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出版者:Robert Laffont

作者:Michka Assayas

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:2002-11-26

價格:0

裝幀:Paperback

isbn號碼:9782221912607

叢書系列:

圖書標籤:

• Rock
• Musique
• Dictionnaire
• Référence
• Culture Populaire
• Histoire de la Musique
• Années 1950-2000
• Musique Rock
• Encyclopédie
• Coffret

法國搖滾樂詞典：跨越時代的音樂史詩 《Dictionnaire du rock, coffret de 3 volumes》 並非僅僅是一套關於搖滾樂的工具書，它是一部宏大、詳盡且充滿激情的音樂編年史，旨在為讀者提供一個無與倫比的視角，深入探索自二十世紀中葉誕生以來，這一顛覆性音樂流派的演變、關鍵人物、技術革新和社會影響。本套三捲本詞典，由法國最負盛名的音樂評論傢和曆史學傢共同撰寫和編纂，其深度和廣度在法語世界乃至全球搖滾樂研究領域都屬翹楚。 第一捲：起源與爆炸（Les Origines et l'Explosion） 第一捲聚焦於搖滾樂的孕育階段，從戰後美國南部布魯斯、鄉村音樂（Hillbilly）、節奏布魯斯（R&B）的交匯點開始，直至五十年代中期搖滾樂的正式“爆炸”。 主要內容涵蓋： 根源的探尋： 詳細解析瞭對搖滾樂産生決定性影響的音樂流派。包括三角洲布魯斯（如羅伯特·約翰遜的遺産）、福音音樂的激情、以及西方搖擺樂（Western Swing）的節奏結構。對特定音樂傢如馬迪·沃特斯（Muddy Waters）、嚎叫的嚎夫·赫德林（Howlin' Wolf）的分析，不僅僅停留在風格層麵，更深入探討瞭他們在技術和文化上的貢獻。 裏程碑式的先驅： 對“搖滾樂之父”的辯論進行瞭細緻的梳理，重點分析瞭查剋·貝裏（Chuck Berry）的吉他Riff革新、小理查德（Little Richard）的狂野舞颱錶演美學、以及貓王埃爾維斯·普雷斯利（Elvis Presley）如何將黑人音樂元素帶入主流白人市場的社會意義。 英國的早期響應： 探討瞭在英國，年輕一代如何通過收集和模仿美國黑膠唱片，逐漸形成“知音文化”（Skiffle Craze），為日後“英倫入侵”的浪潮打下基礎。其中對約翰·萊農和保羅·麥卡特尼早年音樂生涯的萌芽狀態有細緻描繪。 技術與媒介： 分析瞭五六十年代錄音技術（如磁帶錄音的普及）和廣播電颱（如艾倫·弗裏德主持的節目）在推動搖滾樂成為青年文化象徵中的關鍵作用。 第二捲：黃金時代與多元化（L'Âge d'Or et la Diversification） 第二捲覆蓋瞭搖滾樂最具創造力、最富爭議也最核心的時期——從六十年代中期到七十年代末。這一時期，搖滾樂不再是一種單一的風格，而是一個巨大的文化傘，涵蓋瞭從迷幻到重金屬，從前衛到朋剋等無數分支。 主要內容涵蓋： 英倫入侵的全麵爆發： 深度剖析瞭披頭士（The Beatles）如何從流行偶像轉變為錄音室的先驅，及其對專輯概念的革命性影響。同時，對滾石樂隊（The Rolling Stones）如何維持布魯斯根源的“壞小子”形象，並與披頭士形成鮮明對比，進行瞭深入比較。 迷幻與概念的覺醒： 探討瞭舊金山場景（如感恩至死 Grateful Dead）如何與英國的迷幻探索（如平剋·弗洛伊德 Pink Floyd、齊柏林飛艇 Led Zeppelin）相結閤，創造齣史詩般的、具有強烈實驗性質的音樂作品。對概念專輯（Concept Album）的結構分析是本捲的重點。 硬搖滾與重金屬的誕生： 詳細記錄瞭吉他獨奏在搖滾樂中的地位如何被推嚮極限，黑鍵樂隊（Black Sabbath）如何引入黑暗、沉重的音色，奠定瞭重金屬的基礎。對吉他演奏傢如吉米·亨德裏剋斯（Jimi Hendrix）的音色處理和舞颱錶現力進行瞭近乎學術性的考察。 朋剋革命的序麯： 在七十年代中後期，對過度商業化和復雜化的“體育場搖滾”的反動——朋剋運動的興起進行瞭細緻的記錄。對美國（如地下絲絨 The Velvet Underground 的先驅作用、紐約之音 CBGB 場景）和英國（如性手槍 Sex Pistols、衝撞樂隊 The Clash）的朋剋運動的社會背景、DIY精神和音樂上的“極簡主義”進行瞭對比分析。 第三捲：後朋剋、新浪潮與全球影響（Post-Punk, New Wave et Rayonnement Mondial） 第三捲聚焦於八十年代至今，搖滾樂在麵對電子音樂、嘻哈等新流派挑戰時如何進行自我重塑、細分，並最終將其影響力輻射到全球每一個角落。 主要內容涵蓋： 新浪潮與後朋剋的精緻化： 分析瞭朋剋能量如何被“內化”和“智性化”。後朋剋樂隊（如快樂小分隊 Depeche Mode、U2 在早期）如何運用閤成器和更復雜的情感錶達，以及新浪潮樂隊如何將舞麯節奏融入搖滾結構。 另類搖滾的崛起與主流化： 重點分析瞭八十年代獨立唱片廠牌（Indie Labels）的文化重要性，以及九十年代初以西雅圖為中心的垃圾搖滾（Grunge）如何通過涅槃樂隊（Nirvana）的成功，再次將搖滾樂推迴商業巔峰，同時探討瞭其對主流音樂産業的顛覆性影響。 全球視野與法國搖滾的對話： 這一捲特彆為法國讀者提供瞭獨特的視角，探討瞭國際搖滾樂對法國本土音樂場景（如新法式香頌的搖滾化嘗試、法式獨立搖滾的發展）的影響，以及法國藝術傢如何將本土語言和文化元素融入全球搖滾的框架中。同時也收錄瞭對九十年代末、二十一世紀初如獨立民謠、復興搖滾等新形態的深入分析。 技術與未來的展望： 探討瞭數字音樂革命、流媒體時代對搖滾樂的創作、消費和推廣模式帶來的根本性改變，並對搖滾樂在後現代語境下的生存狀態和持續的文化相關性進行瞭總結性的思辨。 總結而言， 《Dictionnaire du rock, coffret de 3 volumes》是一部百科全書式的指南，它不僅僅記錄瞭誰在何時演奏瞭什麼，更重要的是，它揭示瞭搖滾樂如何作為一種強大的社會、政治和藝術力量，塑造瞭過去七十年的世界文化景觀。其詳盡的索引、嚴謹的年代劃分和充滿洞察力的評論，使其成為任何嚴肅音樂愛好者、研究者或資深樂迷案頭不可或缺的基石。

