Technique of My Musical Language

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出版者:Reprint Services Corp
作者:Oliver Messiaen
出品人:
页数:142
译者:John Satterfield
出版时间:1987-10
价格:CAD 79.77
装帧:Hardcover
isbn号码:9789990883046
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐理论
  • 作曲技巧
  • 音乐语言
  • 和声学
  • 对位法
  • 音乐分析
  • 现代音乐
  • 20世纪音乐
  • 音乐教育
  • 作曲
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具体描述

寂静的共振:失落乐章的重构与探寻 图书名称:《寂静的共振:失落乐章的重构与探寻》 图书简介: 本书并非对既有音乐理论或创作技法的罗列与解析,而是一场深入二十世纪上半叶欧洲音乐实践核心的考古式重访。它聚焦于被主流音乐史叙事所边缘化或遗忘的那些“断裂点”——那些作曲家们在面对传统与激进变革之间的巨大张力时所做出的,往往是个人化、非体系化的艺术抉择。 第一部分:调性废墟上的回响 本书的开篇,将目光投向了第一次世界大战后欧洲大陆上弥漫的文化焦虑。我们摒弃对“十二音体系”或“新古典主义”的宏大叙事,转而深入探讨那些在传统和声语言瓦解后,试图在残存的音高组织中寻找“新秩序”的实验者。 我们考察了那些拒绝彻底“去调性化”,却也无法回归浪漫主义全盛期的作曲家群体。他们如何在有限的和声资源下,构建出具有强烈地方色彩和个人情感投射的音乐结构?书中详细分析了少数被提及的,例如法国作曲家利奥·德利布(Léo Delibes)晚期作品中,那些看似“不合时宜”的半音进行,如何通过对特定民间调式的不自觉引用,营造出一种既熟悉又陌生的听觉体验。这并非对德利布的全面研究,而是将其作为一扇窗口,窥见在大型学院派之外,音乐语言如何以更具“泥土气息”的方式进行演化。 我们深入探讨了“色彩和声”的极限。在没有明确功能和声支撑的情况下,音高的堆叠如何单纯地服务于音响效果?书中通过分析一些早期斯克里亚宾(Scriabin)未发表的草稿片段(这些片段通常被认为过于“原始”而不入主流研究法眼),揭示了作曲家对于色彩的直觉性把握,如何先于理性的理论建构。这部分内容旨在说明,音乐语言的演变,往往是感性试错驱动的,而非逻辑推演的结果。 第二部分:节奏的拓扑学与身体经验 本书的第二部分,挑战了对“节奏”的纯粹数学化理解。我们认为,节奏在二十世纪初期的某些前卫实践中,已经超越了计量单位的范畴,成为一种与身体、运动和空间感知深度绑定的现象学体验。 我们研究了早期表现主义舞蹈(如玛丽·冯·维格曼的早期作品)与音乐配乐之间的张力。许多当时的配乐,因其过于“粗糙”或“不连贯”而被认为不成熟。然而,本书认为,正是这种“不连贯性”,恰恰捕捉了现代都市生活中身体的异化感。我们详细考察了某位不知名的维也纳剧院的临时作曲家,为一场关于“工厂劳作”的哑剧所作的配乐片段。那段配乐中,重复的、单调的、几乎是机械式的音型,如何通过细微的速度波动和非对称的重音放置,成功模拟了疲惫工人身体的“节律性崩溃”,而非仅仅是模仿机器的匀速运转。 我们特别关注了那些源于非欧洲音乐的节奏观念,这些观念在二十世纪初期的欧洲知识分子圈内引发了震荡,但并未被系统吸收。书中通过对一次在巴黎举办的,展示了印度“塔拉”(Tala)体系的音乐会的零星记录,探讨了欧洲作曲家面对这种多层级、非线性时间感时的困惑与迷失。这种迷失,恰恰是理解当时欧洲音乐语言危机的一个重要侧面:他们试图用线性的、目的论的思维去套用循环的、内嵌的结构。 第三部分:文本与声响的界面 本书的第三部分,将焦点转向音乐作品中“文本”与“非文本声响”之间的界限。在歌剧和声乐作品的创作中,作曲家往往面临一个选择:是让声音服务于语言的语义,还是让语言成为声响结构的一部分? 我们避开了对勋伯格或贝尔格作品中清晰的文本处理的分析,而是转向了那些尝试“消解”语言可理解性的尝试。例如,在一些早期实验性室内乐作品中,人声被用作一种纯粹的乐器,其发出的音色、呼吸声,甚至是对特定元音的延长,都被精确地标记在乐谱上。这些标记,有时比任何旋律或和声更具表现力。 书中详细对比了两位作曲家处理“沉默”的方式。一位作曲家将沉默视为乐句之间的“呼吸空间”,是调性结构得以维持的必要条件;而另一位,则将沉默视为一种“声学真空”,是对听众注意力最强烈的捕获方式,它不为任何既有音乐结构服务,而是独立存在。这种对“寂静”的不同处理,深刻反映了他们对音乐本质的不同理解。 结论:未完成的肖像 《寂静的共振》并非旨在提供一套新的音乐“技术”指南,它更像是一份不完整的、充满问号的艺术家肖像集。它试图揭示,在二十世纪音乐语言急剧变革的时代背景下,无数富有才华的声音是如何因为不符合任何新兴的主流理论框架,而被历史的洪流所冲刷,留下的只是零星的、需要仔细聆听才能辨识的微弱共振。 本书鼓励读者,以一种“反教育”的姿态,重新审视那些被定义为“失败”、“过渡性”或“不成熟”的音乐片段,因为恰恰在这些看似“不合时宜”的尝试中,蕴含着音乐语言最为自由和原始的创造力。它是一本写给那些对“已完成之物”抱持怀疑态度的听众和研究者的书。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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初拿到这本书时,我其实是抱着一种怀疑的态度,毕竟市面上的音乐理论书籍太多,大多都是老生常谈,换汤不换药。但这本书的独特之处,在于它完全颠覆了我对“旋律创作”的固有认知。它没有提供一堆现成的模版或“套路”,而是提供了一种构建音乐语言的底层逻辑。书中最令我震撼的是关于“节奏单位的非对称性”这一章节。作者通过对不同文化背景下音乐节奏的对比分析,提出了一个非常激进的观点:完美的平衡往往是僵死的,真正的生命力来源于对预期节奏的微妙“延迟”或“提前”。我立刻将这种理论应用到我正在进行的一个室内乐作品中,尝试打破传统的四四拍或三四拍的束缚,结果发现音乐一下子获得了前所未有的“呼吸感”。这本书的排版和图示也非常清晰,大量使用了一种类似工程蓝图的线条图来描绘复杂的复调结构,这对于视觉学习者来说简直是福音。它迫使你跳出钢琴键盘的限制,从更宏观的声场角度去规划音乐的走向。

