通往表现造型

作者:马榕君

页数:201

出版时间:1970-1

价格:48.60元

isbn号码:9787305052958

具体描述

《通往表现造型》主要内容简介：21世纪人们的衣服，讲着与这个时代并不相称的内容。而我的学生，正懵懵懂懂地不知所以然但却非常认真地听着，表情注满了信任与严肃。我觉得这一切充满了滑稽，充满着悲剧色彩。我的感觉，正是当代艺术教育的缩影，是当代造型教育的报告文学。

用户评价

让我感到最不适应的是，这本书在“表现力”的解读上，似乎固守着一种非常古典和内敛的定义。作者似乎认为真正的表现力来源于对内在情感的克制和精准的结构控制，而非外放的、直接的情绪宣泄。在介绍“戏剧性张力”的处理手法时，书中列举的例子都是古典油画中那种沉静的、暗示性的悲剧场面，强调光影的微妙变化和人物姿态的精确拿捏。然而，当我想到当代视觉艺术中那种强烈的、冲击性的、甚至带有一丝粗粝感的表达方式时，这本书的理论体系显得有些“洁癖”。它似乎刻意回避了那些可能显得“不雅”或“过度情绪化”的造型手段。例如，在讨论材料的“肌理”时，它着重于光滑、细腻和可塑性，却几乎没有提及腐蚀、断裂、磨损这些同样具有强大表现力的视觉语言。这种对“美”的刻板划分，让我感觉这本书更像是为一位追求学院派精致的艺术家量身定做，而对于那些热衷于解构、颠覆和原始力量表达的创作者来说，这本书提供的工具箱可能显得过于精致和缺乏必要的“野性”。它在探索“表现”的广度上，显得相对保守和受限。

这部《通往表现造型》的书籍，坦白说，是我近期阅读体验中最具争议性的一部。作者似乎试图构建一个宏大的理论体系，试图将艺术创作的各个流派进行归纳和重构，但最终呈现出来的效果却略显晦涩难懂。我花费了大量时间试图去理解其中关于“潜意识驱动下的形态生成”这一章节，感觉它更像是一篇深奥的哲学论文而非一本面向实践者的指导手册。书中引用了大量早期现代主义的理论，虽然理论基础扎实，但与当下蓬勃发展的数字艺术和新媒体创作实践之间的衔接点显得非常薄弱。比如，在讨论“动态雕塑”时，作者的论述停留在对物理运动规律的机械化解析上，对于如何利用算法或实时数据流来表达情感和叙事张力，几乎没有涉及。这让我不禁思考，这本书的适用受众究竟是哪一类人？对于初学者而言，它无疑是一座高耸入云的理论迷宫；而对于经验丰富的老手来说，它提供的参照系可能又显得过于陈旧和局限。我期待的是一种能够连接历史与未来的对话，但读完后，我感觉自己像是被带回了一个宏伟但已经布满灰尘的艺术殿堂，里面的一切都值得尊敬，却少了些许呼吸的空气。总而言之，它在理论深度上令人印象深刻，但在实际的、跨学科的造型探索上，则显得力不从心，给我留下的更多是敬而远之的学术距离感。

读完这本书，我最深刻的感受是它所散发出的那种强烈的、近乎固执的欧洲中心主义视角。在讨论“人体比例的理想化”这一章时，书中反复引证古希腊和文艺复兴时期的范式，将其奉为一切造型艺术的终极标准。虽然这些经典无疑是艺术史上的里程碑，但对于生活在多元文化背景下的现代创作者来说，这种单一的审美标准显得有些狭隘和不合时宜。我尝试寻找关于非西方传统艺术，例如中国书法中的线条张力，或者非洲雕塑中对空间关系的独特处理方式的深入分析，但这些内容要么被一笔带过，要么干脆缺失。这让我在阅读过程中，时不时会感到一种被“排斥在外”的疏离感。如果说艺术造型的“通往”之路是多维度的，那么这本书似乎只提供了一条由单一文明铺设的、笔直的高速公路。此外，书中对材料特性的讨论也集中在传统的石膏、青铜和油彩上，对于新兴的生物材料、可回收塑料或者参数化设计中的虚拟材料的潜在表现力，作者似乎缺乏探索的兴趣。它提供了一个极度精炼的、古典的造型语汇库，但对于如何用这个语汇库去讲述一个全球化的、当代的视觉故事，这本书的指引显得相当微弱。

这本书的阅读过程体验非常“沉重”，它更像是一场马拉松式的理论攀登，而不是一次轻松的知识采撷。我发现自己频繁地在书页间来回查阅附录和注释，试图理清作者在不同段落之间建立的复杂逻辑链条。例如，在探讨“空间与负形的关系”时，作者引入了现象学中关于身体经验的论述，试图用哲学的深度来支撑一个造型技巧，但这种跨学科的嫁接显得有些生硬，像是为了增加理论的“厚度”而进行的堆砌。这种深度固然值得称赞，但也极大地牺牲了阅读的流畅性。对于一个习惯于快速吸收信息、追求即时反馈的读者来说，这本书的节奏过于缓慢，且回报率不高。我更喜欢那种能够激发动手欲望的书籍，读完后能立即拿起工具尝试一番。而《通往表现造型》读完之后，我的感受更多是知识的“充盈”，而非创造力的“喷薄”。它更像是提供了一个精密的地图，但没有告诉我如何穿越眼前的丛林。它似乎更偏向于对“为什么这样造型是合理的”进行穷尽式的论证，而非“如何才能创造出令人惊叹的新造型”提供启发。这使得它在作为一本“造型指导”的功能上，显得有些偏离了轨道。

这本书的装帧设计和版式排布，首先就给我一种强烈的“专业教科书”的压迫感。纸张厚实，印刷清晰，但内容本身的组织结构却像是一张过于密集的思维导图，让人在寻找特定知识点时感到心力交瘁。我翻阅了关于“视觉重量与平衡”的部分，作者似乎非常执着于用一套复杂的数学模型来量化美感，每一个公式和图表都显得精密无误，但当我尝试将这些冰冷的数字代入到我自己的三维设计草图时，却发现它们几乎无法提供任何直观的指导。这种将感性艺术强行纳入理性框架的尝试，在我看来是适得其反的。艺术的魅力恰恰在于其模糊性和不可言说性，而这本书似乎在极力消除这种“模糊性”。更让我感到困惑的是，书中对色彩理论的阐述，虽然涵盖了光谱学和心理学影响，但对当代艺术家常用的非传统媒介（比如荧光材料、光导纤维）在色彩表达上的独特性，几乎是避而不谈的。这仿佛是在一本关于如何驾驶现代跑车的指南中，作者却花费了三分之二的篇幅来详细解释马车车轮的结构。我希望看到的是一种能够激发灵感的、开放式的探讨，而不是一套试图将所有造型可能性都封装起来的、过分严谨的说明书。它更像是一份对过去辉煌成就的精美编年史，而非指引未来方向的灯塔。