Jorg Immendorff

作者:Christoph Danelzik-Brüggemann

页数:288

出版时间:2008-3

价格:670.00元

isbn号码:9783865603210

具体描述

One of the leading figures of the new German Expressionism, along with George Baselitz and Anselm Keifer, Jörg Immendorffâs work first came to international prominence in the 1970s. Having studied with Joseph Beuys in the 1960s, Immendorff approached painting through a conceptualist stand-point; his works deal largely with the crisis of post-war German identity, a frenetic relationship with modernity, and a deep rooted faith in the role of the artist as an integral political and social force. This book focuses on Immendorffâs works on paper, a hitherto overlooked area of his oeuvre, but one that is crucial to an understanding of the artistâs work. They give evidence of a creative history during the course of which the artist repeatedly reconceived, analysed and altered his position.

用户评价

说实话，市面上关于重要艺术家的书籍汗牛充栋，但真正能让人产生“哇，原来是这样”的感叹的却不多。这本聚焦于Immendorff的作品集，无疑属于后者。它最吸引我的地方在于，它似乎避开了那些主流评论界已经定论的观点，转而深入挖掘了艺术家作品中那些更具个人化、近乎隐秘的符号系统。例如，对于他反复出现的“披风”和“王冠”主题的解读，不再是简单的权力象征，而是联系到了他童年经验和对身份认同的追问。排版设计也功不可没，那种不对称的布局和留白的运用，本身就带有一种后现代的疏离感，与艺术家的某些激进作品风格形成了奇妙的呼应。我花了整整一个下午，只是沉浸在那些图片和注释之间，感觉就像是跟随一位经验丰富的向导，在艺术家的内心迷宫中进行了一次不打扰的漫步。

翻开这本精装的画册，一股浓郁的纸张与油墨的混合气味扑鼻而来，仿佛带着时代的气息。我必须承认，最初我对Immendorff的了解仅限于一些博物馆的导览牌上模糊的印象，但这本书完全颠覆了我的认知。它极其细致地梳理了他后期那些大型、复杂的群像作品，那些人物的姿态、眼神的交错，在高清的图片还原下，充满了戏剧张力。书中对色彩理论的运用分析尤其出色，它没有使用晦涩难懂的术语，而是巧妙地将色彩与艺术家的情感波动挂钩，比如他如何利用刺眼的红与沉郁的蓝来表达一种内在的矛盾冲突。更值得称赞的是，编者似乎花了大量精力去追溯那些影响他的音乐和文学元素，使得整本书的阅读体验不再局限于视觉艺术本身，而变成了一场跨学科的探索之旅。这些细节的填充，让原本可能显得有些“沉重”的主题，变得鲜活且易于消化。

这本关于这位德国艺术家的画册，真是让人耳目一新，它捕捉到了Immendorff创作生涯中那种原始而又充满生命力的能量。我特别喜欢摄影师对他在工作室里的记录，那些光线、颜料飞溅的瞬间，仿佛能透过纸面感受到那种创作的冲动。尤其是他对那些早期“先锋派”作品的详尽解析，不仅仅是简单的年代罗列，而是深入探讨了他在那个特定历史时期，如何通过他的画笔与社会、政治环境进行对话。书中对“咖啡馆文化”和“新野兽派”风格的讨论非常深刻，那种粗粝的笔触和强烈的色彩对比，在文字的引导下，显得更加有说服力。它没有过度美化艺术家的形象，而是坦诚地展现了他作为个体在艺术道路上的挣扎与坚持。对于想要理解战后德国艺术思潮中一股强劲暗流的读者来说，这本书提供了一个极佳的窗口，让我们得以窥见他如何将自身的哲学思考融入到画布之上，而非仅仅停留在表面的风格模仿。那些访谈录的摘录，语调生猛而直率，让人感觉艺术家仿佛就坐在你面前倾诉，这种亲近感是很多学术性的传记难以达到的。

