How to Draw Cartoons

出版者:Accent Press, Ltd

作者:Platt

页数:60

出版时间:2004

价格:$ 18.07

isbn号码:9780954709204

用户评价

这本书《How to Draw Cartoons》最让我受益匪浅的，莫过于它关于“故事性”的讲解。我之前一直把绘画当作是一种单纯的“技术活”，以为画得像、画得逼真就是好，但这本书让我明白，好的卡通绘画，不仅仅是技巧的展示，更是故事的载体。作者在书中花了不少篇幅来讲解如何让画面“讲故事”。他会从“场景设置”、“人物互动”、“情节暗示”等多个角度，来引导我们思考如何通过画面来传达信息，引起观众的情感共鸣。例如，在设计一个“冒险”的场景时，作者会教我们如何通过背景的细节，比如崎岖的山路、阴森的森林，来暗示即将到来的危险。在描绘人物互动时，作者会强调角色的眼神交流、肢体语言，甚至是他们之间的小道具，都可能成为推动故事发展的线索。我之前画的人物，总是孤零零地站在那里，没有上下文，也没有故事。但通过这本书，我学会了如何让画面充满“暗示性”，让观众在看到画面的那一刻，就能对故事产生好奇。而且，书中还讲解了“动态叙事”的概念，如何通过连续的几幅画面，来展现一个完整的故事发展，就像是制作一个无声的动画片。这不仅仅是绘画技巧的提升，更是让我认识到，绘画作为一种艺术形式，同样承载着叙事的使命。

《How to Draw Cartoons》这本书，让我真正理解了“夸张”在卡通绘画中的核心地位。我之前总以为，夸张就是把东西画得很大，或者画得变形，但这本书告诉我，真正的夸张，是建立在对现实世界的深刻观察之上的。作者并没有鼓励我们随意乱画，而是教我们如何抓住事物的本质特征，然后有选择性地放大和简化。例如，在描绘人物的身体比例时，作者会教我们如何根据角色的性格，来选择是拉长四肢，还是放大头部，或者缩小身躯，以此来凸显角色的某种特质。我之前画出来的角色，总是显得平淡无奇，缺乏辨识度。但通过这本书，我学会了如何利用夸张的手段，来赋予角色独特的魅力。比如，为表现一个胆小的角色，作者会教我们如何将其画得瘦小、四肢细长，并且常常带着一种蜷缩的姿态，这样就能在视觉上立刻传达出角色的性格。反之，一个强壮的角色，则会被赋予宽厚的肩膀、粗壮的手臂，并且站姿也更加挺拔，充满力量感。而且，作者还强调了“变形”并非是无意义的扭曲，而是为了更好地传达信息。例如，在描绘人物奔跑的场景时，作者会教我们如何通过拉伸身体、模糊四肢的细节，来表现速度感，让观众能够感受到那种风驰电掣的动感。这本书让我意识到，夸张不是一种偷懒的方式，而是一种高明的表达技巧，它能够让卡通人物更加鲜明，更加令人难忘。

《How to Draw Cartoons》这本书，让我彻底改变了对“颜色”的看法。我之前总以为，颜色只是用来填满画面的，能让画面看起来更漂亮就行。但这本书让我明白，颜色不仅仅是视觉的享受，更是情感的表达，是烘托气氛的利器。作者在书中详细讲解了“色彩理论”，比如颜色的“冷暖”、“对比”、“和谐”等概念，并提供了大量的案例，展示了如何利用颜色来营造不同的氛围。例如，暖色调的颜色，如红色、黄色，能够带来热情、活力、甚至是危险的感觉，而冷色调的颜色，如蓝色、绿色，则能够营造出平静、神秘、甚至是忧郁的氛围。我之前画画，总是随心所欲地乱用颜色，导致画面混乱，缺乏重点。但通过这本书，我学会了如何有意识地去选择和搭配颜色，让它们服务于画面的主题和角色的情感。而且，书中还讲解了“光影”对颜色的影响，如何通过调整颜色的明暗程度，来表现物体的体积感和空间感。这不仅仅是绘画技术的提升，更是让我对“视觉语言”有了更深的理解，知道如何利用颜色来引导观众的视线，强化画面的表现力。

阅读《How to Draw Cartoons》的过程，与其说是在学习绘画技巧，不如说是在进行一场关于“想象力释放”的探索。我之前总觉得，画画需要天赋，需要什么“灵感”，但这本书让我明白，灵感并非遥不可及，它就藏在我们对世界的观察和思考之中。作者在书中提供了大量的“主题构思”和“角色设计”的案例，它们并非是直接的教程，而是提供了一种思考的框架。例如，在设计一个“超级英雄”角色时，作者会引导我们思考：他/她的超能力是什么？这种超能力来源于什么？他的/她的目标是什么？他的/她的敌人是谁？这些问题，都会直接影响到角色的服装、造型，甚至是他们的口头禅。我之前总是凭空想象，画出来的角色要么是东拼西凑，要么是缺乏内在逻辑。但这本书让我学会了如何从一个核心的概念出发，去构建一个完整的角色世界。而且，书中还鼓励我们去观察生活中的各种事物，从动物的习性，到人们的穿着打扮，再到大自然的形态，都可以成为我们创作的灵感来源。我印象特别深刻的是，作者举了一个例子，如何从一个“香蕉”的形状，联想到一个“月亮”或者一个“微笑”的嘴巴，然后将其融入到角色设计中。这种跨界的联想，极大地拓宽了我的思维方式，让我意识到，生活中的每一个细节，都可能成为我们创作的源泉。

