周裕国彩墨山水画

出版者:福建美术出版社

作者:周裕国

页数:48

出版时间:2008-6

价格:48.00元

isbn号码:9787539319742

具体描述

《周裕国彩墨山水画》主要内容：中国文化从来都把大自然看成是自身的一部分，而不像西方文化把自然看成是自己的对立面，这样，在中国文化中就产生了一个很有趣、很特别的现象，即自然即我，我即自然，交融一体，相看不厌。这种现象体现在画家们笔下时，山水已经不是山水、花鸟也不是花鸟，而是自己心迹的流露、情感的宣泄，抑或是一种感觉、一种意识。这种感觉和意识代代相传相因，逐渐成了某种集体无意识，深深地潜藏于民族审美意识的最深处。所以长期以来我们已经习惯于墨色团团下呈现出的山水、花鸟，习惯于无色中自见五彩缤纷，于无形中自见形神兼备。也许是中国书法艺术的过早成熟，线条的千变万化及笔墨的表现力已经能够承载和表述中国文人细腻的情感，所以在绘画中不再寻求更多的情感元素。于是山水、花鸟、人物无不呈现出简洁而丰富的笔墨意蕴。尤其是自宋以下，文人们陶醉其中，已经将笔墨韵味把玩成为脱离客观对象的独立存在。

这种过分强调笔墨的精致典雅而忽视客观对象的画风到了明代就渐渐出了问题，至清代的四王山水已显得保守和僵化、因袭和空洞。画家们在心中用他们玩得出神入化的诸如十六皴、十八描的笔墨功夫想当然地构建他们的山水花鸟世界，挪山移水，不亦乐乎。但时间一长，便如喋喋不休的老妇，总是陈年旧事，婆婆妈妈地让人提不起兴致。幸亏有像渐江、徐渭、朱耷、石涛、扬州八怪、吴昌硕、齐白石这样一些天赋极高的画家，其笔墨依然能焕发出熠熠的光芒。到了齐白石那里，传统笔墨的光辉已经有了夕阳无限好的光景。但人们依然顽强地坚守着千古不变的笔墨精神而自以为是。这种坚守似乎有它充分的理由。也许在西方文化的冲击下还晕乎乎的摸不着头脑，也许是观念的不同，也许是技法的生疏，中国的画家们一旦脱离笔墨一入具象，便觉媚俗，于是作画者多不敢、也多不能“太似”；想在“似与不似之间”游走笔墨，似乎又力不从心，难以企及。这就形成了一个两头不讨好的夹缝，这个夹缝如一道幽深的山谷，曲曲折折，一直延伸至今还不见终点。

周裕国算是从这个夹缝中顽强地挤出来的一位画家，他的作品在这种两难的境地里成长成熟。我不知道学画之初的周裕国认真思考过这个有点类似于“生存还是死亡”的问题没有。但是他的确有意无意地找到了问题的关键所在，那就是“太似”不见得就一定媚俗，这中间应该没有必然的联系。

用户评价

这本画册，初捧上手便觉沉甸甸的，纸张的厚度和触感透露出一种对艺术的尊重。我特别喜欢其中对于传统山水画“气韵生动”的探讨部分，作者并非停留在对古人技法的模仿，而是深入挖掘了中国哲学中“道法自然”的理念是如何渗透到笔墨线条中的。比如，对“留白”的解读，不仅仅是技法上的空缺，更被阐释为一种虚实相生的哲学空间，引导观者进行自我构建和心灵的呼吸。书中收录的几幅写意作品，其墨色的层次变化简直令人叹为观止，浓、淡、干、湿的运用达到了一个近乎完美的平衡点，仿佛能让人嗅到雨后山林的清新湿气，或是感受到清晨薄雾弥漫时的那种宁静与朦胧。尤其欣赏作者对于“点景”的处理，人物和亭台楼阁的点缀恰到好处，它们不是画面的主角，而是提升山体宏大感和引导视线流动的巧妙元素，体现了“景为人造，而人融入景中”的东方意境。如果说硬要挑剔一点，或许是对现代审美趣味的结合上可以更加大胆一些，但瑕不掩瑜，对于系统学习中国传统山水画的爱好者来说，这本书无疑是一本值得反复揣摩的宝典。

