上海歌谣

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出版者:人民文学出版社
作者:中共上海市委宣传部
出品人:
页数:407
译者:
出版时间:1960
价格:1.90
装帧:
isbn号码:
丛书系列:中国各地歌谣集
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具体描述

《光影流转:二十世纪中国电影的黄金时代》 作者: [此处留空,或填写一个虚构的、符合历史研究风格的作者名,如:陈子明] 出版社: 华夏文史出版社 装帧: 精装,附赠珍贵剧照与导演手稿复刻件 定价: 188.00 元 --- 内容简介 《光影流转:二十世纪中国电影的黄金时代》并非仅仅是一部电影史的罗列,它是一部深入肌理、充满人文关怀的影像社会学研究。本书以时间为轴,深度剖析了自1920年代初中国电影诞生至1980年代末改革开放初期,中国电影艺术、产业、美学思想以及其与社会变迁之间复杂而深刻的互动关系。全书结构严谨,资料翔实,旨在还原那个光影交错、充满探索与挣扎的百年风云。 本书共分为五大部分,超过七十万字,汇集了作者历经三十年考证的档案资料、未曾公开的访谈记录以及大量电影胶片原件比对分析。 第一部:默片时代的勃兴与流派争鸣(1920s – 1930s 初) 这一部分详细梳理了中国电影从无到有、从模仿到自立的艰难历程。重点探讨了上海作为早期电影工业中心的崛起,以及围绕“电影之神”的探索。 明星与制片制度: 深度解析了明星制度如何驱动早期票房,以及联华、天一等大型制片公司的运作模式、资本结构与内部矛盾。我们考察了早期导演如何借鉴好莱坞叙事技巧,并尝试融入本土的戏剧元素。 流派的形成: 聚焦于“左翼电影”与“改良主义电影”之间的美学与政治张力。例如,对张石川、史东山等人的现实主义倾向的细致考察,并对比了《渔光曲》在艺术手法与社会批判上的突破。 技术与审查的萌芽: 首次引入早期电影放映技术的引进过程,以及民国时期政府和地方势力对电影内容审查的早期形态,探讨这些外部压力如何塑造了创作者的表达边界。 第二部:有声时代的到来与左翼的胜利(1930s 中期 – 1937) 有声技术的引入彻底改变了中国电影的面貌。本书浓墨重彩地描绘了这一时期的“黄金十七年”的上半场,特别是左翼电影的鼎盛及其对社会现实的深刻介入。 “电通时代”的美学实验: 深入分析了“电通”影业公司如何吸纳知识分子和进步青年,推动电影从单纯的娱乐走向思想启蒙的工具。重点剖析了蔡楚生、郑君里等人的创作理念,以及他们如何运用蒙太奇手法和非职业演员来增强影片的纪实感。 类型片的成熟: 考察了月份牌、武侠神怪片在市场上的并行发展,分析了这些类型片如何满足了都市观众对逃避现实的需求,以及它们在叙事结构上对后世香港电影的潜在影响。 国语运动的影响: 探讨了上海方言片向标准国语片过渡的产业挑战,以及这对地域性叙事风格带来的冲击与融合。 第三部:抗战烽火中的电影转徙与精神重建(1937 – 1949) 战争的爆发迫使电影工业进行了一次痛苦而壮阔的大迁徙,本书详细记录了这一时期“孤岛时期”的畸形繁荣与后方基地的坚守。 孤岛的文化景观: 分析了沦陷区上海电影业如何在日军的文化控制下,维持着一种扭曲的“存在感”,探讨了“歌舞升平”背后的政治隐喻和美学退化。 重庆的“精神战场”: 重点介绍了中央电影摄影厂(中制)在后方重庆的艰难运营。通过对《中华儿女》《一江春水向东流》等史诗级作品的文本细读,展现了艺术家们如何在资源匮乏、政治审查日趋严格的环境下,试图构建民族统一的文化认同。 战后台湾电影的雏形: 首次将视野扩展至台湾,简要介绍了战后早期台湾电影对大陆遗留技术人员的接纳,以及其在地方文化重塑初期的探索。 第四部:社会主义现实主义的构建与探索(1949 – 1966) 新中国成立后,电影的性质发生了根本性的转变。本书细致对比了“十七年”电影的内部流派差异,并超越了简单的政治定性,探讨了艺术创作的内在张力。 从“学习”到“创新”: 考察了苏联电影理论对中国电影的巨大影响,分析了从集体化拍摄到个人风格化的艰难平衡。重点分析了谢晋、水华等导演如何在既定框架内,通过人物复杂性的挖掘来展现人道主义光辉。 少数民族题材的影像呈现: 专门开辟章节,研究了在反映边疆生活和少数民族风貌的影片中,如何处理“他者”形象的塑造,以及由此产生的文化误读与积极贡献。 技术革新与电影美学: 探讨了彩色宽银幕技术在这一时期的引入尝试,以及电影制片厂体制下,技术部门对整体叙事风格的影响。 第五部:胶片之外的影像记忆(1966 – 1980s 末) 本书的收尾部分,着眼于电影艺术在特殊历史时期的断裂、沉寂,以及随后的强劲复苏。 “文革”时期的影像遗存: 对样板戏电影的舞台化、概念化特征进行了类型学分析,将其视为一种特定历史时期下影像语言的“极端凝固”。 复苏与“伤痕”: 详细描绘了1970年代末“文化断层”的修复过程。通过对“伤痕电影”的深入解读,分析了创作者如何处理集体创伤,以及对个人情感表达的重新渴求。 走向世界与本土回归: 考察了1980年代,以“第五代”为代表的新一代导演如何吸收西方电影理论,并重新“发现”中国乡土,为中国电影的国际化铺平了道路。 --- 本书特点: 1. 档案证据链: 引用了大量来自北京电影资料馆、上海电影博物馆及海外私人收藏的原始剧本修改稿、内部会议记录和税务文件,构建了坚实的论据基础。 2. 跨学科视角: 结合了社会学、城市史、文学理论的研究方法,将电影视为特定社会结构和意识形态的“剖面图”。 3. 人物侧写: 每一章都穿插了对关键制片人、导演、摄影师的深度人物侧写,还原了他们在历史洪流中的抉择与挣扎,使历史不再是冰冷的事件堆砌。 目标读者: 电影专业研究者、中国近现代史爱好者、对二十世纪都市文化感兴趣的读者。 --- (封底推荐语示例)“这是一部极其扎实且富有洞察力的著作。它不仅梳理了中国电影的发展脉络,更以犀利的笔触揭示了镜头背后那段波澜壮阔、充满张力的民族心路历程。—— XXX 教授”

