英美实验音乐

作者:朱宁宁

页数:293

出版时间:2013-5

价格:40.00元

isbn号码:9787806927366

用户评价

老实说，这本书的学术严谨性令人印象深刻，但同时也带来了一些挑战——它对于音乐理论的假设起点非常高。我感觉作者似乎默认读者已经对十二音体系、序列主义以及早期电子音乐合成器的基础操作有所了解。对于像我这样主要通过听觉体验进入音乐世界的人来说，前几章的篇幅显得有些过于密集和专业化。书中对战后欧洲电子音乐工作室，例如科隆电台工作室（WDR Studio for Electronic Music）的运作模式和哲学争论的详细描述，虽然极具文献价值，但读起来需要反复对照参考资料。不过，一旦度过了理论的陡坡，它在讨论特定“事件”时的笔力就变得异常生动了。它详尽地还原了某个特定年份在某个小型画廊里发生的首次“声音艺术”表演的现场情景，包括观众的反应和天气状况，这种“现场感”的再现，极大地弥补了纯理论分析带来的疏离感。它让我明白，很多划时代的实验并非发生在宏大的音乐厅，而是在那些充满理想主义和原始能量的边缘空间里孕育出来的。这本书更像是为音乐研究者准备的严肃文本，而非面向大众的入门读物。

这本书的装帧和排版风格本身就带有某种实验性质，使用了非常规的字体和间距，这与它探讨的主题形成了完美的互文关系。内容上，它主要关注的是那些试图打破“作品”与“表演”之间界限的尝试。我发现它对“过程音乐”（Process Music）的讨论非常到位，特别是如何将固定的规则或算法应用于音乐创作，从而让音乐的生成过程本身成为作品的意义所在。书中详细分析了几位关键人物如何系统性地摒弃个人情感表达，转而依赖机械或数学逻辑来驱动旋律和节奏的演变，这在当时是一种极具颠覆性的姿态。阅读过程中，我最大的感受是，这本书成功地将“理论思辨”与“实际操作”紧密地联系起来。它不满足于仅仅介绍概念，而是展示了艺术家们在实践中如何克服工具的局限，将抽象的哲学思考转化为具体的声波序列。对于那些对音乐哲学和结构主义感兴趣的读者而言，这本书无疑是一次思想上的远征，它迫使你审视自己对“音乐性”的固有认知，并以一种近乎科学实验的态度去重新评估声音的无限可能性。

这本书的标题是《英美实验音乐》，但读完之后，我发现它对我理解二十世纪中后期美国和英国的爵士乐发展，尤其是先锋派和自由爵士的演变，提供了极其深入且富有洞察力的视角。作者显然花费了大量时间梳理了从“酷派”向更具结构解构方向过渡的关键人物和流派。比如，它详细剖析了查理·帕克（Charlie Parker）的晚期尝试如何悄然为后来的自由即兴（Free Improvisation）埋下伏笔，尽管表面上看起来两者相去甚远。书中对欧洲自由即兴运动与美国实验音乐之间那种微妙的相互影响进行了细致的考察，这种跨洋的对话往往被主流乐评所忽略。特别值得称赞的是，作者并没有将焦点仅仅集中在那些耳熟能详的巨匠身上，而是挖掘了一些区域性的、影响较小的乐手团体，例如对芝加哥“AACM”（Association for the Advancement of Creative Musicians）的内部派系斗争和哲学差异的描述，简直是教科书级别的分析。我感觉这本书更像是一份详尽的社会学田野调查报告，而非单纯的音乐史梳理，它将音乐的创新置于特定的社会政治背景之下进行解读，使得那些听起来可能晦涩难懂的音乐片段，突然间有了清晰的时代回声。那种对技术革新，比如对电子乐器早期应用的记录和评估，也让我对音乐制作过程有了全新的认识。

这本书的独特之处在于，它几乎没有提及我们通常理解的“摇滚乐”范畴内的任何乐队，这对我来说是一个巨大的惊喜。它完全避开了七十年代的硬摇滚和八十年代的新浪潮，而是将目光投向了那些致力于探索声音的物理属性和听觉感知极限的艺术家。书中对于“空间化声音”（Spatial Sound）理论在英国实验音乐中的应用，特别是如何利用多声道系统来重塑听者的物理空间感，这一块的论述尤其精彩。作者通过对比不同艺术家在不同场馆中对声音的布局策略，揭示了声音不仅仅是时间艺术，更是空间艺术的本质。我特别喜欢书中对某些被低估的女性艺术家的关注，她们的作品往往充满了对传统性别角色和音乐结构的反叛，但其开创性的技术贡献却常常被后来的男性主导的叙事所掩盖。这本书为这些声音提供了一个坚实的立足点，让她们的声音在历史长河中不再只是微弱的回响，而是清晰有力的宣言。这种对边缘声音的积极重构，是这本书最富社会价值的部分。

这本书的叙事节奏极其舒缓，像是一部慢工出细活的纪录片，它侧重于那些影响深远的、但往往在“热门”榜单上找不到位置的录音事件。我尤其欣赏它对英国后摇滚（Post-Rock）思潮的溯源，它将早期如“Soft Machine”这类迷幻摇滚团体中潜藏的即兴元素，追溯到他们对美国实验爵士乐的吸收与转化。作者很巧妙地运用了大量第一手资料，包括音乐家访谈的片段，这些访谈内容不是那种标准的、客套的宣传辞令，而是充满了对创作困境和艺术追求的真实挣扎。例如，书中对七十年代英国“坎特伯雷派”音乐家如何尝试融合古典主义的复调结构与前卫摇滚的能量，并在此过程中无意中打开了通往非传统乐器编排的大门，这一段的论述非常引人入胜。它避免了将实验音乐简化为“噪音”或“混乱”的刻板印象，而是深入挖掘了每一个不和谐音背后所蕴含的结构意图和情感张力。它提供了一种新的听音方式，让我回过头去重听那些旧唱片时，能捕捉到过去遗漏的细微纹理和层次感，这对于任何希望深入了解英国音乐文化发展脉络的人来说，都是一份宝贵的指南。

“人人都是音乐家”（翻完@高加索工作室

老婆送的,所以只能满分

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因为是博士论文所以相当学院派，完全是书面的、记谱的「实验音乐」，推荐介绍为主。

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