艺术概论

出版者:江苏教育

作者:陈旭光

页数:245

出版时间:2008-8

价格:32.00元

isbn号码:9787534386305

具体描述

《艺术概论》主要内容：所谓艺术创造的主体性。是说艺术创造的过程始终都是艺术家主体发扬其主观能动性，将其“内在的尺度”运用到作为体验和精神生产之对象的客体世界和作为人本质力量对象化之结果的艺术作品的过程。在创作过程中，艺术家决不是如镜子和照相机那样机械地再现客观世界，而是对浩瀚芜杂的客观表象进行能动的提炼、加工和改造……所谓“搜尽奇峰打草稿”（石涛语），也唯如此，方才能“吹尽狂沙始到金”，最后创造出成功的艺术作品。

目录信息

第一讲 艺术与艺术学导论 一、艺术：人类文明的尺度与象征 二、艺术学的基本对象与学科历程 三、艺术学是一门人文学科第二讲 艺术的发生 一、艺术起源的几种学说 二、艺术起源的辩证分析 三、艺术自觉的历程：“人的主题”与“文的自觉”第三讲 艺术的本质 一、关于艺术本质的几种学说 二、艺术活动的要素与环节 三、艺术是一种特殊的人类精神生产活动第四讲 艺术的功能与价值 一、艺术功能的三个方面：认识、娱乐、认同 二、艺术：一种特殊的人类精神需求 三、艺术：永恒的人类精神家园第五讲 艺术创作主体 一、艺术家 二、艺术思维 三、艺术创作心理第六讲 艺术创作过程 一、艺术创作中的主体与客体 二、艺术体验：“自然的人化” 三、艺术构思：“搜尽奇峰打草稿” 四、艺术传达：从“胸中之竹”到“手中之竹”第七讲 艺术风格、艺术流派与艺术思潮 一、艺术风格概论 二、艺术风格要素分析 三、艺术流派与艺术思潮第八讲 艺术作品 一、形式与内容 二、艺术语言、艺术形象、艺术意蕴 三、典型与意境第九讲 艺术接受 一、艺术接受之维 二、艺术鉴赏、艺术传播及艺术消费 三、艺术接受的意义第十讲 艺术接受心理 一、艺术接受中的共鸣、期待视野与召唤结构 二、艺术接受中的程式与惯例 三、艺术鉴赏心理阐释 四、艺术接受心理描述第十一讲 艺术批评 一、艺术批评的作用与标准 二、艺术批评的角度与方法 三、艺术批评的流派第十二讲 艺术的分类(之一) 一、艺术分类的方法与角度 二、文学：语言的艺术第十三讲 艺术的分类(之二) 一、美术：图画天地品类群生 二、音乐：最纯粹的艺术 三、舞蹈：人体的艺术第十四讲 艺术的分类(之三) 一、戏剧：现场表演的“冲突律” 二、影视：艺术、传媒与文化第十五讲 艺术的发展与匾临的新问题 一、艺术的发展与变革创新 二、当代艺术现实与艺术观念的变异 三、当代影像文化暨视觉文化转型对艺术的影响 四、结语：艺境无涯艺术永恒主要参考书目
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用户评价

坦白讲，我原本对这种“概论性”的书籍抱有一定的警惕，总担心内容会流于肤浅，蜻蜓点水。但这本书完全打消了我的疑虑。它在内容的深度和广度之间，找到了一种令人惊叹的平衡。深度体现在它对“艺术性”本身定义的不断追问上。书中并非简单地给出“什么是美”的既定答案，而是梳理了人类历史上不同时代是如何定义“艺术”的——从柏拉图的理念世界，到康德的美学判断，再到杜尚将小便池推向博物馆的挑战。这种对核心概念的不断解构与重塑，极大地拓展了我的思维边界。广度则体现在它对非西方艺术体系的恰当引入，没有将西方艺术史作为唯一的标尺，而是以一种更具包容性的姿态，展示了世界各地文明在审美追求上的多样性和独特性。阅读过程中，我感受到的不是知识的灌输，而是一场思想的漫游，每一次翻页都像是在历史的岔路口做出选择，去探索一种全新的看待世界的方式。

