动画运动规律

作者:乔晶晶

页数:56

出版时间:2008-10

价格:20.00元

isbn号码:9787308062626

丛书系列:动漫与媒体艺术

具体描述

《动漫与媒体艺术》是为了应对现时中国动画教学教材建设的迫切需要，中国美术学院传媒动画学院与浙江大学出版社通力合作，充分发挥名校、名师的教育引导效应，联手打造了这套大型动漫系列教材。

发展和繁荣中国的动画产业与动画艺术，离不开相关的教育及对动画人才的培养。这既是国家教育战略的一项重要内容，又是教学科研的系统工程。许多优秀的动画教育者，动画教育艺术家、理论家和动画制作人都在努力思考和积极探索如何建立中国自己的动画教学体系，确立动画人才的培养方向，编写出高质量的动画教材。经过数年来不懈的工作，我国已在这一领域取得了可喜成绩。

就我们目前欣赏到的动画作品而言，已经历了整整一个世纪的历史演变发展，应该说，它不能算是全新的教学项目了。在这一行业的发展进程中，特别是从20世纪80年代以来，由于高新科技的快速推进，使动画教育在教育理念和内涵上增加了许多新质。融入了许多新的教学模式和方法。当今的动画教学已拓展成融造型艺术、网络艺术、影视艺术等多种元素为一体的综合性学科。与此相应，动画专业大学四年制本科毕业的学生，至少要对绘画造型、影视、文学、计算机技术及音效这五大领域有一定的认识和把握，方能适应今天动画事业的发展速度和对相应人才的需求。

该丛书的一大亮点是专业完整性与操作实用性的有机融合，这在艺术类教材编写上是一种新的探索。有关的业内专家与学者经多次商讨研究，设定了较为全面而科学的专业框架一一不仅容纳了所有动画专业的主流基础课程，还尽可能多地涵盖与动画相关的各种专业知识和技能。

用户评价

**对“真实”与“夸张”边界的深度探索** 这本书最让我受益匪浅的地方，在于它对动画中“真实感”边界的探讨。它没有盲目地推崇绝对写实，而是深入剖析了“有目的的失真”在增强叙事张力中的核心作用。作者用了大量的篇幅来拆解那些被认为是“夸张”的经典动画片段——比如英雄人物的冲刺、怪物的咆哮——来证明这些“违反物理”的瞬间，其实是基于更深层次的、情感上的“运动真实性”。它揭示了一个核心观点：夸张不是胡编乱造，而是对特定运动特质的“聚焦和放大”。比如，为了表现角色的轻盈，我们可以刻意弱化重力对它的影响，甚至让它在空中停留的时间比现实中长一倍，但这必须以一个极度精确的“弹性”和“形变”作为交换，以确保观众在情感上接受这种超现实的设定。这种对“换算”机制的精妙解析，让我对我的角色设计有了全新的理解。我不再害怕去设计那些“不可能”的动作，而是学会了如何设计出“值得被原谅的”不可能动作。这本书帮助我建立了一种强大的内心评判标准：任何对规律的打破，都必须是为了服务于故事和角色情感的表达，而不是随意的涂鸦。这使得我的作品在保持个性的同时，也拥有了坚实的运动基础作为支撑。

**打破陈规的运动哲学指南** 坦白讲，我带着一种怀疑的态度翻开了这本书的扉页。市面上太多打着“颠覆性”旗号的教程，最后发现内容不过是换汤不换药的陈词滥调。但《动画运动规律》这本书，它真正做到的是对“规律”本身的解构和重塑。它没有将“运动规律”视为不可逾越的铁律，反而将其视为一种可以被艺术家根据叙事需求进行调控的“工具箱”。我最欣赏的是它探讨“节奏与时间感”的章节。作者大胆地指出，写实的运动只是基础，真正打动人心的往往是那些被刻意拉长或压缩的时间片段。书中用大量的篇幅去对比不同文化背景下对“快速”和“慢速”的感知差异，这一点在国内的动画教材中是极少深入探讨的。它引导我去思考，一个角色愤怒时的爆发力，不光是靠速度体现，更依赖于它在动作爆发前那一瞬间的“凝滞”——那短暂的、违反直觉的停顿，反而强化了后续动作的冲击力。我发现自己以前过于关注动作本身的形态，却忽略了动作“发生的前后环境”。这本书像一把手术刀，精准地切开了动作的时间轴，让我看到了隐藏在帧与帧之间的“意图”。它教会我的不是如何画好一个标准的挥拳，而是如何设计一个“有情绪”的挥拳，让观众能从那不到一秒的动作中，感受到角色的决心、迟疑或者后悔。对于那些希望自己的动画作品能拥有更深层次情感穿透力的作者来说，这本书提供的视角是革命性的。