如果用一个词来形容这本书的阅读体验，我会选择“震撼”。它不像一本规整的传记，更像是一本被精心策划的“视觉宣言”。作者团显然对Immendorff的创作脉络有着极为深刻的理解，他们成功地将那些看似狂放不羁的画面，梳理出清晰的内在逻辑线索。那些关于他在不同国家的创作游牧状态的描述，充满了异域风情与漂泊感，与他画作中那种根植于本土经验的焦虑形成了鲜明的对比。图片质量无可挑剔，细节的呈现达到了博物馆级别，那些粗粝的纹理和颜料的堆积层次感，让人仿佛能触摸到画布的肌理。对于那些寻求深度理解当代欧洲表现主义艺术核心驱动力的读者来说，这本书提供了一种全面、复杂且极富感染力的视角，它让你在合上书本后，依然能感受到作品中那股不散的躁动与激情。

这本书的重量和厚度本身就宣告了它不是一本“快餐式”的读物，它要求读者投入时间和专注力。我尤其欣赏其中关于他与同时代艺术家们之间那种既合作又竞争的复杂关系的处理。它没有将Immendorff塑造成一个孤立的天才，而是把他置于一个动态的艺术生态圈中进行审视。书中引用了大量来自不同期刊、私人信件的原始材料，使得论述的立体感大大增强。对我个人而言，最受启发的是关于他晚期介入公共艺术项目的讨论，那部分内容展示了一种艺术家如何从纯粹的个人表达转向社会实践的路径选择。那些关于材料选择、场地适应性的分析，非常具有实操性，即使你不是艺术家，也能从中感受到那种将艺术概念落地生根的艰辛与乐趣。

他的绘画带有明确的社会与政治性符号，他相信艺术可以是社会变迁的载体，“艺术家的拳头也是拳头”，要表达一种社会责任，只有更好地运用自己的才能，不能只搞运动，（多么痛得领悟）怎样做一个政治风景中的画家，似乎成了他在20世纪后期的一个问题。他一直关心着艺术家应该把自己放在什么位置的问题，是社会的边缘，还是文化的延续者？他说艺术家应该是文化的舌头。

他的绘画带有明确的社会与政治性符号，他相信艺术可以是社会变迁的载体，“艺术家的拳头也是拳头”，要表达一种社会责任，只有更好地运用自己的才能，不能只搞运动，（多么痛得领悟）怎样做一个政治风景中的画家，似乎成了他在20世纪后期的一个问题。他一直关心着艺术家应该把自己放在什么位置的问题，是社会的边缘，还是文化的延续者？他说艺术家应该是文化的舌头。

他的绘画带有明确的社会与政治性符号，他相信艺术可以是社会变迁的载体，“艺术家的拳头也是拳头”，要表达一种社会责任，只有更好地运用自己的才能，不能只搞运动，（多么痛得领悟）怎样做一个政治风景中的画家，似乎成了他在20世纪后期的一个问题。他一直关心着艺术家应该把自己放在什么位置的问题，是社会的边缘，还是文化的延续者？他说艺术家应该是文化的舌头。

他的绘画带有明确的社会与政治性符号，他相信艺术可以是社会变迁的载体，“艺术家的拳头也是拳头”，要表达一种社会责任，只有更好地运用自己的才能，不能只搞运动，（多么痛得领悟）怎样做一个政治风景中的画家，似乎成了他在20世纪后期的一个问题。他一直关心着艺术家应该把自己放在什么位置的问题，是社会的边缘，还是文化的延续者？他说艺术家应该是文化的舌头。

他的绘画带有明确的社会与政治性符号，他相信艺术可以是社会变迁的载体，“艺术家的拳头也是拳头”，要表达一种社会责任，只有更好地运用自己的才能，不能只搞运动，（多么痛得领悟）怎样做一个政治风景中的画家，似乎成了他在20世纪后期的一个问题。他一直关心着艺术家应该把自己放在什么位置的问题，是社会的边缘，还是文化的延续者？他说艺术家应该是文化的舌头。