British Cinema of the 1950s

出版者:Oxford University Press, USA

作者:Sue Harper

页数:440

出版时间:2007-12-15

价格:USD 60.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780198159353

具体描述

In this definitive and long-awaited history of 1950s British cinema, Sue Harper and Vincent Porter draw extensively on previously unknown archive material to chart the growing rejection of post-war deference by both film-makers and cinema audiences. Competition from television and successive changes in government policy all forced the production industry to become more market-sensitive. The films produced by Rank and Ealing, many of which harked back to wartime structures of feeling, were challenged by those backed by Anglo-Amalgamated and Hammer. The latter knew how to address the rebellious feelings and growing sexual discontents of a new generation of consumers. Even the British Board of Film Censors had to adopt a more liberal attitude. The collapse of the studio system also meant that the screenwriters and the art directors had to cede creative control to a new generation of independent producers and film directors. Harper and Porter explore the effects of these social, cultural, industrial, and economic changes on 1950s British cinema.

用户评价

这部关于1950年代英国电影的著作，简直是为我这种痴迷于战后社会变迁和银幕上微妙转折的影迷量身定做的。我一直好奇，在那个紧缩的年代，英国电影如何既保持其本土的幽默感，又开始悄然触碰那些更深层次的社会焦虑。这本书的魅力在于它没有仅仅停留在对那些老牌大制作的复述上，而是深入挖掘了那些独立制作和那些试图打破传统戏剧模式的先锋声音。我特别欣赏作者对彩色技术引进初期，英国电影界那种既兴奋又保守的复杂心态的描摹。他们是如何在预算的限制下，试图模仿好莱坞的光鲜亮丽，却又不得不回归到那些熟悉的、带着泥土芬芳的乡村或战后重建的城市景观中去的？书中对几位关键导演——那些在阴影中工作、作品鲜少被主流评论提及的匠人——的深入剖析，让我对那个时期的艺术生态有了全新的认识。他们如何在审查制度的边缘试探，如何在有限的银幕空间内，暗示着阶级流动性的松动和女性角色日益增长的自我意识？这本书不仅仅是历史回顾，更像是一次对被遗忘的电影灵魂的考古发掘，每一个章节都像打开了一个尘封的胶卷盒，散发出那个时代特有的，混合着烟草、潮湿和希望的气味。我几乎能想象出，在那些阴冷的摄制棚里，灯光师是如何调整灯光，试图在黑白画面中榨取出最丰富的情感层次。

这本书的编辑和排版风格也值得称赞，它完美地平衡了学术的严谨性和读者的阅读愉悦感。章节之间的过渡自然流畅，没有那种生硬的“承上启下”的痕迹，仿佛是一个经验丰富的向导，带着你走过一条精心规划的艺术长廊。我尤其欣赏其中对电影摄影风格的演变所做的详细图解分析，那些关于景深、光线对比、以及镜头运动的描述，都配上了清晰的视觉参考，极大地帮助了我这个非科班出身的读者去理解那些美学选择背后的意图。更重要的是，这本书避免了将1950年代的英国电影置于“好莱坞的影子下”进行批判的窠臼。相反，它有力地论证了这一时期英国电影的独特价值和国际影响力——那种特有的、略带忧郁的浪漫主义和对日常生活的敏锐捕捉，是如何在欧洲乃至世界影坛上独树一帜的。它让我对“本土性”在电影艺术中的力量有了全新的认识。阅读体验非常出色，我甚至能感觉到作者那种对这段电影史的热忱和敬意，这种真诚是任何公式化的写作都无法模仿的。

坦率地说，我原本对1950年代的英国电影抱有一种刻板印象，认为那是一个保守的、有点沉闷的时期，被好莱坞的巨片光芒所掩盖。然而，这本书彻底颠覆了我的看法，它犹如一把手术刀，精准地切开了那个看似平静的表象，露出了底下涌动的暗流。最让我震撼的是，作者对于社会议题的探讨是多么的勇敢和隐晦。在那个时期，直接的政治批判几乎是不可能的，但书里展示了那些聪明的导演是如何利用喜剧的外壳、浪漫的桥段，甚至是一些超现实的元素，来表达对僵化的社会结构、对过时的殖民心态以及对战后重建带来的精神空虚的不满。比如，书中分析的几部讽刺喜剧，其辛辣程度即便放在今天来看也毫不逊色。这种“隔靴搔痒”式的批判，反而因为其高超的艺术手法而更具穿透力。我感觉自己不是在读一本电影史，而是在阅读一份秘密的历史档案，里面记录了那个时代知识分子和艺术家们如何在夹缝中寻求表达出口的艰难历程。这本书的深度在于，它将电影艺术提升到了社会学和心理学的层面进行考察，让我对“时代精神”有了更深刻的理解。

我拿到这书时，最大的担忧是它会不会变成一本枯燥的学术论文集，充斥着晦涩的电影理论术语，把我引入一个只有电影史学家才懂的迷宫。谢天谢地，这本书的行文流畅得像一部叙事性极强的纪录片。它通过对几部标志性影片幕后故事的细致还原，成功地将冰冷的年代数据和创作背后的热忱鲜活地呈现在我面前。例如，书中关于如何处理“新现实主义”在英国语境下的本土化问题那段论述，简直是神来之笔。它没有简单地套用意大利的模式，而是展示了英国电影人如何将镜头对准那些刚刚经历配给制后的普通家庭，那些在街角咖啡馆里低声交谈的退伍军人。作者对于服装、布景，乃至演员的表演风格如何反映出那个时代人们普遍存在的克制与压抑的心理状态，分析得入木三分。我尤其喜欢其中对配乐和音效使用的对比研究，这部分让我意识到，声音设计在那个时代是如何被用作一种微妙的心理暗示工具的。读完后，我立刻重温了几部经典老片，带着全新的视角去捕捉那些以前从未注意到的细节，那些关于时代情绪的细微涟漪。这本书真正做到的，是让我重新“听见”和“看见”了那个十年的电影。

对于一个对电影工业运作流程感兴趣的读者来说，这本书的价值简直是无可估量的。它并非仅仅关注银幕上呈现的内容，更是将聚光灯打在了制片厂的运作、工会的博弈、以及资金链的紧张关系上。作者对几家主要制片公司，如Ealing Studios，在那个十年中的战略转变进行了详尽的梳理。他们是如何在市场压力下，从制作那些广受赞誉的“Ealing Comedies”转向更迎合大众口味的类型片，这种商业考量与艺术追求之间的永恒拉锯战，被描述得淋漓尽致。我尤其关注了书中关于技术工人（灯光师、剪辑师、录音师）在电影美学形成过程中所扮演角色的描述。这些幕后的英雄，如何在有限的资源和严格的工时下，创造出具有影响力的视觉效果，这比看那些明星的传记有趣多了。这本书提供了一种自下而上的视角，让我看到了一个庞大工业机器是如何艰难地维持运转，以及那些个体才华如何在体系的挤压下挣扎求存。它让我意识到，一部电影的诞生，是无数次妥协、坚持和幕后角力的结果。