Acting Is Believing: A Basic Method pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:McGaw, Charles

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:

价格:75.00

装帧:

isbn号码:9780155015845

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具体描述

Book Description Appropriate for any course in which students learn the basic principles of stage performance and acting， the seventh edition of this classic text builds on the strengths of the previous editions. Drawing on a wide range of dramatic materials， the author uses the Stanislavski method of acting as unifying concept in the book.

《演技即信念：塑造真实灵魂的艺术》前言表演，这项古老而又常青的艺术，始终以其独特的魅力吸引着无数灵魂。它让我们得以窥探人类情感的深邃，体验各式各样的人生，并在虚构的戏剧舞台上，触碰到最真实的自我。然而，究竟是什么让一个演员能够超越模仿，真正地“相信”自己所扮演的角色，从而将生命注入一个非真实的躯壳？《演技即信念：塑造真实灵魂的艺术》一书，便是献给所有渴望理解并掌握这一核心奥秘的探索者。本书并非一本简单的表演技巧教程，它更像是一次深刻的心灵对话，一次对演员内在世界的挖掘。我们深信，真正的表演并非外在的模仿或夸张的表情，而是源于内在的深刻连接——与角色的连接，与情感的连接，最终，与我们自身的连接。当演员能够真正地“相信”自己是那个角色时，表演便不再是“演”，而是“是”。届时，舞台上的每一个眼神，每一个动作，每一次呼吸，都将流淌着角色的真实生命力，触动观众最深处的心灵。我们将在本书中，循序渐进地揭示“相信”的力量，以及如何通过一系列精炼的练习和深入的思考，将这种信念根植于演员的血肉之中。我们将探讨演员如何摆脱束缚，释放被压抑的情感，拥抱角色的经历，甚至如何在日常生活中培养一种敏感而开放的心态，为表演打下坚实的基础。这不仅仅是一门关于如何表演的学问，更是一条关于如何更深入地理解人性，更真诚地体验生活的道路。无论您是初涉舞台的新手，还是经验丰富的表演者，亦或是仅仅对表演艺术怀有浓厚兴趣的旁观者，《演技即信念：塑造真实灵魂的艺术》都将为您开启一扇新的大门。在这里，您将发现，最伟大的表演，源于最深刻的相信。第一章：相信的起点——内在的觉醒在踏入角色内心世界的大门之前，演员首先需要完成一次对自我的深刻觉醒。我们常常被外在的评价、社会的期待所裹挟，小心翼翼地戴上面具，扮演着“应该成为”的角色，却忽略了那个最真实、最原始的自我。然而，正是这个被忽略的自我，蕴藏着表演最宝贵的素材。本章我们将从“内在的觉醒”开始，引导您进行一系列自我探索的练习。我们将学习如何辨识并放下那些阻碍我们真实表达的心理壁垒，例如对失败的恐惧、对评判的在意，以及根深蒂固的自我怀疑。通过正念练习、情绪日志以及一些引导性的冥想，您将开始重新连接被遗忘的情感，发现那些隐藏在意识深处的渴望、恐惧和脆弱。许多演员认为，表演就是“假装”，是戴上一顶新的帽子，说一套不属于自己的话。然而，真正的表演艺术家明白，那顶帽子只是遮掩，那句话只是披上外衣。核心在于，演员能否在自己内心深处找到与角色相似的情感共鸣，能否理解角色的动机，并将其内化为自己的一部分。这种内化，需要一个足够开放和觉醒的自我作为基石。我们将深入探讨“情感记忆”的概念，但并非仅仅局限于复制过去的经验。我们关注的是如何从中提取最纯粹的情感“质感”，并将其转化为一种可以被当下情境所激活的能量。同时，我们也会讨论如何避免陷于情绪的泥沼，而是学会以一种清明的意识去运用和转化这些情感，使其服务于角色和故事。 “相信”并非凭空产生，它源于对自我真实的理解和接纳。只有当演员能够接纳自己的不完美，理解自己的复杂，才能有勇气去拥抱一个同样复杂甚至更加极端اً的角色。