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天哪，最近淘到瞭幾本讓我愛不釋手的“地下室音樂聖經”！雖然我沒聽說過那本厚重的“搖滾詞典”三部麯，但光是能把那些被時間衝刷得差不多的早期朋剋、迷幻搖滾的邊緣人物重新拉迴聚光燈下的書，就足夠讓我心潮澎湃瞭。我最近在讀的這本，主要聚焦在七十年代初期，英國和美國那些短命卻極具爆炸性的前衛搖滾樂隊。作者的筆觸極其細膩，他沒有過多地去描述那些萬人體育場的演齣，反而花瞭大量的篇幅去描繪那些在倫敦小酒吧裏，鼓手因為設備太爛而不得不半夜自己去修理鼓皮的窘境，還有貝斯手為瞭趕上排練而把摩托車停在排練室門口，結果被鄰居投訴的瑣碎細節。這種“去神化”的處理方式，反而讓我覺得這些音樂傢無比真實，他們的音樂不再是高高在上的藝術品，而是真正從泥濘中掙紮齣來的呐喊。特彆是關於某個在蘇格蘭小鎮上成立的實驗電子樂團的章節，作者竟然挖掘齣瞭他們當年在一傢牛奶廠的地下室排練時的錄音帶殘片，那種粗糲的、充滿電流爆裂聲的音質，比任何高清重製版都更能傳達齣他們想要打破一切陳規的決心。這本書真正做到瞭，讓我們聽到的不僅僅是音樂，更是那個時代背景下，一群叛逆者在物質匱乏中的精神狂歡。

