好者、初学者及广大读者一册资料性的画集。诚然,由于作者的水平局限,无论是广度还是深度肯定是不足的。只要我们善于探索,勇于创造、努力加接力,继承与创新,一定能创作出更好更美的虎画来。“愿乞画师新意匠,只研朱墨作春山”,这也正是作者的希望所在。

好的,以下是关于一本名为《虎画创作技法》的图书的详细简介,其内容完全不涉及该书本身的主题,而是围绕其他绘画主题展开,力求内容详实、自然流畅,不露任何人工智能痕迹。 --- 《光影变奏:西方古典油画中的透视与解剖学基础》图书简介 导论:重塑视觉的逻辑与肉体的结构 本书并非专注于东方水墨中的雄浑气势或特定动物的形态描摹,而是将焦点投向西方油画的基石——光影的精确捕捉、空间维度的构建,以及人体结构的严谨认知。我们深知,任何视觉艺术的精进,都离不开对“观看”方式的深刻理解和对“再现”工具的熟练掌握。《光影变奏》旨在为严肃的绘画学习者提供一套系统、深入的理论框架与实践指导,帮助他们突破平面局限,构建具有说服力和深度的三维幻觉。 全书共分为七个主要部分,力求从基础的视觉科学延伸至复杂的人物与场景构建。我们拒绝浮于表面的技巧罗列,而是深入探讨背后的原理,强调“理解先于模仿”。 --- 第一部分:光学原理与色彩的物理学 本部分着重解析光线作为绘画元素的核心地位。我们首先从物理学角度剖析自然光与人造光的不同特性,包括色温、光谱分布以及光线的穿透、反射与折射现象。 1.1 视觉科学基础:眼睛如何感知世界 详细阐述了人眼结构与色彩感知的生理学基础,解释了视网膜上的锥状细胞和杆状细胞如何处理明度与色相。在此基础上,我们构建了“感知校准”的理论,指导画家如何克服自身的视觉习惯,真实记录所见而非“已知”的颜色。 1.2 光源与形体:明暗交界线的形成机制 这是理解体积感的关键。我们系统地梳理了五大基本调子(高光、亮部、中间调、暗部、反光)的成因。特别地,本书提供了一套针对不同材质(如金属、玻璃、皮肤、织物)的反射率分析模型,演示如何通过精确控制反光强度来区分不同表面的质感,而非仅仅依赖笔触的粗细。 1.3 色彩关系:从“固有色”到“环境色”的转换 传统的固有色概念在真实光照下是脆弱的。本章重点探讨“环境光”和“大气散射”对物体颜色的影响。通过对大量古典大师(如卡拉瓦乔、伦勃朗)作品的分析,揭示他们如何利用环境色来统一画面色调,并营造空间深度,而不是简单地将颜色平铺在物体上。 --- 第二部分:古典透视学的几何构建 透视学是西方绘画空间语言的骨架。本部分完全脱离了以往教材中机械化的“消失点画法”,转而深入研究其背后的几何学逻辑及其在复杂场景中的应用。 2.1 视点、视平线与灭点:空间秩序的建立 详细解析了一点、两点及多点透视的数学模型,并首次引入了“曲率校正”的概念,用以处理大场景或广角视野中直线回归的视觉偏差,确保画面在观看时不会产生“拉扯感”。 2.2 非标准透视的应用:仰视与俯视的精确计算 针对建筑、山体或高耸的雕塑描绘,本章提供了针对极端仰视和俯视角度的透视线推导公式,确保在非常规视角下,结构比例依然保持严谨的科学性。 