本章的练习旨在帮助您建立起这种内在的安全感和开放性，为接下来的表演探索铺平道路。第二章：角色的 DNA——理解与同化一旦演员内在的觉醒成为一种稳定的状态，我们便可以开始将目光投向我们即将扮演的角色。角色，并非一堆简单的文字符号，它们是作者呕心沥血塑造的、拥有自己生命轨迹的灵魂。要真正地“相信”一个角色，我们必须先彻底地理解它。本章将围绕“角色的 DNA”展开，深入剖析如何从剧本的字里行间，挖掘出角色的深层动机、隐藏的欲望、过往的创伤以及其独特的世界观。我们将学习如何进行细致的剧本分析，关注角色的台词、行动、与其他角色的关系，以及那些未曾言明的潜台词。但分析并非目的，而是为了更深层次的“同化”。 “同化”是表演过程中至关重要的一环。它意味着演员不再是旁观者，而是潜入角色的血液，感受其心跳，理解其痛苦与喜悦。我们将介绍一系列方法，帮助您构建角色的“生活史”，从童年到剧本发生时的每一个重要节点。这包括想象角色的成长环境、家庭关系、教育背景、第一次经历的爱与失落等等。这些细节的填充，将使角色在您心中变得立体而丰满。我们还会讨论“角色的生理结构”，这并非指演员的外貌，而是指角色在特定情境下的生理反应。例如，一个因过度紧张而颤抖的角色，其颤抖是源于心脏的加速，还是肌肉的痉挛？理解这些生理层面的反应，能够帮助演员更自然、更具说服力地展现角色的状态。 “同理心”是同化过程中不可或缺的工具。它要求演员放下自己的主观判断，尝试站在角色的立场上去思考问题，去感受其情感。这并非意味着赞同角色的行为，而是理解其行为背后的逻辑和情感驱动。当演员能够真正地“感同身受”，那么即使角色有悖于演员自身的价值观，也能展现出令人信服的真实性。本章的练习将引导您通过角色扮演、情景模拟以及大量的提问，不断地与角色的内在世界进行对话。您将学习如何将角色的感受转化为自身的感受，如何让角色的语言成为您自然的表达，最终，让角色在您身上“活”过来。第三章：信念的桥梁——情感的激活与驾驭理解并初步同化了角色之后，我们便站在了“相信”的桥梁前。这座桥梁，由演员的情感所构成，它连接着演员的内在自我与角色的生命。本章将聚焦于如何激活和驾驭这些情感，从而让“相信”成为一种有力的支撑。 “情感的激活”并非要求演员在舞台上声嘶力竭地宣泄，而是要学会找到触及角色真实情感的“引爆点”。我们将探讨多种情感激活技术，包括但不限于：利用具象化的想象，将抽象的情感转化为具体的画面和感官体验；运用“情感转移”，将生活中某些相似的情感经验巧妙地迁移到角色情境中；以及通过“身体的引导”，让身体的姿态和动作激发相应的情感。关键在于，我们要学会从“演”情感转变为“感受”情感。例如，一个悲伤的角色，演员并非要去“演”悲伤，而是要找到能让自己真正感受到悲伤的契机，可能是对角色失去的某种物品的想象，可能是对角色经历的某段痛苦回忆的代入。这种感受，是真实的，也是可控的。 “情感的驾驭”则是在激活情感之后，如何将其精确地运用到表演中，并确保其始终服务于角色和故事。我们将讨论“情感的层次感”，即同一份情感，在不同的情境下，其强度和表现方式都会有所不同。演员需要学会捕捉和展现这种微妙的变化，避免表演的单一化和程式化。我们还会深入探讨“情绪的流动性”。真实的情感并非静止的，它们是动态变化的，相互影响。演员需要培养敏锐的情绪感知能力，能够在表演过程中跟随角色的情绪脉络，自然地进行转化和衔接。这就像是驾驶一艘船，在情感的海洋中航行，既要把握风向，也要灵活调整航向。本章的练习将侧重于情感的实践应用。您将学习如何在不同表演情境下，有意识地激活和调动角色的情感，并尝试对其进行精确的控制和表达。通过大量的即兴练习和场景重现，您将逐渐建立起对自身情感的敏锐度，以及对角色情感的精准驾驭能力。最终，您将能够相信，您所感受到的，正是角色所经历的。第四章：相信的实践——身体与语言的统一 “相信”不仅仅停留在内在的情感层面，它必须通过演员的身体和语言得到完美的呈现。只有当内在的信念与外在的表达高度统一时，表演才能真正地具有生命力。本章将探讨如何让身体与语言成为“相信”的载体，共同塑造一个真实可信的角色。 “身体的表达”是演员最直接的交流方式。我们将深入研究“身体的意识”，即如何通过对身体每一个部位的感知，来理解和传达角色的状态。这包括角色的姿态、步态、手势、面部表情，以及呼吸的方式。一个紧张的角色，其肩膀可能会不自觉地耸起；一个疲惫的角色，其步伐会显得沉重。这些细微的身体变化，都蕴含着丰富的信息。本章将提供一系列关于身体训练的建议，强调“放松”的重要性。只有当身体处于一种自然放松的状态时，才能够更自由地响应内在的指令，也更容易接受和表达角色的情感。