说实话，我一开始对这类题材的书籍抱持着一种审视的态度，因为市面上太多充斥着千篇一律、缺乏个性的“仿古”之作。然而，翻开这本书后，我立刻被其中几幅极具个人风格的佳作所吸引。最让我印象深刻的是作者对光影的把握，这在中国传统水墨中往往是比较含蓄的处理方式，但在这本书中，他似乎找到了一种巧妙的平衡点，通过墨色的浓淡干湿，营造出一种“不着痕迹的明暗对比”，使得画面在保持传统韵味的同时，增添了立体感和层次感。再者，作者对“云雾”的描绘堪称一绝，那些飘渺的云层，不是简单的留白，而是用极淡的墨色层层渲染而成，仿佛能感受到空气的流动和湿度的变化，赋予了画面极强的呼吸感。这本书更像是一本“高级的视觉日记”，记录了画家在不同时空、不同心境下对自然的独特感悟，而不是简单的范本集。它鼓励学习者去观察、去感受，然后用自己的语言去表达，这种精神层面的引导价值远超技法本身。

我是在一次偶然的机会中接触到这本画册的，当时我正在寻找一些能激发我个人创作灵感的资料。这本书给我的最大感受是它的“力度”——不是那种生硬的、刻意的力度，而是一种源自内心的、对自然万物的深刻理解后自然流露出的力量感。特别是几幅以巨碑式山体为主题的作品，那些山石的皴法，饱含着一种刀刻斧凿般的历史感和沧桑感，每一笔都仿佛凝聚了千年的风霜雨雪。与那些追求柔美雅致的画风不同，这本书中的许多作品展现了一种北方山川的雄浑与壮阔，那种“可游、可居、可观、可赏”的境界，在这些作品中得到了淋漓尽致的体现。作者对于水墨的运用达到了收放自如的地步，瀑布的飞泻，江河的蜿蜒，都被赋予了生命律动，让人联想到中国古代文人“胸中有丘壑”的创作状态。这本书的装帧设计也相当考究，印刷的清晰度极高，即便是最细微的墨韵变化也能清晰地呈现出来，这点对于追求细节的专业人士来说至关重要。

我是一个对中国古典美学有着强烈偏好的业余爱好者，我更倾向于那种能够带来心灵沉静和精神升华的作品。这本画册在整体氛围上做到了这一点。它没有过多地去炫耀高超的技巧或繁复的细节，而是专注于构建一种“静谧的意境”。我尤其欣赏其中关于“意境营造”的章节，作者详细阐述了如何通过画面的布局和结构的安排，来引导观者的情绪从外在的景物转向内在的思考。比如，那些深远布局的作品，利用高低错落的山峰和层叠的树林，创造出一种无限向上的延伸感，让人在凝视时，仿佛真的走入了那片深山之中，暂时抛却了尘世的喧嚣。书中所选用的纸张质感，也极好地配合了这种内敛的风格，那种微微泛黄、略带肌理的纸面，与水墨的晕染效果相得益彰，使得每一幅画都呈现出一种温润而古朴的质感。这是一本需要慢下来，用心去品读的书，急躁的翻阅只会浪费了作者的良苦用心。

作为一名常年与艺术史打交道的学者，我通常对新的画册持保留意见，但这本书确实展现了扎实的功底和独到的眼光。作者对传统皴法，尤其是披麻皴、斧劈皴的运用，既有对古人规范的尊重，又有时代性的创新和个人笔触的烙印，这在当代画家中是较为少见的。我注意到，书中一些大幅面的作品中，对近景、中景、远景的处理，其墨法和笔法的对比度非常鲜明，近景的细节描绘和墨色厚重感，与远景的轻盈、淡化处理形成了强烈的空间纵深感，这种处理方式非常符合现代人对于视觉焦点的需求。此外，附录中关于创作工具和材料选择的探讨也非常细致入微，包括不同松烟墨的特性，以及针对不同气候条件下的墨汁调制建议，这对于希望进行实践的读者来说，提供了非常宝贵的、实用的操作指南。总体而言，这是一本集理论思辨、艺术鉴赏和实用指导于一体的优秀出版物。