Carl Theodor Dreyer's Gertrud

Carl Theodor Dreyer's Gertrud pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:University of Washington Press
作者:James Schamus
出品人:
页数:128
译者:
出版时间:2008-09
价格:USD 17.50
装帧:Paperback
isbn号码:9780295988542
丛书系列:
图书标签:
  • 剧本
  • JamesSchamus
  • 电影研究
  • 戏剧改编
  • 卡尔·德莱尔
  • 格特鲁德
  • 沉默电影
  • 宗教
  • 女性主义
  • 丹麦电影
  • 心理分析
  • 艺术电影
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具体描述

If there is one film in the canon of Carl Theodor Dreyer that can be said to be, as Jacques Lacan might put it, his most "painfully enjoyable," it is "Gertrud". The film's Paris premier in 1964 was covered by the Danish press as a national scandal; it was lambasted on its release for its lugubrious pace, wooden acting, and old-fashioned, stuffy milieu. Only later, when a younger generation of critics came to its defence, did the method in what appeared to be Dreyer's madness begin to become apparent. To make vivid just what was at stake for Dreyer, and still for us, in his final work, James Schamus focuses on a single moment in the film. He follows a trail of references and allusions back through a number of thinkers and artists (Boccaccio, Lessing, Philostratus, Charcot, and others) to reveal the richness and depth of Dreyer's work - and the excitement that can accompany cinema studies when it opens itself up to other disciplines and media.Throughout, Schamus pays particular attention to Dreyer's lifelong obsession with the "real," developed through his practice of 'textual realism', a realism grounded not in standard codes of verisimilitude but on the force of its rhetorical appeal to its written, documentary sources. As do so many of the heroines of Dreyer's other films, such as "La Passion de Jeanne d'Arc" (1928), "Gertrud" serves as a locus for Dreyer's twin fixations: on written texts, and on the heroines who both embody and free themselves from them.Dreyer based "Gertrud" not only on Hjalmar Soderberg's play of 1906, but also on his own extensive research into the life of the 'real' Gertrud, Maria van Platen, whose own words Dreyer interpolated into the film. By using his film as a kind of return to the real woman beneath the text, Dreyer rehearsed another lifelong journey, back to the poor Swedish girl who gave birth to him out of wedlock and who gave him up for adoption to a Danish family, a mother whose existence Dreyer only discovered later in life, long after she had died.