我们将探索一些基础的身体律动和模仿练习，帮助您增强身体的敏感度和表现力。 “语言的运用”同样是“相信”的重要体现。角色的台词并非只是需要被“说出来”的文字，它们是角色思想、情感和意志的载体。我们将探讨如何让语言变得“有分量”，即不仅仅是清晰发音，更要赋予其情感的色彩和动机的支撑。 “潜台词”是语言中最具挑战性的部分。它指的是台词背后隐藏的真正意图和情感。演员需要通过对角色的深刻理解，挖掘出每一句台词背后的潜台词，并让其在表演中自然流露。这需要演员对角色的动机有着清晰的认知，并能够将这种动机转化为语言的节奏、语速和音调的变化。本章的练习将致力于身体与语言的整合。您将学习如何让角色的内在信念贯穿于每一个身体动作和每一次语言表达之中。通过大量的场景练习，您将有机会将之前学到的情感激活、角色理解与身体语言相结合，从而创造出更加真实、生动的表演。您将体会到，当您的身体和语言都“相信”时，那么观众自然也会被您所相信。第五章：信念的升华——即兴与创造当演员对“相信”的理解和实践达到一定深度时，表演便不再局限于对既定剧本的复制，而是进入了“即兴与创造”的更高境界。本章将探讨如何让“相信”成为一种持续的创造力源泉，让演员能够在舞台上自由地探索和发展。 “即兴表演”并非漫无边际的发挥，而是在角色和故事框架内的自由探索。它要求演员拥有高度的临场反应能力，能够根据当下情境和对手的表演，做出自然而富有逻辑的回应。我们将探讨一些即兴表演的基本原则和技巧，例如“是的，而且……”的接受模式，以及如何保持角色的一致性。 “创造性”的注入，则意味着演员不仅仅是角色的执行者，更是角色的共创者。通过对角色的深刻洞察，演员可以为角色注入新的层次和细节，丰富其内在世界。这包括对角色微小习惯的捕捉，对角色微妙情感的捕捉，甚至是对角色未来可能性的想象。本章将鼓励演员拥抱“不确定性”和“可能性”。表演是一个动态的过程，充满了未知。只有当演员内心坚定地相信角色，才能在未知面前保持从容，并从中发现新的表演火花。我们将讨论如何培养一种“游戏心态”，将表演视为一场充满探索和惊喜的游戏。 “观众的互动”也是信念升华的重要体现。当演员完全沉浸在角色中，并对自己的表演充满信念时，他们的能量便会自然地辐射到观众。观众的反应，反过来又会成为演员表演的灵感和支撑。本章的练习将更加开放和自由。您将有机会参与一些即兴剧目创作，以及在现有剧本基础上进行角色拓展的练习。通过不断的尝试和反馈，您将逐渐掌握如何将“相信”的力量转化为一种源源不断的创造力，在每一次表演中，都能带来新鲜的惊喜和深刻的触动。结语《演技即信念：塑造真实灵魂的艺术》一书的旅程，至此即将画上一个阶段性的句号。然而，对于每一位渴望追求真实表演的演员而言，这仅仅是另一段更广阔旅程的开端。我们相信，“相信”的力量是无穷的，它能够穿透人性的迷雾，触及最纯粹的情感，并在虚构的世界中，创造出真实的震撼。我们所介绍的练习和理念，并非一成不变的教条，而是抛砖引玉的引导。真正的表演艺术家，会在实践中不断地反思、调整和创新。最重要的，是保持一颗永远开放、永远好奇的心，去探索人性的深度，去拥抱角色的生命，去相信，你所呈现的，便是真实。愿您在表演的道路上，始终保有那份纯粹的信念，用您的灵魂，去点亮每一个角色，去温暖每一个观众。因为，当您相信时，您便不再是“演”，而是“是”。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简洁得有些过头，让人一眼扫过去，脑子里几乎留不下什么印象。装帧的纸张手感还算扎实，至少翻起来不会有廉价感。我最初抱着一种“试试看”的心态买下它，毕竟在表演领域，名字听起来有点陈旧的教材反而可能藏着干货。然而，阅读的过程体验称不上愉快。文字组织显得非常松散，作者似乎总是在兜圈子，用一大堆看似深刻实则空泛的术语来包装一些非常基础的观点。我花了很大力气试图从字里行间梳理出清晰的脉络，但每次都像是走进了一个迷宫，出口似乎总在下一个转角。很多段落读起来就像是作者在自言自语，缺乏与读者的有效对话感。比如，书中反复强调“真诚”的重要性，但对于如何在这种“真诚”中保持表演的技巧性，提供的指导却模糊不清，更多的是一种哲学层面的空谈，而不是可操作的练习指南。对于一个渴望快速掌握表演技巧的初学者来说，这种阅读体验无疑是令人沮丧的，它没有提供任何立即可用的工具箱，只留下了一堆需要自己去消化的、未经提炼的概念碎片。我期待的是一种严谨的、结构化的教学，但得到的却更像是一本散文集，关于表演的“感觉”而非“技术”。

