中国画自学丛书 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:山东美术出版社

作者:沈高仁

出品人:

页数:22

译者:

出版时间:1999-11

价格:7.0

装帧:平装

isbn号码:9787533013622

丛书系列:

图书标签:

艺术
中国画
绘画
艺术
自学
教程
技法
入门
文化
国画
绘画技巧

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具体描述

《怎样画虎》由山东美术出版社出版。

《中国画自学丛书》内容概览《中国画自学丛书》是一套旨在为中国画爱好者和初学者提供系统性、实践性指导的教程。本丛书力求打破传统教学模式的壁垒，以易于理解、循序渐进的方式，引导读者深入了解中国画的独特魅力与创作技法，最终实现独立创作的目标。全套丛书共分为若干分册，每一册都聚焦于中国画学习中的一个重要环节，并与前后章节形成紧密的逻辑联系，确保学习过程的连贯性和完整性。第一卷：中国画基础入门——笔墨的言语本卷是整个丛书的基石，旨在为零基础的读者建立对中国画最基本概念的认知，并熟练掌握最基础的用笔用墨技巧。第一章：中国画概览何为中国画？详细阐述中国画的定义、历史渊源、主要画种（如人物、山水、花鸟、走兽等）的演变与特色，强调中国画在哲学思想、美学观念上的独特性。中国画的独特表现语言：介绍中国画区别于西方绘画的特点，如水墨晕染、线条勾勒、留白艺术等，让读者初步理解中国画的“意境”之美。中国画的学习路径建议：为初学者提供一个清晰的学习方向，包括学习的重点、注意事项以及心态调整。第二章：绘画工具的认识与运用文房四宝的精髓：详细介绍笔、墨、纸、砚的材质、种类、特性以及选择标准。例如，毛笔的种类（狼毫、羊毫、兼毫等）及其在不同笔触中的作用；墨的种类（松烟墨、油烟墨）及其浓淡变化；纸的种类（生宣、熟宣、半熟宣）及其对笔墨的适应性；砚的保养与使用。其他辅助工具：介绍调色盘、笔洗、镇纸、毡布等辅助工具的用途与选择。工具的日常保养：强调工具的正确使用与保养，这是保证绘画质量和延长工具寿命的关键。第三章：执笔与运腕——掌握笔墨的魂魄正确的执笔姿势：分步骤图解演示“五指执笔法”（或称“拨镫法”），讲解不同姿势对笔触力度、粗细、速度的影响。运腕与用力的奥秘：深入浅出地讲解如何通过腕部、肘部、肩部的协调运动来控制笔的落点、行笔的轻重缓急。强调“力由腕出”，而非僵硬的手指力量。练习基础笔画：通过大量的基础练习，如横、竖、点、勾、皴、擦、染等，让读者熟悉笔墨在纸上的表现力，感受笔触的生命。第四章：墨的法度——浓淡枯湿的学问墨色的变化：讲解“墨分五色”的理论，即焦、浓、重、淡、清，并指导读者如何通过调墨、润笔、用墨的干湿程度来创造丰富的墨色变化。墨色的表现力：探讨墨色在表现物体体积、质感、光影、空间上的作用，如用浓墨表现深邃，用淡墨表现朦胧。基础墨色练习：通过“点”的练习，如大小点、疏密点，用以训练墨色的控制能力；通过“线”的练习，如中锋、侧锋、行笔速度的快慢，用以训练墨线的粗细变化。