探索光影的深邃迷宫:电影大师的另类凝视 这部文集汇集了对多位电影史上极具影响力的导演的深入剖析与独到见解,旨在超越传统的影片评论范畴,挖掘他们在艺术表达、叙事结构以及对人性探索上的独特贡献。我们着眼于那些常常被主流叙事所忽略的电影语言的细微之处,试图构建一个更为立体和复杂的影史图景。 第一部分:静默的重量——对早期欧洲先锋电影的再审视 本部分聚焦于二十世纪初至中叶,欧洲大陆上涌现出的几次重要的电影思潮。我们没有将目光过多地投向那些广为人知的里程碑作品,而是深入挖掘了那些在美学上极具挑战性,但在叙事上更为内敛和抽象的导演。 首先,我们详细考察了罗伯特·布列松(Robert Bresson)在构建“表现主义真实性”方面的努力。通过对《扒手》(Pickpocket)和《圣女贞德的受难》(The Passion of Joan of Arc,此处的分析将着重于其早期对表演和场景的极端剥离手法,而非我们已知的主要焦点)的对比研究,我们探讨了他如何通过“模特”(model)的使用,而非传统意义上的演员训练,来达到一种近乎宗教仪式般的纯粹性。这里的核心议题是,布列松如何利用画面的精确构图和声音的刻意去语境化,来迫使观众直面角色行动背后的道德困境,而非沉溺于情感的宣泄。我们特别关注了他在后期作品中对“偶然性”的偏爱,以及这种偏爱如何与他对命运的宿命论观点相呼应。 接着,我们将焦点转向了卡尔·德莱耶(Carl Theodor Dreyer)的早期作品——尤其是那些未被大众广泛讨论的哑光处理时期的作品,例如《吸血鬼》(Vampyr)中,探讨光线如何被用作一种物理和形而上的媒介。不同于那些以情绪为导向的恐怖片,德莱耶在这里的光影运用更接近于建筑学上的精确测量,每一束光都服务于界定空间中的精神压力。我们分析了他在构图上对垂直线条的偏执,以及这种垂直性如何象征着人类精神在面对超自然力量时的脆弱和挣扎。我们试图理解,德莱耶在构建一个“可见的宗教经验”的过程中,是如何平衡现实主义的细节与超验主义的表达的。 本节的收尾是对让-皮埃尔·梅尔维尔(Jean-Pierre Melville)的“冷硬派”风格的非典型解读。我们不专注于其标志性的风衣和枪战,而是侧重于他如何通过冗长、几乎毫无情节波动的对白场景,来表现现代都市中个体存在的疏离感。梅尔维尔的人物往往沉浸在一种近乎仪式性的沉默中,这种沉默并非缺乏交流的意愿,而是一种对无意义世界作出回应的唯一体面方式。通过分析《红圈》(Le Cercle Rouge)中的“规则”体系,我们探讨了这种风格化行为如何成为角色对抗虚无的最后防线。 第二部分:影像的解构与重构——新浪潮后的语言实验 进入后二战时代,电影语言迎来了剧烈的动荡。本部分将分析那些挑战既有叙事逻辑,将电影创作行为本身置于讨论中心的导演。 安德烈·塔可夫斯基(Andrei Tarkovsky)的“雕塑时间”理论是本节的核心。我们避开对《索拉里斯》(Solaris)或《镜子》(Mirror)的常规解读,转而深入研究《飞向太空的人》(Solaris的早期代号)的剧本发展阶段以及《乡愁》(Nostalghia)中对记忆载体的物理处理。塔可夫斯基并非仅仅在制造“慢镜头”,而是在“扩展当下”。时间在他手中成为了可以被拉伸、压缩和折叠的粘稠物质。我们特别关注他如何运用“长镜头中的焦点转移”(Rack Focus within a Long Take)来暗示潜意识的流动,从而构建出一种观众必须主动参与“观看”而非被动接受的体验。 与此同时,我们将目光投向日本的小津安二郎(Yasujirō Ozu)的“榻榻米镜头”(Tatami Shot)。我们认为,小津的革命性不在于他讲述了多少家庭悲剧,而在于他如何通过这种特定的、固定在低角度的视角,将家庭空间转化为一种宇宙学的结构。每个家庭成员的起落、每一次“垫子”(Tatami)上的坐立,都被赋予了一种近乎禅宗般的永恒性。这种视角消除了戏剧性的高潮,将所有事件——无论是诞生还是死亡——都置于一个平稳、连续的时间流中。我们分析了他在后期作品中对“空镜头”(Pillow Shots)的运用,这些镜头与其说是对现实的描绘,不如说是对情绪的调色板,是叙事喘息的必要结构。 第三部分:身体、空间与权力——对主体性的审视 本部分转向那些通过对身体的刻画和对空间布局的精细控制,来探讨权力关系与个体异化的导演。 迈克尔·汉内克(Michael Haneke)的作品是研究“观看的伦理”的绝佳样本。我们着重分析他如何利用冰冷的、不动声色的镜头语言,迫使观众直面自身的窥淫癖和道德的缺席。在《白丝带》(The White Ribbon)中,通过对儿童行为的精准捕捉,汉内克揭示了父权结构如何通过无形的恐惧和压抑的仪式渗透到社区肌理中。这里的关键不在于“谁是凶手”,而在于“谁创造了允许谋杀发生的土壤”。汉内克的镜头是精确的外科手术刀,它切开表象,展示出社会结构中的腐败。 最后,我们将探讨拉尔斯·冯·特里埃(Lars von Trier)早期的“纯洁性运动”宣言(道格玛95)与他后来的宏大、具有争议性的作品之间的内在张力。我们认为,特里埃对限制的追求(如手持摄影、自然光)并非是手段的终结,而是为了剥离电影制作的“魔术外衣”,从而暴露出其核心的、野蛮的叙事冲动。尤其是在探讨《破浪》(Breaking the Waves)中对信仰的极端考验时,我们分析了特里埃如何故意模糊真实与虚构的界限,挑战观众对同情心和道德判断的既有界限。他迫使观众承认,在极端的情境下,那些我们视为神圣的原则是如何轻易地被扭曲或牺牲的。 通过对上述几位大师作品的非线性考察,本合集旨在提供一种更为精微的电影批评方法论,鼓励读者将注意力从“故事内容”转移到“创作意图”与“形式语言”的交织之中。

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