评分☆☆☆☆☆

我花了一整个周末的时间试图消化这本书里关于“内心动机”的部分，但说实话，收获甚微，甚至有些许被误导的感觉。作者似乎对一些深层次的心理学概念有着自己的理解，并将它们强行嫁接到表演训练中，但这种结合并不自然。举个例子，书中有一章专门讨论如何处理角色的“阴影面”，听起来很有深度，但在实际操作层面，它提供的方法极其依赖演员自身的心理成熟度和对弗洛伊德理论的熟悉程度。对于没有经过正规心理分析训练的演员来说，这些指导不仅难以应用，反而可能带来不必要的心理负担。我更欣赏那种提供具体身体练习或场景重建方法的教材，它们能让演员在安全的环境下进行探索。而这本书则更像是在要求你先成为一个哲学家或心理学家，然后再去尝试演戏。这种对前提知识的过高要求，使得这本书的受众面变得非常窄。它似乎更适合那些已经在剧场摸爬滚打多年，寻求理论支撑的资深人士，对于基础入门者而言，它更像是一堵充满术语的高墙，而不是一座引人入胜的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容排版简直是一场视觉上的灾难。行距设置得非常拥挤，加上那种略带年代感的字体，使得大段的文字阅读起来极为费神，眼睛稍微一集中，就容易产生疲劳感。我感觉自己不是在学习表演，而是在攻克一本晦涩的古代文献。更让人抓狂的是，作者在引用其他理论或案例时，缺乏必要的注释或清晰的标记，常常是突然插入一段毫不相关的引言，然后又迅速跳回到自己的论述中，让人很难判断哪些是作者的原创见解，哪些是借用他人的观点。这种混杂不清的叙事方式，极大地削弱了文本的说服力。我尝试着将重要的段落做笔记和高亮，但很快就放弃了，因为发现大部分内容似乎都处于同一平坦的叙述线上，没有明显的重点或突破口。如果你期待的是一本能让你在咖啡馆里轻松阅读、并能随时暂停下来思考的指南，那这本书绝对会让你失望。它更像是那种需要你端坐在书桌前，带着放大镜，逐字逐句去啃食的硬骨头。整体而言，它在“可读性”这一项上，距离现代的教学书籍标准相去甚远。

评分☆☆☆☆☆

这本书的案例选择和分析角度也让我感到非常不解。它似乎非常热衷于分析那些历史上著名的、但也极其个人化的表演片段，但却很少将这些分析转化为普遍适用的技术要点。我希望看到的是一种“解构”过程，即如何将大师的表演分解成可学习的步骤，比如他们的呼吸控制、眼神焦点、节奏把握等等。然而，这本书倾向于将成功归结于一种近乎神秘的“灵光一闪”或“天赐的禀赋”，然后就草草收尾，没有深入挖掘其背后的技术支撑。这让人有一种“你必须天生就是个天才，否则一切都是空谈”的消极暗示。这种论调在某种程度上打击了普通学习者的积极性。我希望能找到一本能够踏踏实实地、一步一步教会我如何构建角色的教材，而不是一本赞美那些遥不可及的“神级”表演的史书。它的理论构建看起来很宏大，但最终呈现的结果却是零散的、非结构化的，缺乏一个清晰的“如何做”的路线图。

评分☆☆☆☆☆

如果用一句话来概括我的阅读体验，我会说这更像是一本表演者的“冥想录”而非“操作手册”。书中充满了大量的“你应该感受”、“想象力必须达到某种境界”之类的陈述，但这些描述太过主观和抽象，缺乏量化和反馈机制。例如，当作者描述一种“完全沉浸”的状态时，他使用的词汇是如此的诗意和飘渺，以至于我完全无法在排练场上检验自己是否达到了这个“境界”。优秀的教学材料应该提供清晰的测试标准，让你知道自己是“做到了”还是“没做到”。这本书在这方面完全是缺失的。我试着将书中的一些概念应用到最近的排练中，结果发现，当我试图专注于作者描述的那些“高级感受”时，我的舞台呈现反而变得更加僵硬和做作，因为我的注意力被分散到了对“感觉”本身的过度关注上，而不是动作和对手的连接上。总而言之，这本书在试图探讨表演的形而上学层面时，不幸地牺牲了其实用性和指导性，最终留下的成品，对于绝大多数努力提升技艺的演员来说，价值有限。

评分☆☆☆☆☆