The Motown Album

出版者:St Martins Pr

作者:Elvis Mitchell

页数:252

出版时间:1990-10

价格:USD 50.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780312045173

用户评价

坦白说，我对音乐史类的书籍通常抱持着一种审慎的态度，总担心它们会过度美化或简化历史的复杂性。但这本书展现出的公正性和深度，令人印象深刻。作者在赞扬Motown带来的巨大文化冲击和商业成功的同时，也毫不避讳地揭示了其内部的矛盾、种族歧视的暗流，以及最终因商业化和个人野心膨胀而导致的裂痕。特别是对后期与Stax等南方灵魂乐厂牌的对比分析，非常到位，点明了Motown那种精致、工厂化制作与南方粗粝、情感外放风格之间的本质区别。书中对这些“灰色地带”的坦诚，使得整本书的论述更具说服力和历史厚重感。它不仅颂扬了那些光芒万丈的时刻，也直面了成功背后的代价和必然的衰落。这是一种成熟的、不带滤镜的历史书写，让人读后回味无穷，深感震撼。

对于一个资深乐迷来说，市面上关于Motown的资料汗牛充栋，但真正能让人有所感悟的却凤毛麟角。这本书的高明之处在于，它没有沉溺于对经典歌曲的简单怀旧，而是聚焦于“为什么”和“如何做到”。作者对录音技术和音乐编曲的分析，深入到了乐理层面，但又避免了过度的专业术语堆砌，使得即便是对音乐理论不太精通的读者，也能领会到那种精妙的编排艺术。比如，书中对Funk节奏的演变和贝斯线条的革命性处理的探讨，让我重新审视了James Jamerson的贡献，那种“不只是伴奏，而是另一条旋律线”的论断，简直振聋发聩。它迫使你放下习惯性的聆听方式，重新去“听”那些被时间冲刷得有些模糊的经典。这种对细节的苛求和对声音哲学的探索，让这本书的价值提升到了一个更高的层次，它是一本让人“学会如何倾听”的指南。

说实话，这本书的阅读体验是极其矛盾的——一方面，它用近乎学术研究的严谨性，拆解了Motown音乐的“魔术公式”；另一方面，它又充满了无比鲜活的人物侧写，让人感觉像在看一部精彩绝伦的家族恩怨剧。我特别喜欢作者对那些标志性人物的刻画，比如Berry Gordy那种近乎偏执的控制欲，以及Diana Ross身上那种与生俱来的舞台魅力。书中对于不同艺人之间微妙的竞争与合作关系的描写，细腻得让人仿佛能听见后台的低语和舞台上的暗流涌动。那些关于歌曲创作背后的“宫心计”桥段，远比任何虚构小说都要来得刺激。你甚至能从文字中嗅到那个时代特有的，关于种族、关于梦想、关于背叛的复杂味道。它不仅仅是关于音乐的成功，更是关于一群充满野心的人，如何在音乐这个载体上，共同构建了一个短暂却永恒的乌托邦。读完后，你对那些耳熟能详的旋律，都会产生一种全新的、更深层次的敬意。

这本厚重的精装书，光是掂在手里就有一种沉甸甸的历史感，封面设计简洁却极具力量，那种复古的字体仿佛能带人瞬间穿越回六十年代的底特律。我原本以为这会是一本枯燥的音乐史梳理，毕竟“Motown”这个词本身就代表着一个庞大而复杂的音乐帝国，涵盖了无数传奇人物和关键事件。然而，当我翻开第一页，就被作者那种近乎于“挖掘者”的激情所感染了。它并非简单地罗列专辑和销量，而是深入到那些录音室的墙壁里，去捕捉那些汗水、争吵、灵感迸发的瞬间。书中对早期制作流程的描述尤其精彩，那种“作坊式”的精细打磨，从鼓点的力度到和声的堆叠，无不展现出那个时代艺术家的执着。特别是关于幕后推手是如何将R&B的原始激情，巧妙地“包装”成能征服主流白人听众的流行乐的策略分析，简直是一部商业运作的教科书，读来令人拍案叫绝。它成功地描绘了一幅宏大的社会图景，音乐如何成为了变革的催化剂，这种洞察力，远超一般音乐传记的范畴，让人深思。

这本书的篇幅实在令人敬畏，但我必须承认，每一页都物有所值。我尤其欣赏作者在叙事结构上的大胆尝试。它没有采取严格的年代线性叙事，而是像一个经验丰富的DJ，在不同时期、不同艺人之间进行跳切和混音，营造出一种高密度的信息流和情感共振。这种跳跃感，恰恰模仿了Motown音乐本身那种快速迭代、不断融合的生命力。有时候，你可能正在读一段关于The Supremes早期巡演的窘境，下一秒，笔锋一转就切入到了Marvin Gaye对自己作品的艺术控制权争夺战中。这种叙事手法，避免了平铺直叙带来的疲劳感，让整个阅读过程充满了发现的乐趣。它更像是一部多声部的交响乐，所有的线索最终汇聚在一起，形成一个无比和谐且充满张力的整体。对于想全面理解这个音乐厂牌兴衰脉络的人来说，这种非线性的叙述方式，提供了更广阔的视角。