中国画技法

出版者:福建美术

作者:林之本

页数:22

出版时间:2008-6

价格:18.00元

isbn号码:9787539319391

具体描述

《中国画技法:云水》主要内容：学习中国山水画，一定要学好怎样画云水。宋？郭熙在《林泉高致集》中指出：“山以水为血脉，以草木为毛发，以烟云为神采。故山因水面活，因草木而华，因烟云而秀媚。”云和水在山水画里起着调节画面的韵律感和节奏感的作用，在一定程度上也决定了画面的动感和气势。没有云和水，一幅山水画就显得干枯、乏味，就会气不顺，势不畅。

传统的云水画法有多种，《中国画技法:云水》择要予以介绍，在此基础上介绍一些表现云水的新技术法，让读者对中国山水画的去水画法有个大致的了解。

学习云水画法，我们一方面要临摹名家范七，汲取其精华，另一方面要到生活中写生，感受大自然的蒙养，以得到进一步的提高。

学习画云水用纸，以生宣为好。它对画者和笔法以及墨色、水分都有很好的表达。画笔选用比较柔软、吸水多的羊毫笔，大、中、小号若干支。

现在。人们大多以书画墨汁代替磨墨，而一般的国画颜料，无论是盒装或是单支均可使用。盖印章的印泥一定要用漳州的八宝印泥或西泠印泥等专用的印泥。

作者简介

林之本，福建省建瓯市人。早年毕业于福州艺师图画专业，长期从事美术教学与创作，现为中国书画研究院艺委会委员、海峡书画研究院研究员、福建省政协画室画师、福州绿榕画院院长。近年沉浸于中国山水画的探索与创新，作品《耕山曲》、《果园丰收》入选全国美展，《果园丰收》被中国美术馆收藏。《桃红又是一年春》、《山水魂》被有关部门作为礼品赠送联合国工业发展组织。《山水情》获日本东京国际文化交流奖；《荷塘清趣》获中国画欧洲巡回展佳作奖；《山村晨曲》获加拿大“枫叶奖”等。出版有《林之本山水画集》、《山水画教程》等多种画册、专著。

目录信息

一．云的画法 1．勾云法 2．留白染云法 3．勾、染互用法二．水的画法 1．留白法 2．线描法三．瀑布画法 1．瀑布的安排 2．瀑布的曲折多致 3．瀑布的虚实画法 4．瀑布的遮断法 5．多叠瀑布四．临摹五．写生作品欣赏
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用户评价

这部关于中国画技法的书籍，我得说，它简直是打开了我对传统艺术世界的一扇全新的窗户。从我翻开扉页的那一刻起，就被其详尽而又不失诗意的文字深深吸引住了。它不像某些枯燥的教材那样只罗列步骤，而是将每一种技法——无论是皴法、点苔，还是设色、晕染——都置于深厚的文化背景和历史演变之中进行阐述。特别是对“气韵生动”这一核心概念的探讨，作者没有用空泛的辞藻堆砌，而是通过对历代名家作品的具体笔墨细节进行剖析，让我真正体会到，中国画的精髓绝不仅仅在于“像不像”，更在于“神不散”的意境营造。比如，书中对“留白”的处理，不仅仅是教你“哪里不画”，更深入地解析了“不画处”如何承载了无限的想象空间和哲学意蕴，这对于一个渴望从模仿走向创作的初学者来说，无疑是醍醐灌顶的指引。那些关于墨分五色的精妙描述，从焦、浓、重、淡、清的层次变化，到如何根据不同的纸张属性调整水量，每一个细节都体现了作者扎实的功底和极高的耐心。读完某一章节后，我总有一种迫不及待想拿起笔砚，亲身实践的冲动，而不是仅仅停留在理论层面。这本书的价值在于，它成功地架起了一座连接古人智慧与今人实践的桥梁，让学习中国画不再是一件望而生畏的苦差事，而是一场充满探索乐趣的旅程。

