手风琴考级曲集(第4套)

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作者:王从余
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价格:22.0
装帧:其他
isbn号码:9787878075125
丛书系列:
图书标签:
  • 手风琴
  • 考级
  • 乐谱
  • 音乐
  • 器乐
  • 教材
  • 第4套
  • 演奏
  • 练习
  • 技巧
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具体描述

好的,以下是一份关于《手风琴考级曲集(第4套)》之外的其他图书的详细简介,内容力求详实、自然,不包含您指定的曲集内容,并避免AI痕迹。 --- 探寻音乐的广袤疆域:多维度音乐学习与鉴赏指南 本系列图书涵盖了从基础乐理入门、不同乐器演奏技巧、经典音乐史鉴赏到现代音乐理论应用的多个层面,旨在为音乐爱好者、学生及专业人士提供一个全面、深入的学习与参考平台。以下将详细介绍其中几部重量级作品的独特价值与内容架构。 一、《西方音乐史纲:从古希腊到数字时代》 内容精要: 本书是迄今为止对西方音乐发展脉络梳理最为详尽的学术著作之一。它不仅按照时间顺序清晰地勾勒出从古希腊的音乐理论萌芽,经由中世纪的圣咏发展,到文艺复兴时期的复调革命,再到巴洛克时期对和声体系的奠定,直至古典主义的结构严谨、浪漫主义的情感爆发,直至20世纪无调性、序列主义及后现代主义的探索。 核心特色: 1. 跨学科视野: 作者将音乐史置于宏大的社会、哲学和技术背景下考察。例如,探讨了印刷术对音乐传播的影响,以及两次世界大战如何深刻塑造了作曲家的创作思潮。 2. 实例深度分析: 每一重要时期的核心作品(如巴赫的赋格、莫扎特的奏鸣曲、斯特拉文斯基的《春之祭》)均配有详尽的乐谱片段分析,深入剖析其结构、配器和时代意义。 3. 非主流流派的补充: 尤其值得称道的是,本书对19世纪晚期至20世纪初期的民族乐派、印象派以及早期的美国音乐(如拉格泰姆)给予了充分的关注,填补了许多传统教材中的空白。 适用人群: 音乐学院学生、音乐史研究者、希望系统构建西方音乐知识体系的音乐教师。 --- 二、《钢琴演奏的解剖学:触键、呼吸与表达》 内容精要: 这部作品超越了传统钢琴教材中关于指法和音阶练习的范畴,深入探讨了钢琴演奏中人体工程学、生理学与音乐美学相结合的复杂课题。它将钢琴演奏视为一项精密的“身体工程”。 核心章节聚焦: 1. 触键的物理学: 详细分析了手指、手腕、手臂乃至整个躯干在不同力度和触感要求下(如断奏、连奏、颗粒性)的重量传递路径和肌肉激活模式。书中提供了大量高精度人体关节运动图解。 2. 节奏的内在化: 探讨如何将外部的节拍器训练转化为内在的“时间感”和“音乐呼吸”,这部分内容结合了神经科学对时间感知的研究。 3. 高难度曲目的生理准备: 针对李斯特超技练习曲或肖邦练习曲等极具挑战性的作品,书籍提供了针对性的、旨在避免运动损伤的预备性练习方案,强调“高效而非蛮力”的演奏哲学。 创新之处: 书中特别收录了多位世界级钢琴家关于他们个人演奏习惯和身体调整方法的访谈记录,使理论指导更具实践指导价值。 适用人群: 钢琴演奏者(中、高级别)、音乐治疗师、运动康复专家及对演奏生理学感兴趣的人士。 --- 三、《和声与对位基础:从功能和声到十二音体系的过渡》 内容精要: 本书是为学习者构建从巴洛克到浪漫主义时期功能和声体系,并顺利过渡到20世纪现代和声技法而设计的桥梁教材。