第五章：线的力量——勾勒万物的灵魂线条的种类与表现：介绍中国画中常见的线条类型，如游丝描、铁线描、钉头鼠尾描、折芦描等，分析其各自的特点和在描绘不同对象时的应用。线条的节奏与韵律：讲解如何运用线条的粗细、曲直、方圆、顿挫来表现物体的形体、质感、动感和精神气质。线条的练习：包含各种线条的临摹和创作练习，如勾勒不同形状的物体，体会线条的生命力。第二卷：山水画的意境——写意山川的胸怀本卷将重点放在山水画的创作，引导读者理解中国山水画的哲学内涵，并掌握描绘自然景物的基本技法。第一章：中国山水画的审美特征与哲学思想 “天人合一”的观念：阐述山水画中蕴含的道家、儒家思想，以及人与自然和谐共生的哲学理念。 “移情”与“借景”：讲解画家如何将自己的情感寄托于山水之中，通过描绘景物来表达内心世界。山水画的意境：探讨“气韵生动”、“骨法用笔”、“随类赋彩”等传统山水画理论，以及如何通过画面营造出宁静、悠远、雄浑、秀丽等不同的意境。第二章：山石的塑造——中国画中的“骨” 山石的皴法：详细介绍中国山水画中最具代表性的皴法，如披麻皴、斧劈皴、解索皴、牛毛皴、荷叶皴等，分析其造型特点和适用场景。皴法的练习与组合：通过大量示范和练习，指导读者如何运用不同的皴法来表现岩石的不同质感、纹理和块面结构。山石的结构与层次：讲解如何通过皴、擦、点、染等技法，表现山石的体积感、厚重感和空间层次。第三章：树木的生姿——枝繁叶茂的生命力树木的种类与画法：介绍松、柏、柳、竹、梅等常见树木的造型特点，以及其在不同季节、不同姿态下的画法。勾勒树干与枝条：讲解如何运用线条的粗细、刚柔来表现树木的生命力，如老树的苍劲、嫩枝的生发。点叶的技巧：介绍点叶的方法，如介字点、圆点、乱点等，以及如何通过墨色的浓淡、点叶的疏密来表现树冠的形态和质感。第四章：水与云的灵动——流淌的韵律水的描绘：介绍画水的不同方法，如波纹、激流、瀑布等，以及如何通过墨色和线条的变化来表现水的质感和动感。云的塑造：讲解云的画法，如用淡墨晕染、留白处理等，表现云的飘逸、轻盈和变化莫测。水陆结合的构图：讲解如何将山石、树木与水、云有机地结合起来，形成和谐的画面。第五章：山水画的构图与意境营造 “三远”法：详细讲解高远、深远、平远的构图方法，以及如何在画面中创造空间感和纵深感。取景与布局：指导读者如何从自然景物中提炼元素，进行合理的取舍和组合，形成意境深远的画面。留白的处理：强调留白在中国山水画中的重要性，讲解如何利用留白来营造氛围、引导视线，并赋予画面无限的想象空间。写生与创作：鼓励读者进行写生实践，将自然观察转化为创作灵感，并引导如何将写生稿转化为具有个人风格的山水画作品。第三卷：花鸟画的生机——盎然春意的捕捉本卷专注于花鸟画的创作，教授读者如何描绘各种花卉、禽鸟、草虫，并赋予画面勃勃生机。第一章：中国花鸟画的艺术特色与精神追求 “四君子”的象征意义：深入剖析梅、兰、竹、菊在中国文化中的象征意义，以及如何在绘画中体现其精神内涵。 “写意”与“写实”的结合：探讨花鸟画中“不似之似”的艺术境界，即在形似的基础上更注重神似。花鸟画中的吉祥寓意：介绍不同花鸟题材所蕴含的吉祥寓意，如牡丹象征富贵，鸳鸯象征美满。