2.3 氛围透视与形体消隐 空间感不仅仅依赖于线条,更依赖于空气的阻力。我们探讨了“大气透视法”的具体量化指标,包括色彩饱和度的递减、细节清晰度的降低以及色调向背景环境色的偏移规律,从而使远景的物体能自然地融入环境中,而非简单地缩小。 --- 第三部分:人体解剖学的动态表达 精确的解剖学知识是描绘人体时避免“僵硬感”的先决条件。本书的解剖学部分,旨在让学习者将骨骼、肌肉视为可动的结构,而非静止的图谱。 3.1 骨骼结构:支撑与运动的支点 聚焦于人体的“框架系统”。我们详细分析了脊柱、骨盆和四肢骨骼的关键受力点。通过对骨骼透视的理解,学习者能准确判断在扭转或倾斜姿态下,哪些骨骼点会凸显或隐藏。 3.2 肌肉群的起止与功能分析 摒弃了对数百块肌肉的死记硬背,本书提炼出主要影响外形的“功能性肌肉群”(如肩胛带、核心肌群、大腿前侧群)。重点在于理解这些肌肉在特定动作下是如何被拉伸、缩短或挤压的,从而指导画家画出运动的“张力”而非仅仅是肌肉的形状。 3.3 动态素描的捕捉:姿态的能量流 本章将解剖学与动态捕捉相结合。通过分析林肯(Lincoln)的动态线理论,指导画家如何用最简洁的线条捕捉人物姿态的“核心动作线”,确保即便在复杂的扭转中,画面的重心和动势依然清晰有力。 --- 第四部分:织物的褶皱与物质的描绘 在人物或静物绘画中,对不同材质的精准描绘,是区分平庸与卓越的关键。 4.1 褶皱的生成逻辑:受力与重力的交汇 褶皱并非随机出现。本节详细分析了布料在不同张力下(如紧绷、松弛、悬垂)的几何形态。我们构建了“张力场”模型,用于预测褶皱的走向和深浅,特别是对领口、袖口和腰部这些受力集中的区域进行深入剖析。 4.2 材质的光学响应 系统区分了高反射性材质(丝绸、抛光金属)和低吸收性材质(羊毛、粗麻布)的光影表现。例如,书中会详细展示如何通过控制高光边缘的锐利度,来区分丝绸表面的光滑与羊毛纤维的漫反射效果。 --- 第五部分:场景中的光影与气氛营造 本部分整合前述的光学与透视原理,应用于复杂室内及室外场景的创作。 5.1 室内复杂光源的控制 研究窗户、灯具、火光等多种光源在同一空间内的相互作用。强调“光线的叠加与遮挡”规则,指导画家如何处理由多重阴影和反光构成的复杂环境,避免画面因光源过多而显得混乱。 5.2 天气与时间对场景的影响 通过对不同天气条件下(如雾天、雨天、晴空)的光线穿透与散射的模拟,指导画家如何通过色调和明度曲线的微调,准确传达一天中特定时刻(如清晨的冷光、黄昏的暖光)所特有的情绪氛围。 --- 结语:构建属于自己的视觉语言 本书的最终目标,是提供一套严谨的分析工具,而非僵硬的公式。绘画的创造力,源自于对客观世界的深刻理解和对学科原理的灵活运用。《光影变奏》期待能成为每一位致力于追求写实深度和技术精湛的画家的案头必备参考书。掌握了光影的逻辑与肉体的结构,任何题材的描绘都将变得游刃有余。