**从观察者到创造者的质变** 这本书的阅读体验，与其说是学习理论，不如说是一次长达数百页的“沉浸式观察训练”。我过去常常陷入一个怪圈：我能看到别人动画中的问题，但当我回到自己的作品时，又会立刻忘记如何修正。这本书提供了一种结构化的思维框架，帮助我将零散的观察碎片转化为可操作的经验值。它没有直接告诉我“你应该如何画”，而是通过对自然界中无数动态案例的解剖——从水流的涡旋到树叶的飘落，再到昆虫振翅的频率——构建了一个关于“能量流”的宏大图景。最让我震撼的是它关于“惯性与阻尼”的阐述。作者通过一个非常生活化的比喻——想象你的角色身体里装着不同粘稠度的液体——来解释为什么角色不能像机器人一样瞬间启动和停止。这种将抽象概念具象化的能力，是这本书最大的亮点。我过去在表现重型机械或巨大生物时，总觉得它们“飘”，缺乏分量感，现在我明白了，那是因为我对“惯性尾巴”的处理不够细腻。这本书引导我去关注那些细微的、看似不重要的“晃动”和“回弹”，正是这些细节，赋予了物体无可辩驳的物理真实性。它成功地将一个动画师从单纯的“画师”提升到了一个“微观物理现象的模拟者”的高度，这种视野的拓宽，价值千金。

**一个追逐光影的视觉盛宴** 这本书简直是为我这种沉迷于动画制作的“老炮儿”量身定做的！我原本以为市面上关于动态视觉和运动规律的书籍都逃不出那种枯燥的理论堆砌，无非就是一些生硬的数学公式和抽象的概念。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它没有大谈特谈什么“牛顿的定律在像素层面的应用”，而是用一种极其生动、近乎于讲故事的方式，深入浅出地剖析了角色如何“活”起来的秘诀。书中的案例分析非常到位，比如那个著名的“弹跳球”的分解，作者竟然能从它落地时的形变到反弹上升过程中的能量转移，描绘得既有科学的严谨性，又充满了艺术的张力。我尤其喜欢它讲解“预备动作”的部分，通过一系列经典电影片段的截图对比，展示了如何用微妙的肌肉拉伸和身体姿态预示即将到来的动作，这对于提升我角色动画的流畅度和真实感，简直是立竿见影的效果。读完这一部分，我立刻打开我的工作软件，尝试重新设计了我正在做的那个走路循环，仅仅是微调了几个关键帧之间的过渡，角色的“重量感”和“个性”就立刻凸显出来了，这感觉太奇妙了。这本书更像是我的一个资深导师，在我迷茫时轻轻推我一把，告诉我“看，力量是如何传导的”，而不是冷冰冰地扔给我一堆参数。它的插图和图示也设计得极具启发性，即便是复杂的物理现象，也能被简化成一目了然的线条和箭头，让那些原本觉得晦涩难懂的部分，瞬间变得清晰透彻。这绝对是每一位严肃对待动画表达的创作者案头必备的工具书，而不是一本普通的理论参考。

**跨越媒介的动态美学辞典** 作为一名习惯于研究传统二维动画的从业者，我对这本书在跨媒介应用上的广度感到非常惊喜。它并非仅仅局限于讨论传统的24帧动画，而是巧妙地将运动规律的本质，映射到了定格动画、3D建模，甚至近几年兴起的动态图形（Motion Graphics）设计中。书中有一章专门对比了不同媒介对“时间”的处理限制与优势。例如，它分析了定格动画中因逐帧拍摄带来的天然抖动感，如何被巧妙地利用来增强角色的焦虑或兴奋情绪，这在纯数字制作中是很难自然产生的“质感”。更重要的是，这本书的语言风格非常具有启发性，它不满足于描述“发生了什么”，而是探讨“为什么这么做是有效的”。它的排版设计也十分考究，大量的留白和精选的对比图表，让阅读过程保持了一种高效的专注度，丝毫没有传统学术著作的压抑感。我感觉这本书更像是一本“动态美学”的综合手册，它提供的不仅是动画的规则，更是一种观察世界、理解运动的全新哲学视角。它让我开始重新审视那些我习以为常的视觉符号，思考它们背后的动力学逻辑是否已经被充分挖掘和利用。对于想要跳出自己舒适区的创作者来说，这本书是极佳的催化剂。