第二章：花卉的描绘——色彩与墨韵的交织写意花卉的基本技法：重点讲解勾花、点花、染花等技法，指导读者如何用笔墨表现花瓣的层次、质感和形态。常见花卉的画法：详细讲解牡丹、荷花、梅花、兰花、菊花、月季等常见花卉的造型特点和绘画步骤。叶子的勾勒与点染：讲解如何通过不同形态的叶子来丰富画面，并表现植物的生长姿态。色彩的运用：介绍花鸟画中的设色原则，如何运用矿物质颜料和植物性颜料，以及如何调配出鲜活自然的色彩。第三章：禽鸟的灵动——飞羽之间的生命跃动禽鸟的结构与比例：讲解鸟类身体的骨骼结构和外部特征，以及如何通过准确的比例来塑造鸟的形态。勾画鸟的形态：介绍勾画鸟头、眼睛、嘴、爪、翅膀、尾羽的技巧，以及如何运用线条表现鸟的动态。点染羽毛：讲解如何运用墨色和色彩来表现鸟羽的质感、光泽和层次。常见鸟类的画法：示范麻雀、燕子、喜鹊、绶带鸟、鹰等常见鸟类的绘画方法。第四章：草虫与鱼虾——微观世界的生动描绘草虫的写意画法：讲解如何用简练的笔墨表现蜻蜓、蝴蝶、螳螂、蚂蚱等草虫的动态和形态。鱼虾的勾描：介绍鱼、虾的造型特点，以及如何用流畅的线条和墨色表现其在水中的游动姿态。细节的刻画：强调草虫和鱼虾的细微之处，如触角、腿足、鳞片等，及其在画面中的点睛之笔作用。第五章：花鸟画的构图与意境表达构图原则：讲解花鸟画的构图要素，如“疏密得当”、“虚实相生”、“顾盼呼应”等。题材的组合与意境营造：指导读者如何将不同的花卉、禽鸟、草虫组合起来，创造出富有诗意和生活气息的画面。题款与印章的配合：讲解题款的意义、书写方式以及印章的选择与钤盖，使之与画面内容和谐统一，共同完成作品的艺术表达。第四卷：人物画的传神——笔下乾坤的演绎本卷将聚焦于中国人物画的创作，教授读者如何通过线条和墨色塑造人物形象，并赋予人物精神气质。第一章：中国人物画的历史脉络与美学特征从史前到现代的人物画演变：梳理中国人物画的发展历程，介绍历代名家及其代表作品，让读者了解人物画的传承与创新。 “以形写神”的追求：探讨人物画中“传神”的艺术要义，即通过外在的形体特征来表现人物内在的精神、情感和性格。不同人物画题材的特点：介绍仕女画、道释画、历史故事画、风俗画等不同题材的创作要点。第二章：人物画的基础造型——骨骼与比例的把握人体解剖的初步认知：简要介绍人体骨骼、肌肉的基本结构，帮助读者理解人物造型的科学性。人物的比例关系：讲解不同年龄、性别、体态的人物比例，如“三庭五眼”、“一尺三刀”等古典法则，并结合现代审美进行讲解。动态的描绘：通过对人物不同姿势、动作的观察与描摹，训练读者捕捉人物动态的能力。第三章：人物的五官与神情——“画眼之神”的奥秘眼睛的刻画：详细讲解眼睛的结构，以及如何通过眼形、眼神、眼白、眉毛的变化来表现人物的情感和性格。面部其他特征的描绘：教授如何刻画鼻子、嘴巴、耳朵、脸型等，使之与整体面部和谐统一。神情的表达：强调通过五官的细微变化来传递喜怒哀乐等丰富的情感。第四章：衣纹的表现——承载人物的灵魂衣纹的走向与体积感：讲解如何通过衣纹的走向来表现人体结构的起伏和衣料的垂坠感。不同质感衣料的画法：介绍丝绸、棉布、毛皮等不同材质的衣料在表现上的差异。 “吴带当风”与“曹衣出水”：讲解中国人物画中两种经典的衣纹表现手法及其艺术效果。第五章：人物画的线描与设色——传神的两种语言线条在人物画中的运用：介绍人物画中常用的线条，如游丝描、铁线描、高古游丝描等，以及如何通过线条的粗细、虚实、顿挫来表现人物的轮廓、结构和神韵。白描人物的训练：通过大量白描练习，加强读者对人物造型和线条表现力的理解。人物画的设色：讲解人物画的设色原则，如“随形赋彩”、“烘染”等技法，以及如何运用色彩来烘托人物的气质和情感。人物画的构图与意境：探讨人物画的构图规律，如人物之间的呼应、环境的衬托等，以及如何通过人物与环境的结合来营造画面意境。第五卷：写意综合与创作实践——融汇贯通的升华本卷是整个丛书的总结与升华，旨在帮助读者将前几卷所学的知识融会贯通，形成自己的创作风格，并掌握完整的创作流程。第一章：写意精神的解读与实践 “写意”的深层含义：深入探讨写意画不仅仅是“写形”，更是“写意”、“写神”、“写情”。写意花鸟、山水、人物的融合：探讨如何在写意创作中将不同题材的技法进行有机的结合，创造出更具表现力和感染力的作品。写意创作的思维训练：引导读者打破思维定势，从宏观角度构思作品，注重画面的整体感和艺术感染力。第二章：中国画的色彩运用与调色技巧色彩的基本原理：结合中国画的特点，讲解色彩的冷暖、浓淡、对比、和谐等基本原理。传统矿物色与植物色的特性：详细介绍各种传统颜料的性能、用法以及保存方法。调色的技巧与经验：分享画家在调色方面的经验，如如何调出丰富细腻的色彩，如何处理色彩的明度与纯度。色彩在不同题材中的运用：针对山水、花鸟、人物画，分别讲解色彩的运用原则和示范。第三章：中国画的题款、印章与装裱题款的艺术：讲解题款的内容、位置、字体的选择，以及如何通过题款提升作品的整体格调。印章的选择与钤盖：介绍印章的种类、材质、风格，以及如何根据画面内容和个人风格选择合适的印章，并讲解印章的钤盖技巧。中国画的装裱：简要介绍中国画的装裱类型（立轴、镜框、册页等）及其重要性，帮助读者了解如何更好地展示和保存自己的作品。第四章：从写生到创作——完整的创作流程指导写生的重要性与方法：再次强调写生的意义，指导读者如何进行深入的观察与速写，并从中提取创作素材。构思与立意：讲解如何进行作品的主题构思、意境设想，以及如何确立作品的创作方向。草稿的绘制与推敲：指导读者如何绘制多稿草图，反复推敲构图、造型、色彩等要素。正式创作的步骤：从起稿、勾勒、渲染到最后的题款印章，系统指导完成一幅作品的全过程。第五章：个人风格的探索与发展学习与借鉴：鼓励读者在学习名家作品的同时，要有所选择、有所侧重，并理解其精髓。打破与创新：引导读者在掌握传统技法的基础上，勇于尝试新的表现方法，探索属于自己的艺术语言。持续的学习与实践：强调艺术学习是一个长期的过程，鼓励读者保持对中国画的热情，不断探索与进步。《中国画自学丛书》系列，力求做到理论与实践相结合，既有扎实的技法指导，又不失对中国画精神内涵的深入挖掘。通过系统的学习，读者不仅能掌握描绘中国画的基本功，更能逐步培养独立的艺术判断力和创作能力，最终在水墨的世界里，找到属于自己的创作天地。