这本书《How to Draw Cartoons》给我的最大启示，在于它对于“表情的塑造”的深入解析。我一直以为，画出好看的卡通人物，关键在于画出漂亮的脸，但这本书让我明白，脸上的每一个细节，都在诉说着角色的故事。作者并没有直接教你画出“标准”的卡通脸，而是从最基础的“点、线、面”出发，告诉你如何用这些简单的元素来构建出复杂的情感。例如，在眼睛的部分，作者详细讲解了眼睛的瞳孔、虹膜、眼白以及眼睑的形状和大小，如何根据不同的情绪来调整。我之前画眼睛，总是觉得它们缺乏神采，看起来空洞无物。但通过这本书，我学会了如何通过微妙的瞳孔收缩、扩张，或者眼睑的半遮半掩，来表现角色的惊讶、困惑、甚至是狡黠。嘴巴的部分更是让我大开眼界，我从来没有想过，一条简单的弧线，能够承载如此丰富的情感。从微笑的弧度，到惊讶时张开的大小，再到愤怒时紧闭的线条，每一个细节的调整，都能让角色的情绪呼之欲出。书中还特别强调了“眉毛”的作用，它被称为“表情的灵魂”，因为眉毛的上下、倾斜、甚至是眉心的动作，都能极大地影响角色的整体情绪。我之前一直忽视眉毛的作用，认为它们只是脸部的一个小点缀。但现在我才意识到，一副恰到好处的眉毛，能够瞬间提升角色的感染力，让它们更加生动，更加具有表现力。这本书不仅仅是教你“画”表情，更是教你“理解”表情背后的心理活动，然后用线条将其“翻译”出来。

这本书《How to Draw Cartoons》最让我惊喜的是，它不仅仅是教你如何画静态的卡通人物，更重要的是，它为我打开了“动态表现”的大门。我之前一直认为，要画出有动感的人物，需要非常高超的绘画技巧，能够精准地捕捉每一个瞬间的动作。但这本书让我明白，动感并非是完全写实的模仿，而是通过一系列的“视觉暗示”来传达。作者在书中讲解了“动感线”和“速度线”的运用，以及如何通过身体的变形和关节的角度，来表现人物的运动轨迹。我印象特别深刻的是，作者用一个简单的“跳跃”动作为例，讲解了如何通过人物的身体姿态，比如弯曲的腿部、向上伸展的手臂，以及画面背景中模糊的线条，来表现出那种跃然纸上的动感。而且，书中还提到了“夸张的瞬间”这个概念，即在人物运动的最高潮或者最关键的时刻，进行更加大胆的夸张，以此来强化画面的冲击力。这不仅仅是绘画技巧的提升，更是让我认识到，卡通绘画的魅力就在于它能够突破现实的束缚，用夸张和变形来表达更强烈的运动感和生命力。

《How to Draw Cartoons》这本书，让我深刻体会到了“风格统一”的重要性。我之前画出来的卡通人物，总感觉像是一群来自不同世界、不同画风的角色，放在一起显得格格不入。这本书让我明白，一个好的卡通作品，需要有自己独特的“语言”，能够让观众一眼就认出这是出自谁之手。作者在书中详细讲解了如何建立自己的卡通风格，它并非是教你模仿某一个大师，而是引导你找到自己最舒服、最擅长的表达方式。他会从线条的粗细、顿挫，到形状的棱角、圆润，再到色彩的搭配、运用，逐一分析这些元素如何影响作品的整体风格。例如，一些追求简洁风格的画家，可能会选择粗犷的线条和明快的色彩，而另一些追求细腻风格的画家，则会运用精细的笔触和柔和的色调。我之前画画，总是跟着感觉走，没有一个明确的方向，所以画面总是显得杂乱无章。但通过这本书，我学会了如何有意识地去控制画面的每一个元素，让它们服务于整体的风格。而且，书中还提供了一些关于“材质表现”的技巧，比如如何用不同的线条和纹理，来表现毛茸茸的皮毛，或者光滑的金属，让角色更加具有立体感和触感。这不仅仅是绘画技术的提升，更是让我对“艺术美学”有了更深层次的理解，知道如何通过统一的风格，来创造出令人赏心悦目的作品。

