The Best of 1 Color+2 Color Graphics

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价格:165.00元

isbn号码:9789812454348

具体描述

Graphic Design using one or two colors not only offers a less-expensive alternative to costly four-color printing, but also provides a range of dramatic effects, from somber and elegant to edgy and bold. The work shown in this book clearly demonstrates that less is more.

The Best of 1-Color + 2 Color Graphics:

Features hundreds of projects, including posters, letterhead, package, invitations, promotional materials, logos, book jackets, and more

Contains a "color finder" section designed to show readers a variety of single or two-color combinations for select featured projects

Offers graphic designers and art directions of all experience levels hundreds of ideas for stretching a print budget without compromising style

用户评价

这本书的装帧和纸张质量给我留下了不错的初步印象，厚实的铜版纸让那些高饱和度的单色图形显得格外鲜活，这或许是它最值得称赞的地方。然而，内容上的分配极度不平衡。我本来以为它会详细介绍如何有效利用一色进行信息层级划分，比如通过颜色的明暗变化（Tint and Shade）来区分主要信息和次要信息。比如，在只有红色和白色的情况下，如何设计一个复杂的仪表盘界面，让用户一眼就能定位到最重要的警告信息。但书中对这种精细化的层次设计着墨甚少，反而花了大篇幅去介绍一些花哨的、使用特殊油墨或表面处理工艺的案例，这些内容对于大部分只能进行标准CMYK印刷的普通读者来说，实用价值几乎为零。我买这本书是为了学习如何在预算和技术受限的情况下，最大化设计效能，而不是学习那些需要昂贵后加工的“特效”。这种侧重于“奢华展示”而非“普适方法论”的倾向，让这本书的实用性大打折扣，感觉像是一本面向高端设计师的“炫技集锦”，而不是面向广大从业者的“工具箱”。

说实话，我买这本书是冲着它“最佳”这个词去的，我期待的是能看到那些真正开创了视觉语言先河的、具有里程碑意义的单色或双色设计作品的解构分析。例如，那些二十世纪早期先锋艺术运动（如包豪斯或俄国构成主义）如何利用有限的色彩来表达激进的社会理念，或者现代极简主义大师们如何仅用黑与白来构建复杂的三维空间感。这本书里确实有一些案例，但它们大多是近些年的商业应用，虽然在执行上无可挑剔，但在概念上却显得有些平庸。我希望能看到的是“为什么”——为什么在某个特定的历史时刻，选择只用钴蓝和米白这两种颜色，而非其他组合？这种选择背后隐藏了什么样的文化语境或技术限制？遗憾的是，作者似乎将重点放在了“展示成果”而非“解析过程”上。我希望得到的不是一份漂亮的画册，而是一份能让我理解设计决策如何影响最终传达效果的深度报告。书中的文字部分对于这些高级概念的探讨，常常用一些含糊不清的形容词来搪塞过去，比如“非常引人注目”、“强烈的视觉冲击力”，这些描述对于提升我的专业认知毫无帮助，我需要的是数据、比例和严谨的理论支撑。

我本来是抱着极高的期望来阅读这本关于“一色与双色图形”的专著的，毕竟标题听起来就直指核心，仿佛能提供一套系统性的、行之有效的色彩策略手册。我希望看到的是关于限制性调色板（Restricted Color Palettes）在品牌识别系统（Branding Systems）中如何被高效运用的实战案例，比如如何通过精确控制饱和度和明度来模拟出三色甚至四色的视觉效果，或者如何利用负空间（Negative Space）与这两种颜色进行互动，产生动态平衡。然而，书中的内容给我的感受是，它更像是一本基于“流行趋势”而非“设计原则”的速览手册。许多页面的布局和图形选择，都带有明显的、过时三五年的时尚气息，缺乏永恒的设计美感。例如，书中有一部分专门展示了如何使用渐变网点（Halftone Dots）来模拟灰阶，这本身是个好技巧，但作者处理的方式过于表面化，只是简单地展示了密集的点阵图和稀疏的点阵图，却没有深入讲解如何根据图像的明暗对比度来科学地调整点的大小和间距，以确保在不同分辨率的屏幕或印刷品上都能保持清晰度和视觉连贯性。这本书的叙事节奏也显得有些跳跃，知识点之间缺乏必要的逻辑过渡，让人感觉像是在一个色彩斑斓的迷宫里乱闯，而不是沿着清晰的路径前进。

我认真阅读了其中关于“双色互补”的章节，希望能从中找到一些关于色彩心理学和光学效应的真知灼见。例如，如何利用视觉错觉（Optical Illusions）在双色组合中创造出运动感或深度感。我期待书中能包含一些关于人眼对特定色对的敏感度测试结果，以及在不同的光照条件下，这些组合的视觉表现差异。但书里提供的分析，停留在非常基础的层面，基本上就是重复一些初级设计课程里就会教的内容，比如“蓝色让人感到平静，红色让人感到兴奋”。这种缺乏实验数据支持的、经验主义的论断，在今天的数字化设计领域已经显得有些过时了。我更希望看到的是对高对比度和低对比度双色组合在长时间观看下的用户疲劳度的研究，或者不同文化背景下对特定双色组合的解读差异的对比分析。总而言之，这本书更像是一个合格的、但远非“最佳”的入门参考资料，它展示了许多优秀的作品，却未能成功地将这些作品背后的设计智慧提炼成可供学习和复用的坚实理论框架。

啊，这本书，我真是一头雾水地把它捡起来的。封面设计得挺有意思，那种简约又不失活力的感觉，但内容嘛……老实说，我期待的是一本深入探讨色彩理论及其在平面设计中应用的权威著作。你知道，那种能让我从根本上理解“一色”和“双色”组合的视觉冲击力、心理影响，以及如何用最少的元素创造出最大化信息传达效率的教科书。结果呢，这本书给我的感觉更像是一本快速浏览的图集，里面塞满了各种五花八门的案例，但缺乏对这些案例背后设计哲学的深入挖掘。比如，某一页展示了一个极其漂亮的红加黑的标志设计，视觉效果拔群，但我翻遍了后面的章节，也没找到关于为什么这个特定色值（比如Pantone 185C配K100%）能产生那种特定情绪的详尽分析，也没有提到在不同印刷介质上，这种组合的色彩准确性会如何变化。它似乎只是展示了“这是什么”，而不是“这是怎么做到的，为什么它有效”。对于一个希望精进技艺的设计师来说，这种‘好看但空洞’的资料，实在是不够解渴的。我更需要的是那种能让我停下来，拿起色卡反复对比，并理解每种色彩选择背后的历史渊源和文化含义的深度内容。