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目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排结构设计，体现了极强的系统性和实用性。它不是将所有题材混杂在一起，而是非常清晰地将山水、花鸟、人物等门类分开，并且在每个题材内部又做了进一步的细分。比如在山水部分，它会专门辟出一块篇幅来讲解“画树法”，从松、竹、梅、柳等不同树种的枝干结构、叶子的画法（如介字点、胡椒点）都有详尽的图解步骤。这种模块化的学习方式，极大地提高了学习效率，我可以根据自己的兴趣和当前的瓶颈，有针对性地进行专项训练。我个人对画竹子非常感兴趣，我发现书中的竹子画法部分，从竹叶的姿态到竹节的连接，都遵循着严格的结构规律，但又不失灵动，作者通过“一笔成竹”和“分笔写竹”两种路径的对比，让我明白了灵活运用笔墨的重要性。这种从宏观到微观、层层递进的知识结构，让我的学习不再是碎片化的知识点堆砌，而是形成了一个完整的知识网络。

评分☆☆☆☆☆

作为一位追求进步的画者，我发现这本书最核心的价值在于其“内化”的引导，而非简单的“模仿”。在讲解完各种技法之后，它往往会引导读者进行“写生与创作”的结合练习。书中提供了许多关于如何观察自然、如何将现实中的景物提炼成符合中国画笔墨语言的步骤分析。例如，在山石的画法中，它不只是教你“披麻皴如何画”，而是提供了一个从现场观察草图到完成皴法的完整转化过程，这个过程中充满了取舍、概括和强化。书中强调了“胸中有丘壑”的重要性，鼓励读者多去户外写生，用自己的眼睛去感受光影、结构和氛围，再将这些感受融入到笔墨之中。这种强调主体性和创造性的教学理念，极大地激发了我独立的创作欲望，让我不再满足于死板地复制范画，而是开始尝试用自己的理解去表现所见之物，真正体会到艺术的生命力在于个人的独特视角和情感表达。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上很多绘画教程都存在一个通病，就是内容更新换代慢，或者印刷质量跟不上，导致一些精妙的细节在复印中失真。然而，这套丛书在细节处理上展现出了极高的专业水准。我特别关注了其中关于“设色”的部分，传统中国画的用色往往非常微妙，矿物颜料的质感和水墨的渗透性需要精确的还原。这本书的彩色印刷技术达到了令人赞叹的程度，尤其是那些淡彩晕染的部分，不同颜色交融时那种微妙的过渡和层次感，几乎能与原作媲美。通过观察书中的高清图例，我能清晰地分辨出石青和石绿在不同湿度下呈现出的色泽变化。更实用的是，书中还贴心地附带了关于颜料调配的“小窍门”和“注意事项”，比如如何避免花青与藤黄调和时产生的浑浊，以及如何利用水份控制来达到透明或厚重的效果。对于自学者而言，这些都是避免走弯路的宝贵经验，比起自己反复试验摸索要高效得多。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对传统文化有着深厚向往，但苦于没有名师指点的业余爱好者。这本书的出现，简直就像是为我量身定做的一位耐心且博学的“虚拟导师”。它的叙事风格非常平易近人，没有那种高高在上的学院派腔调，读起来就像是长辈在耳边细语，传授经验。尤其是在探讨意境的营造上，这本书的见解独到而深刻。它没有停留在教你怎么“画得像”，而是引导我们思考“为什么这么画”。书中探讨了中国画中“气韵生动”的哲学内涵，如何通过留白来营造空间感和联想，如何让一山一水都寄托着画家的情感。我记得有一章专门讲“点苔”的技巧，它不仅仅是教你用笔沾墨点在树木或山石上，而是上升到“以少胜多，以虚衬实”的审美高度，让我明白了点苔的重要性在于打破沉闷，赋予画面以生命力。这种由表及里的讲解方式，彻底改变了我过去那种机械模仿的作风，让我开始学着去理解中国画背后那套完整的审美体系和文化逻辑，提升了对艺术的鉴赏层次。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那淡雅的水墨晕染效果，透露出一种古朴而又典雅的气质，让人还没翻开就能感受到浓浓的艺术气息。内页的纸张选择也很有讲究，米白色的哑光纸，既保护了眼睛，又能很好地呈现出画作的层次感和墨色的深浅变化。我最欣赏的是它在基础知识梳理上的严谨态度。从最基本的笔法、墨色的干湿浓淡过渡，到如何用线条勾勒出物体的骨架和神韵，讲解得极其细致到位，即便是零基础的初学者也能摸着门道。比如讲到“皴法”时，书中不仅配有大量的范例图，还用文字详细分析了不同皴法的应用场景和视觉效果，比如披麻皴的灵动飘逸和斧劈皴的坚硬有力，对比得非常清晰。更难得的是，它没有一味地堆砌复杂的理论，而是将理论与实践紧密结合。每学完一个技巧，立刻就会有相应的临摹练习，让你即时巩固所学，而不是学完一大堆理论却无从下手，这种循序渐进的学习路径设计，极大地增强了学习的信心和连贯性。

评分☆☆☆☆☆