The American Art Book

作者:Editors of Phaidon Press

页数:512

出版时间:1999-5

价格:300.00元

isbn号码:9780714838458

具体描述

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Accessibility is the code word for Phaidon's new 500-page dictionary of American art. The book values images over words, and its longest text is the introduction, which is printed in large, bold face and hardly fills one page. But it does describe the book's mission well: "Each artist is represented by a full-page color plate of a significant work, accompanied by an informative and engaging text that places the artist in the context of contemporary movements and preceding traditions...."--concise and informative. By arranging the artists alphabetically, the editors set up some odd and amusing juxtapositions. For example, the suited subject of an Alice Neel painting appears to speak and gesticulate excitedly about the overstacked cornucopia of Louise Nevelson's crates found on the opposing page. The caption over each work includes four artists' names in bold print that function as hyperlinks of a sort, allowing readers to skip, for example, from Willem de Kooning's Woman I to Jean Michel Basquiat's Skull to Alfred Maurer's cubist-like painting Woman with Curlers. This way, with each visit to the American Art Book, readers can discover and follow countless narratives throughout the three centuries of American art. Filled with large, expertly reproduced images, The American Art Book is, like its cousins The Photo Book and The 20th Century Art Book, a high-quality and surprisingly inexpensive volume that would be a worthy addition to any art lover's library. --Loren E. Baldwin

用户评价

这本《美国艺术之书》无疑是一次对北美大陆艺术脉络的宏大梳理，尽管我手中的这本厚重的典籍似乎更侧重于绘画与雕塑的传统叙事，但它所展现出的那种磅礴气势和对时代精神的捕捉，仍然令人心潮澎湃。翻开扉页，映入眼帘的是对殖民地时期早期朴素信仰的描绘，那些早期定居者留下的肖像画，笔触虽显生涩，却饱含着对新世界的敬畏与不安，每一根线条仿佛都在诉说着筚路蓝缕的艰辛。随着历史的推进，我能清晰地感受到艺术风格是如何从欧洲的古典主义阴影中挣脱出来，逐渐孕育出一种带着本土气息的表达方式。例如，对哈德逊河画派的详尽介绍，那些壮丽的、近乎宗教般的自然景观描绘，简直是美国浪漫主义精神的视觉宣言，让人仿佛能闻到亚迪朗达克山脉松针的气味，感受到大自然的压倒性力量。作者对这些早期大师作品的解读，不仅仅是简单的风格归类，更是将艺术置于当时的社会和政治语境之中，解析了“美国性”是如何在画布上被构建和定义的。书中的插图选择极为考究，即便是那些在艺术史中略显边缘的作品，也得到了恰如其分的呈现，使得整个阅读体验如同一场精心策划的博物馆之旅，让人不忍释卷，每一次翻页都像是踏入了新的历史场景。

这本书的结构安排，特别是其对二十世纪早期现代主义浪潮的梳理，可以说是全书的高光时刻。当阅读到对“阿米肯·阿维扬”运动的讨论时，我简直感觉自己也置身于那股打破陈规、充满叛逆精神的洪流之中。作者没有被那些充斥着抽象符号的画作所迷惑，而是非常扎实地追溯了立体主义、未来主义如何被美国艺术家们“本土化”的过程。比如，对乔治亚·欧姬芙那极具辨识度的、对自然形态的放大与解构，那种对美国西南部景观的近乎迷恋的探索，被赋予了极高的评价，这超越了简单的形式主义，直指艺术家与土地之间深层的情感联结。同时，书中对达达主义和超现实主义在美国土壤上的“变异”也进行了细致的阐述，揭示了这些国际思潮如何与美国的实用主义精神相互作用，产生了既熟悉又陌生的艺术面貌。这种处理方式，避免了将美国艺术史简化为对欧洲潮流的被动接受，而是强调了其主动的创造性和消化能力，读来令人心悦诚服。

我不得不说，这本书在处理跨越世纪的风格变迁时，展现出一种近乎百科全书式的广博与审慎。尤其是在描述十九世纪末印象派和后印象派如何与美国本土的现实主义思潮碰撞与融合时，作者的论述显得尤为精妙。它没有简单地将美国艺术视为欧洲的模仿者，而是深入剖析了像切斯特·格拉姆·贝克那样的本土艺术家如何吸收外来技法，并将其熔铸成一种直面美国社会现实的语言。那部分关于城市化进程中艺术面貌变化的章节，简直是一堂生动的社会变迁课。那些描绘摩天大楼阴影下生活百态的画家，他们的作品中流淌着一种独特的都市焦虑感和充满活力的生命力，那与欧洲对田园牧歌式的描绘形成了鲜明的对比。更令人赞叹的是，书中对摄影艺术的早期介入，虽然篇幅有限，但其对图像作为记录工具和艺术媒介的强调，无疑为后来的现代主义铺平了道路。这本书的叙事节奏把握得极好，从宏大的历史叙事过渡到对个别作品细节的微观分析，张弛有度，让人在领略全景的同时，也能驻足欣赏那些不经意的、却又至关重要的瞬间。

总而言之，这本《美国艺术之书》是一部极具分量的参考资料，它提供了一个清晰、连贯且逻辑严密的框架，用以理解美国艺术从殖民地到现代的漫长演进。它的叙事风格稳健，图文并茂，尤其在历史语境的构建上做到了卓越的平衡。我个人非常欣赏它对不同地域流派之间相互影响的细致描摹，它揭示了艺术史并非一条单一直线，而是无数次对话、冲突与融合的结果。对于任何想要深入了解美国视觉文化发展历程的爱好者来说，它都是一个不可或缺的起点或参照系。虽然在对最新、最前沿艺术思潮的解读上，其笔触可能略显谨慎，但其对基础知识的巩固和对经典作品的深度挖掘，足以让任何读者感到收获颇丰。它不仅仅是一本书，更像是一扇通往美国灵魂深处、通过色彩与形态表达出来的隐秘通道，值得反复品读。

然而，本书在处理二战后至当代艺术的演变时，虽然内容详实，但在某种程度上显得更为学院派和保守。关于抽象表现主义的介绍，无疑是无可挑剔的，对波洛克滴画的“行动”本质的分析深入骨髓，仿佛能听到颜料飞溅的声音。书中的文字将这种艺术形式提升到了冷战时期美国文化自信的象征高度，这一点毋庸置疑。但当我翻到波普艺术和极简主义的部分时，总觉得缺少了一点点“锐气”。也许是篇幅的限制，对安迪·沃霍尔那些挑战艺术品边界的实验性作品的讨论，显得相对克制，少了一份对消费文化颠覆性的解剖力度。我更期待看到作者能更猛烈地抨击或赞扬，而不是仅仅停留在对风格特征的描述上。尽管如此，这本书的价值在于其扎实的史料支撑，即便是对那些备受争议的后现代转向，它也提供了清晰的时间线索和关键人物的语录，帮助读者在错综复杂的当代艺术迷宫中找到方向。