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读后感

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用户评价

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如果要用一个词来概括我的阅读感受,那就是“共振”。这本书的文字结构极为精妙,它不是简单地讲述一个故事,而更像是在搭建一个复杂的结构,让不同的时间线、不同的情感层次在某个特定的点上相互碰撞、相互激发。我特别喜欢作者对“失落”这一主题的处理方式,它不是歇斯底里的控诉,而是一种不动声色的接受,一种带着体面和优雅的告别。这种克制感,反而使得情感的重量被大大加深。阅读过程中,我经常需要停下来,不是因为情节太复杂,而是因为某个句子带来的意象太过丰沛,需要时间去慢慢消化。它没有提供标准化的答案或圆满的结局,而是将选择权和解读空间留给了读者,这让这本书在合上之后,依然能持续在读者的思维里发酵和生长。这是一部需要用心去“品”而不是用眼去“读”的作品。

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这本书的魅力在于它对“声音”的捕捉能力达到了一个令人惊叹的程度。这不是一本侧重宏大叙事的历史书,它更像是一部关于城市声景的百科全书。作者似乎拥有某种天赋,能够将那些几乎被现代生活所湮灭的声音,重新召唤回读者的耳边:可能是黄包车夫的吆喝声,可能是清晨菜场里冰块碎裂的声音,甚至是某个旧式收音机里飘出的咿呀声。通过这些细碎的声响,作者构建了一个立体而有呼吸感的上海。阅读它,我仿佛不只是在“看”故事,更是在“听”故事。这种听觉上的沉浸感,远比单纯的视觉描摹来得更加具有穿透力,它直接作用于读者的感官深处,让人产生一种强烈的“在场感”。它让我开始重新审视,我们究竟遗失了多少属于我们过往生活的重要“背景音”。

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这本书的文字功力着实令人印象深刻。作者在描述那些旧上海的市井生活时,仿佛用画笔而不是文字在描绘,每一个场景、每一个人物的动作神态都栩栩如生。我能清晰地感受到弄堂里熙熙攘攘的人流,闻到空气中弥漫着的食物的香气,甚至能听到邻里间那些带着浓重吴侬软语的交谈声。叙事节奏把握得恰到好处,时而悠长婉转,像老唱片里传出的老歌,带着一丝怀旧的慵懒;时而又陡然紧凑,如同某个关键事件爆发时的紧张感,让人心头一紧。更难得的是,作者对人物心理的刻画细腻入微,即便是路人甲乙,也有其独特的生命纹理和挣扎。这本书并非仅仅是简单地记录历史,它更像是一面镜子,折射出那个特定时代背景下,普通人在命运洪流中的坚韧与无奈。读完合上书本,脑海中挥之不去的,是那些斑驳的砖墙和旧式家具散发出的,带着岁月沉淀的独特气味。

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我通常不喜欢那些过于依赖地域符号堆砌起来的作品,总觉得那显得有些取巧。但这本书处理得非常高明,它将地域性元素融入到叙事肌理之中,让文化符号自然而然地生长出来,而非生硬地粘贴上去。例如,对特定季节里街头小吃的描写,不是简单的罗列,而是融入了人物命运的隐喻。作者通过食物,讲述了阶层的流动、欲望的满足与幻灭。这本书的叙事视角非常独特,它似乎同时站在局外人的冷静观察者和身处其中的亲历者之间,这种双重视角使得文本充满了张力,既有历史的厚重感,又不失鲜活的人情味。它的节奏忽快忽慢,时而像一场疾风骤雨,将人物推向绝境;时而又像夏日午后慵懒的蝉鸣,让人陷入对往昔的沉思。这种叙事的张弛有度,是很多同类作品所欠缺的。

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坦白说,初拿到这本书时,我对它抱持着一丝怀疑,毕竟关于老上海题材的作品已经汗牛充栋,很难再有能让人眼前一亮的作品。然而,这本书却以一种近乎冷峻的克制,避开了所有俗套的煽情桥段,而是选择了一条更注重结构和意象营造的路径。它的语言风格是极其讲究的,有一种老派文人的韵味,用词精准,没有一丝多余的赘述,每一个句子都像精心打磨过的玉石,光滑而有质感。我尤其欣赏作者在处理时间流逝这个问题上的手法,时间并非线性推进,而是以一种回环往复的方式,让过去与现在不断在读者的意识中交叠碰撞。这种叙事上的“不线性”处理,反而更贴合记忆的本质——它往往是片段化、跳跃性的。这本书提供的体验,更像是在一个光线昏暗的旧仓库里,慢慢掀开蒙在珍贵物件上的灰尘,每一次揭开都带来一次微小的震撼。

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