设计艺术历程

作者:杨先艺

页数:266

出版时间:2009-3

价格:39.00元

isbn号码:9787102043197

具体描述

《设计艺术历程》分为15个部分，分别论述了中国设计艺术的源流、中国封建社会的设计艺术、西方设计艺术发展历程、中世纪的艺术、意大利的设计、英国的设计等内容。

用户评价

这本书是一次令人愉悦的视觉与思想的旅行。作者拥有敏锐的观察力和深刻的洞察力，他能够从寻常的艺术作品中挖掘出不寻常的意义。他不仅仅是简单地介绍艺术作品，更是在引导读者去进行批判性思考。他会提出一些引人深思的问题，例如“为什么某个时期的艺术会如此强调宗教主题？”或者“现代艺术为何会走向抽象？”。这些问题促使我主动去思考，去探索答案，而不是被动地接受信息。他对于不同文化背景下艺术发展的比较也非常精彩，让我看到了艺术是如何在不同的土壤中生根发芽，开出各具特色的花朵。我尤其喜欢他对艺术作品的解读，他能够看到别人看不到的细节，发现那些隐藏在画面背后的故事。例如，在分析一幅肖像画时，他不仅会评价画家的笔触和色彩，更会试图解读画中人物的表情和姿态所传达的情感和身份。这种解读方式让我觉得，艺术品不再是静止的图像，而是充满生命力和故事的载体。整本书的编排也非常用心，配图精美，文字流畅，阅读体验极佳，让我爱不释手。

这本书的封面设计就足够吸引我了，沉静的蓝色搭配上抽象的线条，仿佛预示着一场跨越时空的视觉盛宴。我一直对艺术史充满了好奇，但市面上很多书籍要么过于学术，要么过于浅显，难以找到一本既有深度又不失趣味的读物。在翻阅这本书之前，我抱着试一试的心态，但从第一页开始，我就被深深地吸引住了。作者的叙述方式非常生动，仿佛一位经验丰富的导游，带领我穿梭于不同的艺术时代。他不仅仅罗列了重要的艺术家和作品，更深入地挖掘了每个时期艺术风格的形成原因，以及它们与当时的社会、文化、哲学思潮之间的紧密联系。比如，在讲述文艺复兴时期时，他没有停留在对达芬奇、米开朗琪罗的赞美，而是详细分析了人文主义思想如何解放了人们的思想，使得艺术创作摆脱了宗教的束缚，更加关注人本身和现实世界。他对色彩、线条、构图的解读也鞭辟入里，让我对一些原本觉得“看不懂”的画作有了全新的认识。读这本书就像在品味一杯陈年的美酒，越品越有味，越嚼越有嚼头。我尤其喜欢作者对于不同艺术流派之间演变关系的梳理，比如从中世纪的宗教艺术到文艺复兴的写实主义，再到印象派的光影探索，每一个转折点都被描绘得清晰而富有逻辑。这让我不再是将一个个孤立的艺术品视为点，而是能够串联起一条条宏大的艺术长河，理解它们是如何传承、融合、又互相批判的。

这本书给我的感觉就像是在听一位博学多才的朋友，娓娓道来他对于艺术的痴迷与见解。作者的语言风格非常轻松有趣，丝毫没有让人觉得是在接受一场枯燥的“灌输”。他会在讲述某个艺术流派时，穿插一些有趣的轶事和传闻，让冰冷的艺术史瞬间变得鲜活起来。例如，在谈到印象派时，他会讲到当时评论家们是如何嘲笑莫奈的《日出·印象》的，以及这些艺术家们如何顶住压力，坚持自己的艺术追求。这种充满人情味的叙述方式，让我觉得艺术品不再是遥不可及的神坛圣物，而是饱含着艺术家们的心血和汗水的创作。他对艺术史的梳理不仅仅是线性时间上的推进，更像是对一张巨大的网进行梳理，将不同时期、不同地区、不同风格的艺术巧妙地联系起来，展现出艺术发展中那些潜在的、不为人知的联系。我特别欣赏作者对于“风格”的分析，他能够准确地捕捉到不同艺术风格的核心特征，并用简洁明了的方式将其概括出来。读这本书，我不仅仅是在学习艺术知识，更是在学习如何去“看”艺术，如何去“感受”艺术，如何去“理解”艺术。

读完这本书，我感觉自己仿佛被注入了一种全新的艺术“视力”。以往我看到一幅画，可能只会停留在“好看”或者“不好看”的层面，但现在，我能够更深入地理解其背后的创作理念和历史背景。作者的笔触细腻而富有感染力，他擅长用生动的比喻和形象的描述来展现艺术品的魅力。例如，在描绘巴洛克时期的艺术时，他用“戏剧性的光影冲突”、“宏伟而充满动感的场景”等词汇，将那些令人目眩神迷的画面活灵活现地展现在我眼前。他不仅讲解了艺术家的技法，更揭示了这些技法是如何服务于艺术家的表达意图的。我尤其喜欢他关于“意图”的阐述，认为艺术品不仅仅是技艺的展现，更是艺术家思想和情感的载体。他还引导读者去思考艺术品在不同文化语境下的解读差异，比如同一件作品在东方和西方可能具有完全不同的象征意义。这种跨文化的视角让我更加开阔了视野，也更加深刻地认识到艺术的普适性和多样性。这本书的内容非常丰富，涵盖了从史前艺术到当代艺术的各个阶段，但作者的组织非常清晰，每个章节之间过渡自然，不会让人感到信息过载。

这本书简直是一场关于“为什么”的艺术探险，让我彻底颠覆了以往对艺术史的认知。我原本以为艺术史就是背诵一个又一个名字和年代，但这本书让我明白了艺术品背后蕴含的深刻思想和时代精神。作者的视角非常独特，他不仅仅关注视觉上的美感，更着重于艺术品所要传达的观念和情感。他会带你走进艺术家的内心世界，去理解他们为何选择某种创作手法，为何会对某个主题情有独钟。举个例子，在谈到抽象表现主义时，他并没有简单地将其归类为“看不懂”的涂鸦，而是深入剖析了二战后美国社会不安的情绪，以及艺术家们试图通过纯粹的色彩和线条来表达内心深处难以言喻的冲动和呐喊。这种解读方式让我感到非常共鸣，仿佛自己也置身于那个时代，与艺术家们一同感受时代的脉搏。书中对不同媒介和材料的运用也有着精彩的阐述，比如早期艺术家们如何利用天然颜料，以及后来工业革命对绘画材料的革新如何影响了艺术家的创作。这种对技术和材料的关注，让我看到了艺术发展并非空中楼阁，而是与人类的物质文明进步息息相关。我特别欣赏作者在描述某些复杂的艺术理论时，能够用非常通俗易懂的语言来解释，避免了枯燥的专业术语，让我这个非专业人士也能轻松领会。