中外美术对比发展史

出版者:辽宁美术出版社

作者:张道森

页数:192

出版时间:2006-12

价格:48.00元

isbn号码:9787531435129

具体描述

《中外美术对比发展史》主要内容简介：当我们把美术院校所进行的美术教育当作当代文化景观的一部分时，就不难发现，美术教育如果也能呈现或继续保持良性发展的话，则非有“约束”和“开放”并行不可。所谓约束，指的是从“经典”出发再造经典，而不是一味地兼收并蓄；开放，则意味着学习研究所必须具备的眼界和姿态

目录信息

目录
序言
第一章 原始时期美术
概述
第一节 欧洲旧石器时代远古美术
第二节 中国史前美术
第三节 非洲、拉丁美洲、印度远古美术
第二章 奴隶社会美术
概述
第一节 两河流域美术
第二节 古代埃及美术
第三节 中国奴隶社会美术
第四节 古爱琴海、古希腊美术
第五节 古代罗马美术
第三章 宗教美术
概述
第一节 印度佛教美术
第二节 东南亚、日本佛教美术
第三节 基督教美术
第四节 中国佛教美术
第五节 伊斯兰教美术
第四章 中国封建社会前期美术 欧洲文艺复兴早期美术
第一节 中国秦汉雕塑与绘画
第二节 中国魏晋、南北朝时期美术
第三节 中国隋唐、五代时期美术
第四节 欧洲文艺复兴美术
第五章 中国宋元时期美术 欧洲17～19世纪美术
第一节 中国宋元时期美术
第二节 欧洲17～19世纪美术
第六章 中国明清时期美术 英国、俄罗斯美术
第一节 中国明清时期美术
第二节 英国美术
第三节 俄罗斯美术
第七章 美国、日本、中国近现代美术 西方现代派美术
第一节 美国美术
第二节 日本美术
第三节 中国近现代美术
第四节 西方现代派美术
世界美术史大事纪年表
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用户评价

阅读过程中的体验，更像是一场知识的“炼金术”。作者的文字功底深厚，行文间流淌着一种老派学者的严谨，但又绝不枯燥。他对特定艺术史事件的切入点总是那么出人意料。比如，在讨论巴洛克艺术的戏剧性和情感张力时，他巧妙地引入了当时欧洲宗教改革与反宗教改革的社会动荡作为背景，而不是停留在对卡拉瓦乔光影对比的表面赞叹上。更有趣的是，紧接着，他会迅速将视角切换到日本江户时代，浮世绘版画中那种对世俗生活瞬间捕捉的热烈与奔放，以及它们是如何在商品经济的推动下，成为一种大众艺术形式的。这种对比，让我深刻理解到，艺术的“伟大”并非总与精英阶层挂钩，它在不同土壤中生长的形态可以截然不同，但其内在对“生命力”的捕捉，却有着共通之处。这本书的妙处就在于，它总能让你在看似不相干的艺术现象中，发现那条隐藏在深处的文化基因链条。

总而言之，这是一部极具野心和深度的学术力作，但它的叙事方式却保持了惊人的可读性。它成功地搭建了一座跨越地理和时间鸿沟的桥梁，让读者得以在米开朗基罗的宏伟壁画旁，想象中国古代寺庙壁画中的飞天形象，并探究二者在表达“神性”与“超越”时的文化差异。这本书并非那种让你背诵艺术家生卒年的工具书，它更像是一位学识渊博的向导，引导你进行一场关于人类创造力的深度哲学思辨。阅读完毕后，你对艺术的理解不再是孤立的审美愉悦，而是一套复杂的文化解码系统。它让我开始用一种更加辩证和批判的眼光去看待当下的艺术潮流——当我们谈论全球化艺术时，我们究竟是在融合，还是在无意识地被某一种强势的美学范式所同化？这本书提供了思考的深度和广度，无疑是艺术爱好者和专业研究者都应该细读的佳作。

我必须说，这本书的结构设计简直像一把精巧的钥匙，开启了理解艺术史中那些看似孤立的节点。它避开了传统艺术史教科书那种线性的、编年体的乏味叙述，转而采用了一种主题式、辩证式的推进。例如，书中专门辟出章节讨论“形式的抽象化”这一议题，它并未简单地将立体主义视为对现实的背离，而是将其置于现代工业文明对传统感知系统的冲击之下考察。同时，书中会将这种抽象化的趋势，与古代东方青铜器纹饰中高度符号化、几何化的装饰母题进行参照，探讨人类在面对复杂世界时，构建替代性视觉语言的内在冲动。这种处理方式，极大地拓展了读者的思维疆界。它强迫你去思考，当我们赞叹蒙德里安的直线与色块时，我们是否也在不经意间，认同了某种古老的，源自秩序构建的审美偏好。作者在分析不同文化背景下，艺术家对“空间感”的表达差异时，那种细腻入微的笔触，让人感觉仿佛站在卢浮宫和故宫的展厅中央，同时聆听着两位不同时代的导览员的讲解，那种知识的碰撞感非常强烈，令人难以释卷。

这部《中外美术对比发展史》读来让人有一种穿越时空，在不同文化脉络间纵横捭阖的奇妙体验。它并没有拘泥于对单一艺术流派的枝节分析，而是以一种宏大的叙事视角，将西方文艺复兴的曙光与东方水墨的意境并置，探讨了美学观念在历史长河中的演变路径。书中对于文艺复兴时期艺术家如何挣脱中世纪神学桎梏，转而追求人体解剖的精确性与人文主义精神的觉醒，描写得尤为生动。比如，对达芬奇素描中那种对自然秩序的敬畏与理性解构的对比，与唐宋时期画家如何在“计白当黑”的哲学思想中，追求“气韵生动”的写意精神，形成了一种微妙而又深刻的对话。这种跨文化、跨时代的比较，绝非简单的罗列作品，而是深入挖掘了支撑这些艺术现象背后的社会结构、哲学思潮乃至气候环境的细微影响。读者很容易被带入到那种文化交锋的张力之中，反思我们今天看待“美”的标准，是否依然被历史的惯性所定义。尤其是关于印象派的光影革命，与中国明清之际文人画对笔墨语言的自我完善，两者在追求“瞬间感受”与“永恒哲思”上的差异，被阐述得极具启发性。

这本书最让我感到惊喜和受益匪浅的部分，在于它对“材料与媒介”的深入探讨。我们常常习惯于关注作品的“内容”或“风格”，却忽略了艺术家手中材料的“意志”。书中对于中西方绘画载体的差异——从西方对油画颜料层层罩染的技法，到东方对宣纸“洇化”效果的控制——进行了极富洞察力的分析。作者认为，这种载体的物理特性，从根本上决定了艺术表达的哲学倾向。例如，油画的厚重与可修改性，助长了西方对“永恒性”和“精确记录”的追求；而宣纸的易渗性与不可逆转性，则强化了东方艺术对“当下性”和“一气呵成”的珍视。这种从物质层面切入美学建构的方式，非常新颖和有力。它让我重新审视那些耳熟能详的作品，意识到每一次笔触的落下，背后都是艺术家与材料之间漫长而复杂的博弈与妥协，这种博弈，在东西方不同的材料体系下，导向了迥异的美学旨归。