Marcel Dzama

出版者:Steidl/David Zwirner

作者:Cameron Shaw

页数:244

出版时间:2008-12-01

价格:USD 70.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783865217424

具体描述

Published on the occasion of his fifth solo exhibition at David Zwirner gallery in New York, "Even the Ghost of the Past" presents new work by the influential young Canadian artist Marcel Dzama--including a DVD of original short films. A favorite among the art, literary and indie music scenes, Dzama is best known for his figurative compositions of pen and watercolor on manila-colored paper. Bearing a characteristic palette of muted browns, greys, greens and reds, Dzama's drawings are populated by an expansive cast of human, animal and hybrid characters. In recent years, Dzama has extended his practice to include work in multiple media. A recent exhibition, for example, transformed the gallery into an odeum of imagination, replete with drawings, sculptures, dioramas and films. Featuring an interview with the artist by filmmaker Spike Jonze and designed in collaboration with the artist as two hardback books twin-bound into one with a custom drawing on the cover, "Even the Ghost of the Past" is destined to become an instant collector's item. Marcel Dzama was born in 1974 in Winnipeg, Manitoba, Canada. A co-founder of the Winnipeg-based Royal Art Lodge collective, he currently lives in New York City.

用户评价

这本书的装帧和纸张选择，透着一股对“物”本身的尊重，这是现在很多艺术书籍里很难寻觅的品质了。书页的质感厚实而微哑，使得那些复杂的笔触和油墨的层次感得以完美呈现，即便是扫描件或数字图集里永远无法捕捉到的那种微妙的光泽和纹理，在这里都得到了充分的再现。摊开任何一页，都像是在触摸艺术家创作时的真实触感。更值得称道的是，它在排版上做了极其克制的处理，大量的留白如同舞台上的静默，将观众的注意力牢牢钉在画面本身。没有冗余的文字干扰，作者似乎坚信作品的语言本身就足以震撼人心。这种做法非常高明，因为它迫使读者必须停下来，真正地“观看”，而不是被动的接受讲解。对于想要深入研究其技法和风格演变的人来说，这种清晰、无干扰的呈现方式简直是福音，它提供了一个纯粹的对话空间，让你直接面对创作者抛出的每一个视觉难题。

读完这本作品集，我最大的感受是它对“异化”主题的持续探索，而且完全避开了陈词滥调的社会批判，而是转向了一种更为个人化、近乎神话般的疏离。那些半人半兽的形体，或者穿着滑稽戏服却眼神空洞的角色，构建了一个属于他自己的后现代寓言世界。这个世界里，理性似乎被放逐了，取而代之的是一种原始的、被压抑的本能的狂欢。这种感觉非常强烈，仿佛置身于一场永不落幕的梦魇，既恐惧又沉溺其中。我甚至开始思考，他是不是在用这种手法，来解构我们日常生活中那些被强行植入的“正常”标准。这本书不是在提供答案，而是在提出无数个关于身份、变形和存在边界的尖锐问题。它拒绝被轻易归类，拒绝取悦大众的审美，这份艺术上的“硬骨头”，恰恰是我认为它最宝贵的地方。它挑战了观看的舒适区，迫使我们重新审视那些被我们视为理所当然的界限。

刚翻开这本画册，就被那种扑面而来的奇异氛围给攫住了。色彩的运用简直是大胆到近乎挑衅，那些柔和的色调和突兀的荧光色块混搭在一起，像是一场不合时宜的马戏团表演，但又带着一种莫名的吸引力。画中的人物形象总是扭曲的，肢体语言夸张到有些病态的美感，他们的表情介于天真和深不可测之间，让人忍不住想要探究他们内心到底隐藏着怎样的秘密。我尤其喜欢那些对细节的打磨，即便是最微小的配饰或者背景中的一笔涂鸦，都充满了叙事性，仿佛每一个元素都在低语着一个未完待工的故事。看着这些图像，我总感觉自己闯入了一个艺术家精心搭建的、充满潜意识符号的迷宫，需要用一种完全不同于日常逻辑的方式去解码。它不是那种能让你一眼看穿的“美”，而是一种需要时间去浸泡、去感受其深层不安感的艺术体验。每一次重读，都会在不同的细节上捕捉到新的情绪碎片，这种持续的发现感，让这本书的价值远超一般的画册收藏。它更像是一个视觉日记，记录了一个独特灵魂的奇异景观。

我必须强调这本书在情绪氛围上的穿透力，它几乎是同步调动了读者的所有感官，即便只是用眼睛“看”。有些作品的笔触带有强烈的音乐性，仿佛能听到某种低沉的、持续的嗡鸣声，那是画面中那些几何图形和错综线条交织时产生的共振。另一些作品则弥漫着一种潮湿的、老旧阁楼里的气味，那种混合着尘土和松节油的味道，即便是在平面的纸张上也能被强烈地感知到。这种跨感官的体验，显示了艺术家在构建他的视觉世界时，考虑的维度远超视觉本身。这本书更像是一部精心编排的交响乐，有激昂的高潮，也有令人屏息的寂静段落。它要求读者全身心投入，去感受那种被刻意营造出来的、略带不安和疏离感的艺术场域。对于寻求超越传统艺术体验的爱好者来说，这无疑是一次不可多得的“沉浸式”的视觉之旅。

从创作脉络来看，这本书像是一张精密绘制的思维导图，它清晰地展示了艺术家是如何从早期的插画风格，逐步演化出那种标志性的、融合了巴洛克式的繁复与街头涂鸦的粗粝感的独特语汇的。书中收录的作品年代跨度很长，这使得观察其风格的迭代和主题的深化成为一种有趣的智力游戏。你会发现，某些核心的母题——比如重复的符号、镜面反射、以及对传统宗教图像的戏仿——是如何在不同的时期被赋予新的生命和解读深度的。尤其那些手稿和未完成的草图部分，暴露了艺术家思考过程中的挣扎与灵光一现，这比那些打磨精美的最终成品更具教育意义。它告诉你，伟大的作品并非一蹴而就，而是无数次自我否定和重构的结果。这种对创作过程的半公开展示，极大地丰富了作品集的文献价值，使得它不仅仅是一本画册，更像是一份视觉化的创作方法论。