中国美术2009·视野

作者:徐恩存

页数:128

出版时间:1970-1

价格:58.00元

isbn号码:9787501187911

具体描述

《中国美术》集中展示2009年我国艺术家在美术创作上的实绩，所选的作品都出自当代比较有成就的美术家之手，也有中青年艺术家的作品。本辑以当代名家文献、学术关注、名家名作赏析、视野·文本、历史回眸等多种形式来解读当代中国美术的名家名品，及其作品赏析之感。

用户评价

这本集子，简直就是一场视觉的盛宴，虽然我手头这本聚焦的是特定年份的中国艺术动态，但它给我带来的那种探索欲和思考的深度，却是跨越时空的。比如，我最近沉迷于研究晚唐五代壁画的演变，尤其是敦煌莫高窟那些色彩的衰变与重生。我总觉得，那个时期的画家们，在技法上的大胆革新和精神层面的虔诚统一，是后世难以企及的。他们用最朴素的材料，描绘出了最宏大、最复杂的佛教宇宙观，线条的遒劲与人物神态的微妙变化，简直是教科书级别的范本。我常常对着高清图集发呆，试图解析颜料是如何与石灰层完美结合，从而抵抗了千年风沙的侵蚀。这种对“永恒”的追求，通过艺术形式得以实现，令人肃然起敬。这本书虽然记录的是近期的“视野”，但它无疑提醒了我，任何当下的创新，都建立在对历史深厚积淀的理解之上，那些古老的笔触里，蕴含着比任何前沿理论都更具穿透力的生命力。

这本书的结构，无疑为我们提供了一个回溯某个特定历史切面的窗口。我突然联想到多年前观看的一部关于建筑美学的纪录片，它探讨了现代主义建筑如何在消除装饰、追求功能至上的过程中，也意外地失去了与人性温暖的连接。艺术的“视野”总是逃不脱对空间和环境的介入。无论是架上绘画，还是装置艺术，最终都要落脚于人与环境的关系。我最欣赏那些能够将宏大叙事，巧妙地转化为个体可感知的细节的作品。比如，一件雕塑，它的材料触感、它在特定光线下投下的阴影，甚至它在展厅中占据的空气量，都在与观者进行无声的对话。这种将哲学思考转化为可触摸、可呼吸的物质体验的能力，是衡量艺术成就的重要标尺。一本优秀的艺术年鉴，其价值不仅在于罗列了现象，更在于引导读者去思考这些现象背后的空间哲学和存在论意义。

每当我接触到关于当代水墨的讨论，我总会想起早年间在苏杭一带游历时，偶然进入的一间小型私人画廊。那里挂着几幅极为克制的写意山水，水墨的浓淡干湿，几乎就是对“气韵生动”最直接的诠释。那种留白的处理，比画满了好几层的工笔更能摄人心魄。这本记录本中对水墨探索的篇章，虽然着墨于新世纪的变奏，但其核心依然是对东方哲学中“虚实相生”的执着。我好奇的是，在当代语境下，当传统工具和材料被赋予了新的阐释权，艺术家们如何平衡对传统范式的敬畏与打破陈规的冲动。这种平衡本身就是一种高难度的平衡术。就像听一场融合爵士乐的民乐演奏，你既能听出古筝的清冽，又能感受到萨克斯风带来的即兴的自由，两者相互碰撞、相互成就，最终形成一种既熟悉又陌生的听觉体验。

翻阅那些当代艺术家的作品介绍时，我脑海中自动跳出的是巴塞尔艺术博览会的一些老旧报道，那些关于观念艺术如何冲击传统审美的争论。艺术的“视野”总是被时代推着走，它像一面棱镜，折射出社会最深层的焦虑与渴望。我记得有位策展人曾说过，真正的艺术品，是能够让观者在欣赏后，对日常世界产生一种轻微的、但又无法忽视的“错位感”。这本关于2009年艺术界的记录，恰好捕捉到了一个全球金融危机后，艺术市场与创作心态开始微妙转折的节点。那种带着对既有秩序的怀疑，但又必须在有限的材料和展览空间内寻找出口的挣扎感，是值得细品的。它不再是纯粹的学院派展示，而更像是一份关于“我们是谁，我们要往哪里去”的集体备忘录。我尤其关注那些媒介实验性的作品，它们如何利用新科技打破了画框的束缚，让观众从被动的旁观者，变成了作品意境中的一个必要元素。

我个人对摄影艺术，尤其是那些具有强烈纪实倾向的作品，有着一种近乎迷恋的偏爱。因为照片仿佛凝固了时间本身，它截取了现实世界中最不经意却又最能说明问题的一瞬。我曾经花了好几个下午，研究上世纪三五十年代的欧洲街头摄影，那种对光影、构图和人文瞬间的精准把握，是任何后期修饰都无法替代的“真实的力量”。而一本反映近年“视野”的书籍，必然会涉及到数字影像技术的普及对纪实美学的影响。它不再是按动快门那一瞬间的“决定性瞬间”，而更多是关于如何构建一个可信的叙事场域。这种转变，让我反思，当一切都可以被轻易修改和重构时，我们该如何定义“证据”的价值？艺术家的责任，是否已经从“记录世界”，转变为“质疑世界如何被记录”？这种深层次的自我审视，比单纯欣赏一张漂亮的照片要复杂得多，也深刻得多。