Film Art

出版者:McGraw Hill Higher Education

作者:David Bordwell

页数:505

出版时间:2006-11-27

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780071286442

具体描述

Film Art is often assigned to college students taking their first film class. Authors David Bordwell and Kristin Thompson do not follow the traditional method of teaching film art through a close analysis of individual films. Instead, they provide an overview of the major issues students confront when they watch movies. In clear, straightforward prose, the authors describe and dissect the complexities of filmmaking, film narrative, film form, and film technique. This book serves as a fine introduction not only to the field of film studies, but also to the theories and concerns of two of the most important scholars in that field.

用户评价

这本书最让我感到惊喜的是它对“时间性”在电影艺术中处理的独特见解。它没有把时间仅仅看作是情节推进的线性载体，而是将其视为一种可塑的、可拉伸的媒介。作者通过剖析蒙太奇理论中关于“快切”和“慢放”的心理效应，揭示了如何通过剪辑来扭曲或重塑观众对现实时间的感知。书中引用了许多非线性叙事结构的例子，解释了闪回和预叙是如何服务于主题表达，而不是单纯的叙事技巧炫耀。这种对时间维度的深入挖掘，极大地拓宽了我对电影叙事可能性的认知边界。阅读体验上，作者的语言风格兼具了古典的庄重和现代的活力，论述严密又不失个人色彩，仿佛是跨越了几代电影大师，将他们最精妙的思考提炼出来，然后用最清晰的语言娓娓道来。这本书无疑是一份沉甸甸的礼物，它让观影不再是消遣，而成为一种深度的心智探索活动。

读完这本大部头，我最大的感受是作者在资料的广度和深度的拿捏上达到了一个近乎完美的平衡。它既没有沦为简单的历史回顾，也没有过度沉溺于个体导演的个人崇拜，而是构建了一个宏观的框架，用以理解电影工业如何从诞生之初摸索出这一套成熟的表达体系。其中关于摄影机运动轨迹的分析部分，简直是一场视觉盛宴的文字复盘。书中通过详细的图表和文字描述，解释了跟拍、摇移、升降等不同运动方式在心理学层面的对应关系。这让我回想起过去看一些动作场面时那种莫名的眩晕感，现在终于明白，那不是技术失误，而是导演有意为之的、对观众感官的精准操控。这本书非常适合那些希望系统性提升自己电影素养，但又不想被枯燥的技术手册束缚的读者，它成功地将严谨的学术探讨与大众传播的易读性结合得天衣无缝，读起来酣畅淋漓，毫不拖泥带水。

坦白讲，我原本对这类理论性强的书籍有些畏惧，总觉得会读着读着就犯困，但这本书完全打破了我的刻板印象。它的叙事节奏把握得极佳，像是在跟一位资深的、经验丰富的电影制作人聊天。书中穿插了大量一手访谈和幕后花絮的案例，这些鲜活的细节让冰冷的理论瞬间变得有血有肉。比如，在讨论布景设计对人物性格塑造的影响时，作者并没有空泛地谈论“象征意义”，而是直接引用了某位著名导演对某个道具摆放位置的精心考量，以及这种考量如何最终被观众解读。这种“讲故事”的方式，让原本抽象的美学概念变得触手可及。我特别喜欢它对不同电影流派美学特点的梳理，那种对比分析做得非常到位，让你能清晰地分辨出好莱坞古典叙事和欧洲艺术电影在处理同一主题时的本质区别。阅读过程中，我感觉自己像是在进行一场跨越时间与地域的电影朝圣之旅，收获的不仅仅是知识，还有对电影艺术无限可能性的敬畏。

这本关于电影艺术的书籍，读起来就像是拿到了一把通往幕后世界的钥匙。作者并没有堆砌那些晦涩难懂的理论术语，而是用一种非常平实、近乎对话的方式，将电影的每一个构成元素——从光影的运用到剪辑的节奏，再到演员的表演——都细致地剖析开来。我印象最深的是它对“视觉叙事”那一章的论述，书中通过分析几部经典影片的特定场景，清晰地展示了如何利用镜头的远近、角度的倾斜，甚至是背景的模糊与清晰，来潜移默化地影响观众的情绪和理解。例如，它对比了两种不同类型的特写镜头，解释了前者如何建立亲密感，而后者如何营造压迫感。这种手把手的引导，让我不再只是一个被动接受故事的观众，而是开始主动去“阅读”镜头语言背后的深层含义。每次看完一个章节，我都迫不及待地想找一部电影来印证书中的观点，这种实践性的学习过程，极大地提升了我对电影的鉴赏能力。它不仅仅是知识的传递，更像是一种思维方式的重塑，让我学会了用更具批判性和洞察力的眼光去审视银幕上的每一个帧画面。

这本书的结构安排显得尤为巧妙，它不是简单地按照时间线或技术分类来组织内容，而是更侧重于“感受”和“体验”的构建。开篇便着重探讨了声音设计在营造氛围上的决定性作用，这在很多同类书籍中往往是被置于次要位置的。作者强调，音效的层次感和情绪引导力，有时比画面本身更具穿透力。书中对白噪音、音乐配乐以及环境音效的细微差别进行了近乎音乐学的分析，我甚至开始在日常生活中不自觉地去分辨周围环境声音的“设计感”。更值得称道的是，它探讨了叙事中的“留白”艺术，即如何通过刻意的省略和模糊，来激发观众的主动参与和想象，这对于理解那些极简主义的电影作品，提供了全新的视角。整体来看，这本书的立意很高，它引导读者从纯粹的技术层面跳脱出来，去关注电影作为一种综合性艺术的哲学内核和情感共振能力。