Meyerhold On Theatre

出版者:Bloomsbury Methuen Drama

作者:Vsevolod Meyerhold

页数:368

译者:Braun, Edward

出版时间:1978-4-6

价格:USD 21.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780413387905

具体描述

A major reissue of a book which is used by students of Meyerhold across the world This was the first collection of Meyerhold's writings and utterances to appear in English and covers his entire career as a director from 1902 to 1939. These are supplemented by a critical commentary, relating Meyerhold to his period and containing descriptions, based on eye-witness accounts, of all his major productions.

用户评价

这本书简直是为那些渴望深入理解戏剧艺术核心的“发烧友”量身定做的！我得说，光是目录那一栏，就能感受到作者对戏剧史脉络的清晰把控。它不是那种泛泛而谈的入门指南，而是真正深入到那些关键的转折点，那些塑造了现代舞台面貌的哲学思辨之中。我印象特别深的是其中关于“身体作为语言”的探讨，作者巧妙地将早期的先锋实验与后来的技术发展联系起来，论证了演员的动作不仅仅是表演的载体，更是一种独立的、具有强大阐释力的文本。读完关于节奏和空间构成的几章，我感觉自己对观看一场戏的角度都发生了根本性的转变，以前只是被动接受，现在则会不自觉地分析舞台上每一个元素是如何协同作用，共同编织出那个稍纵即逝的剧场瞬间。那种对细节的挖掘和对理论深度的追求，让这本书在同类题材中显得尤为珍贵，它迫使你停下来，重新审视那些你以为已经了然于胸的戏剧概念，然后用一种全新的、更具批判性的眼光去看待当下的舞台实践。我甚至想立刻去重看一些经典剧作的录像，带着书中的理论框架去重新解码其中的“潜台词”。

这本书的结构安排极其巧妙，它没有采取简单的年代顺序，而是围绕几个核心的、反复出现的主题进行螺旋式上升的论证。读到后半部分时，你会意识到前面看似分散的案例和理论，其实都是在为最终关于“剧场本体论”的探讨铺路。作者在对比不同流派的得失时，展现出一种近乎公正的批判精神，他既不盲目崇拜，也不肆意贬低，而是着重分析了每一种方法论在特定历史语境下的“有效性边界”。这种冷静、克制的叙事风格，反而使得它极具说服力。它不是在“推销”某一种特定的表演风格，而是在构建一个评估所有剧场实践的通用框架。对于任何试图在当前充满不确定性的剧场环境中寻找方向的创作者而言，这本书提供了一个坚实的理论基石，让你能够站得更高，看得更远，从而更清晰地辨别哪些是真正的创新，哪些不过是历史的重复或表象的模仿。

坦白讲，这本书的阅读体验是那种需要耐心、需要随时准备好在书页旁放一本笔记本的类型。它更像是一份经过数十年沉淀的、极其精密的技艺手册，而非轻松的散文集。作者的行文风格非常严谨，充满了建筑学般的精确性，每一个论断都建立在一系列的观察和对历史先例的引用之上。我特别欣赏它对“非心理主义”表演方法的详尽剖析，那种将演员的身体视为精密的机器部件，严格按照既定的运动轨迹和能量输出进行调控的理念，对于习惯了传统方法派表演的读者来说，无疑是一种观念上的颠覆。但正是这种近乎冷酷的理性分析，才让它拥有了强大的穿透力。它没有给我们提供一个现成的“公式”，而是展示了一套严密的逻辑系统，让读者自己去构建理解剧场运作的底层代码。对我来说，这不仅仅是关于表演，更是关于一种如何系统性地、非线性地处理复杂信息的方法论，非常适合那些对流程控制和结构分析感兴趣的人。

老实说，这本书的文字密度极高，对于初次接触严肃剧场理论的读者来说，可能需要反复咀嚼。它更偏向于一种学术性的论述，而不是面向大众读者的普及读物。但是，一旦你攻克了最初几章的理论壁垒，你会发现其内部蕴含着巨大的能量。最让我感到震撼的是作者对“观看行为”本身的解构。他挑战了观众是静止、被动接受者的传统假设，转而探讨观众的目光如何在舞台上进行主动的、有目的的追踪与筛选。这种视角上的转向，极大地丰富了我对“在场感”的理解。它不是简单地让你“在场”，而是让你明白，你的“在场”本身就是一种被设计的体验。这种对感知机制的深入剖析，体现出作者超前的洞察力，即使放到今天的数字媒体环境中来审视，其理论依然具有强大的生命力和解释力，丝毫没有过时的迹象。

这本书的魅力，或许在于它并没有将自己局限在单一的艺术流派中自娱自乐。它像是一面多棱镜，折射出二十世纪初艺术思潮的斑斓光影。我惊喜地发现，作者在讨论剧场革命时，总能自然而然地将之与当时的绘画、音乐乃至社会学思潮进行对比印证。这种跨学科的视野，让原本可能显得枯燥的理论探讨变得鲜活起来。例如，书中对特定视觉元素的分析，我立即联想到了当时兴起的构成主义设计，那种对功能至上和几何纯粹的追求，是如何在舞台空间中找到其对应物的。这种广博的知识背景，让这本书不仅仅是供戏剧人阅读的，更是对所有研究现代主义艺术发展脉络的学者都有极高的参考价值。它揭示了，艺术形式的革新往往是整体性的，剧场的变革不可能孤立于整个文化氛围之外。读完后，你会觉得你对那个时代的艺术图景有了更宏大、更立体的把握。

膜！拜！！！

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