最近翻阅了几本关于绘画的书籍，让我印象最深刻的莫过于这本《How to Draw Cartoons》。我一直以来都对漫画人物充满了浓厚的兴趣，尤其是一些充满想象力、表情夸张的角色，总能轻易地抓住我的眼球。然而，自己动手尝试时，却总是觉得力不从心，画出来的人物要么呆板无神，要么比例失调，完全没有漫画的那种灵魂。我曾经尝试过模仿网上的教程，也看过一些零散的视频，但总感觉缺了点什么，就像是在拼凑一些零散的碎片，却无法构建出完整的画面。这本《How to Draw Cartoons》的出现，简直就像是为我量身定制的一般，它不仅仅是教你如何画出某个具体的卡通形象，更重要的是，它深入浅出地剖析了卡通绘画背后的逻辑和原理。作者并没有一开始就丢给你复杂的技法，而是从最基础的形状入手，比如圆形、方形、三角形，是如何构成各种各样的人物身体部位的。我之前总觉得画脸是最难的，尤其是眼睛和嘴巴，要如何传达出喜怒哀乐各种情绪，简直是个巨大的挑战。但这本书里，作者用非常巧妙的方式，通过调整眼睛的大小、形状、瞳孔的位置，甚至眉毛的弧度，就能让同一个基本脸型，瞬间呈现出截然不同的表情，从惊喜到惊讶，从沮丧到愤怒，都变得生动起来。我尤其喜欢它关于头部比例的讲解，原来头部的大体比例并不是一成不变的，根据人物的性格和年龄，头部的形状和五官的分布都会有所不同。例如，一些年轻的角色，头部可能会更圆润，眼睛更大，嘴巴也相对较小，显得更加可爱和天真。而一些成熟的角色，头部可能会更方一些，五官的分布也更加写实，但又保留了卡通特有的简化和夸张。这种循序渐进的教学方式，让我这个绘画零基础的人，也能很快地找到绘画的乐趣和自信。它不仅仅是一本教程，更像是一位耐心的老师，一步一步地引导我探索卡通绘画的世界。

《How to Draw Cartoons》这本书，让我明白了一个道理：细节决定成败，但“概括”同样重要。我之前总是过分地纠结于画面的每一个细节，试图将其画得一丝不苟，结果导致画面显得杂乱，缺乏重点。这本书则让我认识到，在卡通绘画中，我们需要学会“取舍”，抓住事物的本质特征，然后进行有选择性的放大和简化。作者在书中举了很多例子，比如在描绘人物的服装时，并不需要将每一处褶皱都画得清清楚楚，而是要抓住最能体现服装特点的几处线条，将其进行概括性的表现。同样，在描绘人物的表情时，也并非是要将每一个毛孔都画出来，而是要抓住最能传达情感的几个关键点，比如眼睛的形状、嘴巴的弧度，然后进行夸张和强调。这种“概括”的能力，能够让画面变得更加简洁、明快，并且更容易传达信息。而且，书中还讲解了如何利用“留白”来增强画面的呼吸感和想象空间，让观众自己去填充细节。这不仅仅是绘画技巧的提升，更是让我对“艺术的表达方式”有了更深的理解，知道如何通过“减法”来达到更好的“加法”效果。

读完《How to Draw Cartoons》，我最大的感受就是，原来卡通人物并非是凭空想象出来的“怪胎”，而是有着一套严谨的“解剖学”和“表演学”体系的。我之前总觉得，画好卡通就是要“随意”，越随意越好，但这本书彻底颠覆了我的认知。作者非常细致地讲解了卡通人物的身体结构，虽然是简化的，但并非完全脱离人体比例。他会从骨骼的支撑点，到肌肉的走向，再到关节的活动范围，给出非常形象的比喻和解释。比如，在画手臂的时候，作者会强调肩膀、肘部和手腕的连接处，以及如何通过改变这些关节的角度，来塑造出各种动态的姿势。我之前画的人物，总是显得僵硬，就像是木偶一样，无法做出自然的动作。这本书里，作者通过大量的实例，展示了如何利用简单的线条和形状，来表现出身体的扭动、弯曲，以及不同姿势下的重力感。更让我惊喜的是，书中还花了相当大的篇幅来讲解“动作的韵律”。作者提出了“S形曲线”和“C形曲线”的概念，并指出在人物的肢体语言中，这些曲线的运用能够增加画面的流畅性和动感。当我尝试着在自己画的人物身上运用这些原理时，我惊奇地发现，原本呆板的姿势，立刻变得鲜活起来，仿佛人物拥有了自己的生命。而且，作者还非常注重“重心”和“平衡”的讲解，教我们如何通过调整人物的姿态，来表现出站立、奔跑、跳跃等不同状态下的重心转移，让画面更具说服力。这不仅仅是技术层面的提升，更是让我对卡通人物的“立体感”和“运动感”有了全新的认识。