它不满足于传统的“四部和声”习题,而是更注重和声语言在实际配器中的应用效果。 结构与内容: 1. 功能和声的深化: 详细解析了导音体系、副属和弦的复杂运用,以及调式色彩的渗透,要求学生不仅能“写出”和弦,更能理解其色彩和张力。 2. 对位法的严谨训练: 严格遵循二、三、五种对位法(严格对位)的规则,强调旋律线的独立性和逻辑性,并结合巴赫的《赋格的艺术》进行讲解。 3. 调性瓦解的路径: 篇幅重点讲解了瓦格纳晚期、德彪西和拉威尔如何模糊调性中心,以及勋伯格如何系统地从“自由无调性”发展到“十二音体系”(Dodecaphony)。书中对十二音矩阵的构建和应用有清晰的图示说明。 学习价值: 本书最大的价值在于提供了一套完整的“思维转换”训练,帮助学习者理解为什么音乐会从稳定走向破碎,以及作曲家如何在新规则下重建秩序。 适用人群: 音乐理论专业学生、作曲系学生、需要系统梳理和声知识的指挥专业人士。 --- 四、《管弦乐队配器法:色彩、织体与平衡的艺术》 内容精要: 作为管弦乐配器的权威参考书,本书以极其细致的笔触描绘了现代交响乐队中每一件乐器的物理特性、音色范围、演奏潜力与局限性。 核心内容细分: 1. 木管组的精微区分: 对长笛、双簧管、单簧管及巴松管的各种变体(如降E调单簧管、英国管、低音巴松)在不同音区的功能和情感倾向进行了对比分析。 2. 铜管的爆发力与融合度: 重点分析了圆号的柔和性、小号的穿透力以及长号、大号在低音区的支撑作用。书中提供了大量“如何避免铜管声音过于刺耳”的配器技巧。 3. 弦乐的复调处理: 深入探讨了弦乐组内部的层次划分(例如,如何让第一小提琴的对位旋律清晰地浮现于其他声部之上),以及使用弱音器(Mute)的效果对比。 4. 打击乐的纹理构建: 涵盖了标准打击乐器(定音鼓、大鼓、钹)以及各种特色打击乐器的音色搭配,强调打击乐如何作为“调味剂”而非仅仅是节奏的支撑。 实战导向: 书中穿插了大量改编自马勒、理查·施特劳斯等大师作品的配器案例,清晰展示了从钢琴草稿到完整管弦乐总谱的思维过程。 适用人群: 作曲家、配器师、管弦乐队指挥、电影和游戏音乐制作人。 --- 五、《爵士乐即兴原理:蓝调、和弦进行与模式的逻辑》 内容精要: 本书专注于解析爵士乐的核心要素——即兴演奏背后的理论逻辑。它并非教授“如何弹奏”爵士乐,而是揭示“为什么”某些音符在特定和弦上听起来是“爵士味”的。 理论框架: 1. 蓝调音阶的变体: 系统梳理了从基础蓝调音阶到五声音阶在不同节奏型中的应用,以及如何巧妙运用“蓝调音符”(Blue Notes)。 2. 和弦模式的实际应用: 详细讲解了七个调式(如多利亚、弗里吉亚等)如何在爵士标准曲目(Standards)的复杂和弦进行中(如II-V-I)进行切换和融合。 3. 和弦内音的延伸与替代: 重点分析了9th、11th、13th等延伸音在创造色彩张力中的作用,以及如何使用三全音替代(Tritone Substitution)来增加进行的新鲜感。 实践指导: 全书配有大量的伴奏音轨(提供下载链接),学习者可以立即在实际的节奏背景下练习所学的模式和音阶,将理论知识转化为听觉和指端的流畅表达。 适用人群: 所有爵士乐器演奏者(萨克斯、钢琴、贝斯、鼓等)、音乐理论自学者、希望拓宽创作视野的音乐人。 --- 通过以上五部著作的组合,读者可以构建一个跨越古典、现代、爵士等多个领域的、全面且深入的音乐知识体系。