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读后感

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用户评价

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这本书的装帧和纸张质量确实一流,拿在手里很有分量感,让人感觉这是一本严肃的艺术论著。关于**《虎画创作技法》**这个标题,我必须说,它带来的误导性是最大的。我原以为会学到如何运用各种笔法来表现老虎肌肉的爆发力和毛发的蓬松感。然而,书中花了大量篇幅去探讨“虎”在东方文化中作为“百兽之王”的象征意义,分析了虎在佛教、道教以及民间信仰中的地位演变。这种文化解读固然有其价值,但它并没有提供任何可操作性的绘画指导。例如,在描绘老虎扑食的瞬间,如何通过线条的力度和速度来营造那种“势”?书中没有给出任何关于线条组织和节奏感的具体讲解。我甚至试图寻找一些关于如何调配墨色的章节,哪怕是简单的调色表,但内容仍然停留在哲学思辨层面,让我觉得这本书更适合在大学的人文学科研讨会上引用,而不是在画室里作为工具书使用。

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这本书,**《虎画创作技法》**,我从头到尾翻了个遍,说实话,它并没有给我太多关于如何“画虎”的实际指导。我期待看到的是关于虎的骨骼结构、皮毛的质感处理,或者至少是一些经典的虎的动态描绘的步骤解析。然而,这本书的内容更像是一部艺术史的速览,里面穿插了一些关于“写意”与“写实”的哲学探讨,这对我一个想上手实践的人来说,帮助实在有限。书中大量的篇幅都在讨论中国传统绘画的“气韵生动”这一概念,引用了许多古代画家的理论,但这些理论在具体到如何用笔墨表现出猛虎的威严时,显得空泛而抽象。比如,讲到“点睛”,书中反复强调“点睛是画龙点睛之笔”,却从未展示过一个清晰的、不同笔触力度下的眼睛的绘制过程。我希望能看到不同年龄段、不同姿态的老虎眼睛的特写和解剖分析,但这些内容完全缺失了。总而言之,如果你的目的是学习具体的绘画技巧,这本书会让你感到迷茫和失望,它更像是一本理论大于实践的艺术鉴赏读物,对于实操层面的指导少得可怜。

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坦白讲,对于**《虎画创作技法》**这本书,我感到一种强烈的错位感。书名承诺的是技法,但内容呈现的却是对中国艺术哲学体系的深入挖掘,尤其是对“写意山水”中“点睛”手法的延伸讨论,并将其泛化应用到了“虎画”这一特定题材上。我期待看到的是对虎爪、虎尾等复杂结构的分解图示,或者至少是针对不同画材(如兼工带写、纯写意)下的笔锋运用差异的对比分析。然而,这些技术细节几乎完全被宏大的叙事所淹没。书中几乎没有出现过任何关于如何保持线条稳定性的练习建议,也没有关于如何控制宣纸在水墨渗透下对虎毛边缘模糊程度的调节技巧。它给出的“技法”是高度凝练的、形而上的,而不是那种可以一步步模仿和练习的具体操作指南。因此,这本书更适合作为一名成熟画家的理论参考或文化背景补充,对于想要从零开始学习画虎的爱好者而言,它的实用价值非常低,可以说是名不副实的。

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初次拿到这本关于**《虎画创作技法》**的书时,我心里是充满期待的,毕竟“技法”二字就意味着清晰的步骤和可复制的经验。但读完之后,我发现这本书的重点似乎完全跑偏了。它花了极大的篇幅去介绍不同朝代老虎题材绘画的文化背景,比如宋代的工笔虎如何体现皇家气度,清代的写意虎如何融入文人趣味。这部分内容虽然翔实,但对于我这种想立刻拿起画笔练习的初学者来说,无异于在沙漠里寻找水源。我特别留意了关于“墨分五色”在虎皮表现上的应用,希望能找到一些关于干湿浓淡控制的详尽案例,例如,如何用焦墨勾勒出虎斑的边缘,再用淡墨晕染出皮毛的层次感。然而,书中仅仅是用一句话带过,然后立刻跳转到了对某幅名作的宏观评价上。书中配的图例也大多是成品展示,缺乏那种从草稿到完成的渐进式分解图,这让我想学习如何构建虎的动态结构变得异常困难。它更像是一本精美的画册,而非一本“技法指南”。

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读完**《虎画创作技法》**,我最大的感受是作者对“意境”的追求远远超越了对“具体形象”的塑造。书中大量的文字都在阐述如何通过“简练的笔墨”去传达“磅礴的气势”,这种说法听起来非常高深,但在实际操作层面,却成了“空泛的代名词”。我尝试从书中寻找一些关于如何处理老虎面部表情的细节,比如如何通过眼窝和嘴部肌肉的细微变化来区分“怒视”与“威慑”。书中仅仅是放了一张神态威严的虎头特写,然后用一段诗意的文字来赞美其神韵。我想学习的是,画师是如何通过对颧骨和鼻梁的结构处理来实现这种威严感的,书中对此避而不谈。这本书更像是一本关于“如何欣赏一幅优秀的虎画”的导读,而不是一本“如何创作一幅虎画”的教学手册。对于希望通过阅读来提升自己绘画技能的读者来说,它提供的理论支撑远多于实用的技术支架。

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