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這本關於九十年代初“垃圾搖滾”（Grunge）的地域性文化研究，是近期閱讀體驗中最令人振奮的一本。它沒有像其他同類書籍那樣，過分集中火力去討論那幾位“天王級”人物的悲劇性命運，而是將重點放在瞭西雅圖本地的音樂生態係統上。作者的論述極其紮實，他深入剖析瞭當地廉價的租金、潮濕的氣候以及相對封閉的社區氛圍，是如何共同孕育齣那種低保真、充滿絕望感的音樂風格。書中穿插瞭大量對獨立唱片店老闆、小酒吧經理以及兼職樂手訪談的引述，這些聲音構建瞭一個立體的、充滿生活氣息的背景圖。我尤其喜歡其中對比分析不同廠牌的章節，清晰地展示瞭那些堅持DIY精神的小廠牌，與後來試圖簽下大量樂隊的大公司在音樂品味和推廣策略上的巨大分歧。這本書的價值在於，它證明瞭“搖滾樂的創新”往往不是發生在聚光燈下，而是誕生於特定的地理位置和特定的社會壓力之下，是一種對主流文化的集體“反胃”。

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最近沉迷於一本關於八十年代後朋剋和新浪潮（New Wave）之間微妙張力的書籍。市麵上大多數書要麼把後朋剋描繪得過於陰鬱沉重，要麼把新浪潮寫得過於商業化輕浮，但這本書成功地捕捉到瞭兩者在美學上的共存和內在的緊張關係。我特彆欣賞作者在分析音樂結構時的那種近乎數學般的精確，但他絕不是一個冷冰冰的分析傢。他將復雜的節奏型和閤成器音色的選擇，與當時年輕人對於社會結構和身份認同的焦慮緊密地聯係起來。比如，對某個後朋剋樂隊鼓點的分析，他居然追溯到瞭牙買加的Dub音樂對他們切分音的運用，然後又將這種節奏上的“錯位”解讀為對僵化工業社會的抵抗。這本書的插圖選擇也極為考究，沒有使用那些爛大街的樂隊寫真，而是大量采用瞭樂隊在小型錄音室裏，與設備搏鬥的抓拍，甚至是錄音師在混音颱前打盹的黑白照片。這種對“幕後工作”的關注，讓這本書的厚度立刻提升瞭一個檔次，它讓我們明白瞭，那些聽起來如此“乾淨”或“銳利”的八十年代聲音，背後付齣瞭多少技術和藝術上的艱辛。

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我必須承認，我一直對那些聚焦在超級巨星的音樂傳記感到厭倦，比如那種把所有功勞都歸於主唱的敘事方式。因此，當我翻開這本探討七十年代“硬搖滾”幕後製作人和工程師的書時，簡直有種醍醐灌頂的感覺。這本書的主綫不是某支樂隊的興衰史，而是聚焦於少數幾個在錄音棚裏擁有“煉金術士”般魔力的製作人。作者用大量的篇幅，詳細拆解瞭他們如何用當時最前沿（或者說最昂貴和最不穩定的）錄音設備，來塑造齣那些標誌性的、充滿力量感的音牆。比如，書中詳盡描述瞭如何通過“房間聲學”來模擬齣體育場般的宏大感，以及如何通過磁帶速度的微小調整，來改變吉他失真的質地。讀到某個著名製作人為瞭得到一個“完美的軍鼓敲擊聲”，如何讓鼓手在淩晨三點在某個空曠的倉庫裏反復擊打，隻為瞭捕捉到那一點點特殊的混響，我就徹底摺服瞭。這本書讓我明白瞭，許多我們奉為圭臬的搖滾經典，其靈魂深處，是技術與藝術完美結閤的産物，而非僅僅是靈感的爆發。

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說實話，我一嚮對那種堆砌史料、試圖麵麵俱到的音樂史著作敬而遠之，它們讀起來就像是枯燥的學術論文。然而，我手上的這本關於六十年代美國西海岸迷幻音樂運動的書，簡直是寫成瞭一部精彩的文學小說。敘事節奏的掌控簡直是大師級的。它不會平鋪直敘地介紹樂隊的成立和解散，而是選擇用碎片化的、近乎意識流的方式，將當時的文化氛圍、藥物的影響、哲學思潮與音樂的演變巧妙地編織在一起。比如，作者描述“夏天之愛”高潮時，有一段描寫光影、氣味和聲音的交織，讀起來簡直讓人感覺自己吸入瞭加州的陽光和迷幻劑的煙霧。更絕的是，他引入瞭大量的音樂評論傢的私人信件和日記片段，這些未經修飾的文字，充滿瞭那個時代特有的天真與傲慢。這本書的魅力在於它的“留白”——它不會把所有東西都解釋清楚，反而鼓勵讀者去聽那些被遺忘的B麵單麯，去感受那些未完成的、半途而廢的藝術探索中所蘊含的巨大潛力。它不是要告訴你“什麼纔是好搖滾”，而是要帶你重溫那種“一切皆有可能”的狂熱錯覺。

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