大学通用山水画教程

页数:130

出版时间:2009-3

价格:35.00元

isbn号码:9787532257355

具体描述

《大学通用山水画教程》主要内容：中国绘画的教育有其一贯的传统，绵延数千年。五四运动之后，西风骤起，我国的中国绘画教育有两大变化十分明显。从过去的师承口传的方式转变为系统规模的教育，从松散经验指导转变为规范标准的课件，把中国绘画教育的私秘性变成社会化教育。本教材的作者都是长期在一线教学的专家教授，他们丰富的教学实践和经验为本套教材的编纂奠定了很好的基础。同时，还注意在教材中将知识点和动手能力结合起来，把课堂教授和自我阅读联系起来，形成学生在课业结束后，《大学通用山水画教程》仍有价值伴随学生继续前行之作用。

用户评价

这本书的章节划分和内容的逻辑推进非常符合零基础学习者的认知习惯。作者在介绍基础笔法时，并没有直接抛出复杂的理论，而是通过一系列循序渐进的练习范例，将“点、皴、擦、染”这些看似玄奥的技法，拆解成了极易理解的步骤。我记得最开始学习“披麻皴”的时候，总觉得手腕僵硬，画出的线条毫无气势，但书里提供的那几个针对性的练习小品，让我很快抓住了关键——原来关键在于腕部的提按和墨色的浓淡变化。而且，作者在讲解每一个技法时，都会配上不同画家应用此技法的范例对比，这极大地拓宽了我的视野，让我明白同一个笔法在不同风格中的应用差异。这种由浅入深、实例丰富的讲解方式，让学习过程充满了探索的乐趣，而不是枯燥的模仿。

这本书的装帧设计简直是视觉享受，从封面到内页的排版都透着一股典雅的书卷气。我尤其喜欢它选用的纸张质感，那种微微的纹理和触感，让人在翻阅时都能感受到对艺术的尊重。尤其是书中那些高清的画作插图，色彩过渡自然，细节清晰可见，即便是那些年代久远的经典作品，也能在现代印刷技术下焕发出新的生命力。我常常在咖啡馆里翻阅，它散发出的那种宁静、沉稳的气质，很容易让人沉浸其中。对于一个刚入门的山水画爱好者来说，这种赏心悦目的阅读体验本身就是一种极大的激励，它让我对学习这门古老艺术充满了期待。光是看着那些精美的图例，就已经觉得身心得到了净化，这绝不仅仅是一本“教材”，更像是一件值得收藏的艺术品。

我注意到这本书在探讨构图原理时，引入了一些非常现代的视角，这让我这个偏爱当代审美的学习者感到非常亲切。它没有陷入传统“三远法”的僵硬教条，而是结合了现代摄影的取景概念和空间感来分析中国山水画的“意境”营造。比如，书中分析了如何运用“留白”来创造呼吸感，以及如何通过前景、中景、远景的层次布局来引导观者的目光，这些分析深入浅出，非常实用。更棒的是，作者还穿插了对历代名家如范宽、倪瓒等人的风格解析，但分析的角度非常新颖，不是简单地罗列他们的成就，而是侧重于解析他们是如何通过“选择”来构建自己的视觉世界的。这种结合传统与现代思维的讲解，让原本觉得高不可攀的“意境”变得触手可及。

作为一本面向“通用”领域的教材，它在材料选择和工具认知方面提供了极其详尽的指南，这一点对于初学者来说至关重要。我以前买画材总是盲目跟风，不知道好坏有何区别，这本书花了好几页篇幅，详细对比了不同产地的宣纸（如皮纸、棉纸）在洇墨效果上的差异，以及不同狼毫、兼毫毛笔在弹性、蓄墨量上的区别。书中甚至配有图表，直观展示了如何通过改变笔锋的干湿状态来控制墨色的层次变化，这比单纯的文字描述有效得多。对于我这种对“硬件”要求较高的实践者来说，这种对工具的深度剖析，确保了我在起步阶段就能用上合适的工具，避免了因工具不顺手而产生的挫败感，真正做到了“工欲善其事，必先利其器”的细致入微。

这本书最让我感到惊喜的是，它不仅教授“如何画”，更侧重于引导读者“如何看”和“如何思考”。在介绍完各种技法和章法之后，作者安排了一部分内容是关于如何进行“主题选择”和“个人风格的初步形成”。它鼓励读者走出书房，去观察自然界中的光影变化、岩石的肌理、云雾的流动，并思考如何将这些瞬间的感受提炼并融入到画面中。这种强调“写生于心，下笔于手”的理念，极大地激发了我的创作热情。它没有把学习过程变成一个机械的临摹流程，反而像一位经验丰富的老师，温柔而坚定地推着你走向独立思考的道路，告诉我艺术的生命力在于观察和体验，而非简单的技术堆砌。这使得整本书的学习体验，从技术层面上升到了哲学思辨的层面。