这本新近入手的书，简直是为我这种对艺术世界充满好奇，但又常常感到无从下手的“门外汉”量身定制的。首先吸引我的是它的叙事方式，非常平易近人，完全没有传统艺术史书籍那种高高在上的精英感。作者似乎很懂得如何将复杂的艺术理论和流派变幻，用一个个生动的故事和直观的案例串联起来。比如，它讲到文艺复兴时期透视法的革命性影响时，不是简单地罗列公式，而是通过描述当时艺术家们如何一步步“欺骗”人眼，让人仿佛置身于画作的立体空间之中，那种顿悟感让人印象深刻。更妙的是，书中穿插了大量对艺术品背后社会文化背景的探讨，让你明白一件作品的诞生绝不仅仅是个人才华的爆发，更是时代精神的折射。读完关于印象派的部分，我再去博物馆看莫奈的画时，那种“光影的瞬间捕捉”的精髓立刻就清晰起来了，不再是单纯觉得“哦，这些画挺美的”，而是能感受到背后那场与传统学院派的审美战争。这本书的好处在于，它建立了一种坚实的知识骨架，让我在面对浩瀚的艺术史时，不再迷失方向，而是有了一个清晰的地图可以循着走下去，每走一步都有新的发现和理解。

如果说有什么让我感到“意犹未尽”的，那就是这本书对当代流行文化的介入略显保守。诚然，它成功地搭建了从古典到现代的坚实桥梁，对于理解博物馆中的经典作品，它的指导意义无可替代。然而，在探讨后现代的语境下，当艺术的边界被不断侵蚀，当“算法生成”和“虚拟现实”开始成为新的创作媒介时，我期待能看到更多关于这些新兴领域如何与既有的美学理论产生碰撞和对话的内容。书中对概念艺术的分析已经非常到位，但似乎在迈向数字原生艺术的那一步时，笔触稍显谨慎，没有像对油画和雕塑那样，展现出那种果敢的解剖能力。这或许是“概论”的局限性，需要在后续的深入阅读中去补充和完善，但整体而言，它为我提供了一个强大的参照系，让我有能力去批判性地审视那些尚未被完全纳入传统艺术史范畴的新事物，并努力去寻找它们在审美光谱中的位置。

我以一个学习设计出身的读者的视角来看待这本书，它的价值在于提供了一种宏观的、跨媒介的观察框架。许多艺术类书籍往往过于聚焦于某一特定领域——比如纯绘画或者雕塑，但这本书的视野明显要开阔得多。它巧妙地在各个艺术门类之间架设了桥梁，让我意识到古典音乐的结构感是如何影响了后来的现代主义建筑的布局，或者早期电影的蒙太奇手法是如何呼应了达达主义的拼贴美学。这种跨界融合的视角，对于我们这些需要不断寻找新灵感的创作者来说，简直是醍醐灌顶。它不是教你如何“复制”前人的技法，而是引导你去“理解”美学的底层逻辑是如何在不同的物质载体上得以实现和演变的。我特别喜欢其中关于“形式追随功能”与“纯粹形式美学”之间辩证关系的部分，这使得我在审视当代设计作品时，能够更深入地去剖析其设计语言背后的哲学根源，而不是停留在表面的视觉效果上。这本书真正做到了“授人以渔”，教会了我如何去提炼艺术作品的普遍规律。

这本书的装帧设计和印刷质量，从触感上就给人一种沉静而高级的阅读体验，这在如今充斥着廉价快餐式阅读的时代显得尤为珍贵。纸张的质地厚实，油墨的印制清晰锐利，尤其是一些涉及色彩还原的关键插图，色彩过渡自然，没有出现廉价印刷品常见的色块分离或失真现象。这对于一本讨论视觉艺术的书籍来说至关重要，因为我们讨论的“美”很大程度上是依赖于精准的视觉呈现的。我甚至注意到，作者在引用早期艺术家的手稿或素描时，会特意保留其笔触的粗粝感和纸张的年代痕迹，这本身就是一种对艺术本体的尊重和致敬。这种对细节的打磨，从内容到形式都贯穿始终，使得阅读过程本身也成为了一种美学享受。它不是一本可以快速翻阅的工具书，而是一本需要慢下来、细细品味的读物，每一次翻阅都能发现新的光影和纹理。

我是把彭那本《艺术学概论》当入门书看的，这本是进阶书。

陈版编委比彭吉象版编委更了解电影。

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我是把彭那本《艺术学概论》当入门书看的，这本是进阶书。