说实话，我过去买过不少美术工具书，大多是图多字少，或者就是把复杂的概念简单粗暴地分解成一系列机械化的指令，看完之后，技法似乎学会了，但总觉得画出来的东西少了点“魂”。然而，这本专门介绍中国画技法的书，完全颠覆了我的这种认知。它的叙事方式非常具有代入感，仿佛一位经验丰富的老先生，耐心且循循善诱地坐在你身旁，而不是一位高高在上的理论家。我特别欣赏作者在讲解“界画”或“白描”这类对线条要求极高的技法时，所采用的那种“由表及里”的教学思路。它首先会展示出不同时代大师线条的特征差异——比如唐代的圆润遒劲与宋代的工整内敛，然后才过渡到如何通过对腕力、肘部乃至全身力量的协调，来控制毛笔的侧锋、中锋和逆锋。更令人称道的是，书中配图的选择极其考究，并非堆砌名画，而是针对特定技法点，截取局部进行放大解析，这种“手术刀式”的精准分析，让我以前理解模糊的“飞白”和“渴笔”的运用时机，立刻变得清晰明朗起来。这种对技术细节的极致关注，辅以对艺术哲思的适度引导，使得这本书的层次感远超一般技法指南的范畴，它更像是一部结合了艺术史、美学理论与实用手册的综合性读本。

坦白讲，这本书对于那些痴迷于国画的硬核爱好者而言，绝对是一份值得珍藏的宝典，但它的价值远不止于此。最让我感到惊喜的是，它对传统技法与现代审美如何接轨的探讨，虽然主体内容侧重古典，但穿插其中的观点却非常具有前瞻性。比如，作者在讨论到“写意花鸟”时，并没有将之仅仅视为一种笔墨的快速挥洒，而是深入剖析了如何通过简化造型、提炼神态，来实现一种超越具象的现代视觉冲击力。书中对于“题款”和“钤印”的讲解，也远超出了简单的“放在哪里”的指导，而是上升到了构图平衡、印泥颜色与画心墨色呼应的艺术决策层面，这体现了作者对中国艺术全流程的整体把握。阅读体验上，这本书的排版设计也值得称赞，无论是字体的选择、行距的疏密，还是图文的配合位置，都显得疏朗有致，长时间阅读也不会感到视觉疲劳。这种对细节的关注，体现了出版方对中国传统文化传承的郑重态度，使得这本书本身就像是一件精心制作的艺术品，而非一份流水线上的印刷品。

我对艺术书籍的评价标准很高，因为它必须在“知识的深度”和“阅读的愉悦度”之间找到一个微妙的平衡点。这本书在处理这一点上做得近乎完美。我不是科班出身，对传统中国画的理解一直停留在比较表层的审美层面，但这本书的结构安排极其科学合理。它没有急于展示复杂的合集技法，而是将重点放在了基础的“笔墨语言”上。例如，关于“晕染”和“罩染”的章节，作者详细区分了不同矿物颜料与植物染料在水性上的差异，以及它们在宣纸上洇化后所产生的微妙肌理变化。这种对材料科学的洞察，极大地拓宽了我对“色彩”的理解——原来中国画的颜色，是“活的”，会呼吸，会随着环境和时间变化。在讲解过程中，作者大量运用了对比性的描述，比如将“没骨法”的松散自然与“工笔重彩”的精雕细琢进行对照分析，这种结构性的比较，帮助我迅速建立起不同流派在技法选择上的内在逻辑，从而避免了在学习初期就陷入技法选择的迷茫。读罢此书，我感觉自己对绘画材料和工具的敬畏感油然而生，这不仅仅是学习如何使用它们，更是学习如何与它们对话。

我从一个完全没有基础的“门外汉”的角度来评价，这本书的难度曲线设置得非常巧妙。它没有用故作高深的术语来吓退新手，而是将复杂的技法分解成了可操作的小单元。比如，在学习“山石皴法”时，作者先从最基础的“披麻皴”入手，详细解释了如何通过调整笔尖的干湿程度来控制线条的虚实，并提供了大量的练习范例，这些范例的难度梯度是层层递进的，让人在循序渐进中获得持续的成就感。更重要的是，它强调了“意在笔先”的绘画心态，而不是死抠线条的完美。很多章节会穿插一些关于“观察自然”的引导性文字，教导读者如何去捕捉日常生活中光影、结构和氛围的瞬间变化，这让我意识到，学习技法是为了更好地表达我们对世界的独特感受，而不是为了复制书上的画面。这种“技法服务于心性”的指导思想，是很多纯粹的“操作指南”所不具备的。总的来说，这本书给予了我极大的信心，它让我相信，通过系统和耐心的学习，即便是零基础的人，也能逐步掌握并享受中国传统绘画所带来的精神愉悦。