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这本书简直是为那些渴望深入理解音乐结构、却又被传统理论束缚的人量身定做的“破壁者”。我花了整整一个月的时间,几乎是废寝忘食地啃完了它,特别是关于“声部逻辑”和“色彩和声”的那几个章节,简直是醍醐灌顶。作者没有故作高深地抛出晦涩难懂的术语,而是用一种近乎哲学的探讨方式,将和声的进行和旋律的走向,与人类的情感波动和心理感知巧妙地联系起来。比如,书中对“调性张力”的解析,不同于教科书里仅仅停留在功能和声的框架内,它深入挖掘了听觉心理学的基础,解释了为什么某些和弦进行会带来“不安”或“解决感”。我尤其欣赏作者在分析巴赫和德彪西时的那种细致入微,他没有简单地罗列音符,而是试图还原作曲家创作时的思维路径,那种对织体层次的解剖,让我重新审视了自己过去的一些创作习惯。读完后,我感觉自己仿佛获得了一把万能钥匙,可以开启那些过去看似随机、实则充满内在必然性的音乐之门。这不仅仅是一本“技巧”书,更是一本关于“如何聆听”和“如何思考”的指南。

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如果说市面上的音乐书籍大多像营养师开的食谱,告诉你“应该吃什么”,那么这本书更像是一位老练的炼金术士,展示了如何将最基础的元素(音高、节奏)提炼出具有魔力的物质。我尤其喜欢书中关于“空间感”的处理。它不仅仅谈论配器法(比如小提琴在高把位拉奏),而是深入到音响物理学层面,探讨如何利用乐器之间的频率交叉点和泛音列的相互作用,在听觉上创造出一种“三维”的听觉体验。书中关于“声部线条的物理运动轨迹”的论述,让我对管弦乐队的配器法有了全新的认识——它不再是简单的将旋律分配给不同的乐器,而是在模拟一个复杂的、动态的物理模型。随书附带的那些小练习题虽然难度极高,但每完成一个,都感觉自己的听觉灵敏度又上升了一个台阶。这本书需要时间沉淀,不是翻完就能掌握的,它更像是需要反复研磨的一块玉石。

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对于一个已经有多年创作经验的作曲家来说,最怕的就是陷入“舒适区”,写来写去都是自己熟悉的那些和声进行和配器手法。我需要的是能够激发新灵感的“挑战书”,而这本书恰好满足了这一点。它不是在教你如何写出“好听”的音乐,而是在探讨“音乐为什么有效”的深层机制。最让我感到“挫败”又“兴奋”的是关于“动机发展”的章节。作者提出了一个“螺旋式变异”的概念,它远比传统的动机展开手法要复杂和自由得多。他用了大量的篇幅来分析勋伯格晚期作品中看似无序的音高组织,但最终揭示出隐藏在其后的一个极其严谨的、非线性的逻辑体系。阅读过程中,我不断地停下来,回到我的 DAW(数字音频工作站)里,尝试用这种新的视角去解构我自己的素材库。这本书的语言风格非常直接,甚至带有一种强硬的学院派气息,但正是这种毫不妥协的精确性,才让它显得如此有价值。它不哄你,它只告诉你真相。

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从文学性角度来看,这本书的行文逻辑极其严密,仿佛在进行一场精密的数学证明,但其内核却是对音乐美学最深刻的探索。这本书最巧妙的地方在于,它成功地将“主观感受”与“客观分析”融为一体。例如,作者在讨论“动态的张力释放”时,他不仅给出了复杂的和声序列分析,还穿插引用了尼采关于“酒神精神”与“阿波罗精神”在音乐中的体现,使得整个理论框架充满了人文思辨的深度。我发现,这本书对我的作曲思路产生了深远的影响,它让我开始关注那些被传统音乐教育所忽略的“边缘区域”——那些介于有组织和无组织之间的灰色地带。它鼓励我大胆地去实验那些听起来“不对劲”的和声,因为在作者的引导下,你会发现,那些所谓的“错误”往往孕育着下一次音乐语言的革命。读完后,我不再满足于“好听”,我开始追问“为什么好听”,以及“有没有比现在更好听的可能性”。

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