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我最近入手了这本《高效能人士的时间管理法则》,本意是想寻找一套能在快节奏的工作环境中帮助我优化精力的实用工具箱,结果发现它更像是一本心灵鸡汤的“豪华精装版”。全书充满了各种励志口号和成功学导师的语录,比如“早上五点钟,拥抱你的潜力”、“拒绝拖延,从此刻开始改变”,读起来激情澎湃,让人热血沸腾,但一旦合上书本,回到实际操作层面,我完全不知道该如何将这些宏大的目标分解成可执行的步骤。书中提到的“番茄工作法”和“艾森豪威尔矩阵”等方法论,仅仅是草草带过,没有提供任何针对不同职业人群的定制化模板或工具推荐,更别提如何处理突发事件和跨部门协作中的时间冲突了。我尝试按照书中的“每日回顾”练习了一下,结果发现回顾本身就占据了我大量本该用于工作的时间,形成了一种新的内耗。这本书在理论构建上缺乏坚实的实证基础,更像是一种基于个人经验的、不具备普适性的“感觉良好”指南,对于真正需要系统化时间管理解决方案的职场人士来说,帮助甚微。

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我花大价钱买的这本《高级色彩理论与应用解析》,说实话,除了那几张稍微清晰点的插图外,其余内容简直是东拼西凑,逻辑混乱得让人抓狂。作者似乎想把所有关于色彩的知识点一股脑地塞进这本不到两百页的书里,结果就是每一章节都讲得浅尝辄止,缺乏深入的剖析和系统的递进。比如,在讲到“互补色在设计中的视觉冲击力”这一节时,他仅仅罗列了几组颜色,却完全没有深入探讨人眼对不同波长光线的生理反应机制,更不用说结合最新的数字媒体显示技术来分析应用场景了。我本来是想通过这本书掌握如何科学地调配出既有冲击力又不伤眼睛的色板,结果读完后,我发现自己对色彩的理解还停留在小学美术课的水平,甚至还不如网上那些免费的教程来得直观有效。最让我不能忍受的是,书中的术语定义前后矛盾,一会儿用的是CIE标准,一会儿又莫名其妙地跳到Pantone色号,完全没有给出明确的界限说明,使得我在尝试复现书中的案例时,屡屡因为色差而失败。这哪里是解析,分明是“困惑制造机”!希望未来的版本,能在内容组织和专业严谨性上有所提升,否则这书放在书架上,也只能充当压书砖的角色了。

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我对《古代哲学家的智慧:从苏格拉底到斯多葛学派》这本书的阅读体验,可以用“意犹未尽”来形容,但这里的“意犹未尽”不是赞美,而是指其内容的跳跃性和不连贯性。作者似乎急于在有限的篇幅内涵盖从古希腊城邦初期到罗马帝国晚期的主要思想流派,结果就是每一位哲人的核心思想都只触及了最表面的一层皮毛。例如,在介绍柏拉图的“洞穴寓言”时,作者只是简单地复述了故事梗概,却完全没有深入探讨“理念世界”与“现象世界”之间的本体论区别,更没有对比他在《理想国》中对政治哲学的设想。而到了斯多葛学派的部分,作者又像是急着赶时间一样,将“克制欲望”和“顺应自然”的观点囫囵吞枣地混在一起,完全没有区分塞涅卡和爱比克泰特在实践应用上的细微差别。我希望看到的是一场深入的、有理有据的哲学对话,而不是一串串被割裂的历史名词的罗列。读完后,我感觉自己像是游览了一个摆满了珍贵文物但都没有任何说明牌的博物馆,虽然看到了“好东西”,却不知道它们真正的价值和彼此的关联所在,非常遗憾。

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这本号称是“21世纪音乐启蒙”的教材,我真是要好好说道说道了。拿到书的时候,首先映入眼帘的就是那设计得略显老气的封面,色彩搭配怎么看都像是上个世纪八十年代的产物,一点也提不起我作为一个现代学习者想去翻阅的欲望。更别提里面的排版了,字体大小不一,行距也像是随意调整的,有些地方留白过多,有些地方又挤得让人喘不过气。我本来是想找一套系统、美观的教材来指导我孩子的钢琴学习,结果这本《音乐之旅:基础乐理与视唱练唱入门》简直是灾难。里面的例题设计得过于陈旧,举的例子都是些我孩子完全不熟悉的古典小品,缺乏现代流行音乐的元素,导致孩子在学习基础节奏型时兴趣索然,几次差点想直接把书扔到一边。翻到后面的和声练习部分,更是让人头大,那些和弦进行生硬又刻板,完全没有考虑到初学者对旋律流畅性的要求,读起来就像是机器生成的代码,毫无音乐的灵动之感。如果出版社不能在视觉呈现和内容贴近时代性上多下点功夫,恐怕再好的知识点也会被这糟糕的包装所埋没。我期待的,是一本能激发学习热情的伙伴,而不是一本让人望而生畏的“大部头”。

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对于《世界著名建筑赏析:从哥特到解构主义》这本书的体验,简直是一场令人沮丧的“云旅游”。我购买它的初衷,是希望能够通过专业的图文解读,深入了解不同历史时期建筑风格背后的文化内涵和社会背景。然而,这本书给我的感觉是,它更像是一本没有配地图的旅游指南,所有信息都浮于表面。以对巴塞罗那圣家族大教堂的介绍为例,书中用了大量的篇幅去描述高迪的设计理念,这一点是好的,但对于支撑这些宏伟结构的工程学难点,比如拱顶的受力分析、复杂曲面的模板制作等关键技术,却一笔带过,仿佛这些只是顺带发生的“小插曲”。我需要的是那种能让我感受到工程师与建筑师智慧交锋的细节描述,而不是仅仅停留在“很美”、“很独特”的形容词堆砌上。此外,书中收录的大部分建筑照片,清晰度低得令人发指,很多细节纹理根本看不清楚,这对于一本“赏析”类的书籍来说,简直是不可原谅的失误。我宁愿少看几个不相干的建筑例子,也要多一些关于结构和材料的深度剖析,否则这本书的价值真的大打折扣了。

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