Creating 3-D Animation

出版者:Harry N. Abrams

作者:Peter Lord

页数:192

出版时间:1998-10-15

价格:CAD 39.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780810919969

具体描述

What do Wallace and Gromit, Godzilla, and Gumby have in common? They're all examples of 3-D animation. From Aardman Studios in Bristol. England, winners of three Academy Awards, comes the most thorough book on the subject, and the first to include complete instructions for making a 3-D animated film.Aardman is one of the foremost 3-D animation studios in the world, acclaimed for its short films, TV series and commercials. The studio has created a host of well-known characters, the most famous being Nick Park's Wallace and Gromit. But the history of 3-D animation spans Hollywood triumphs as the 1933 King Kong, 1991's Terminator II, and 1993's The Nightmare Before Christmas, and includes such creatures as the California Raisins.The main focus of this exciting book is a guide to the processes of 3-D animation, culminating in a practical, fully illustrated step-by-step description of how to create effective characters and sets, and make an entire film. There is no ocher book that provides this same information in such detail, making it possible for everyone to create their own 3-D animated classic.

用户评价

真正让我觉得“物超所值”的，是书中对“叙事驱动的动画制作流程”的探讨。许多书籍关注的是如何让你的模型看起来更逼真，但这本书却将焦点放在了“如何让你的动画讲述一个动人的故事”。作者用相当大的篇幅深入分析了几个经典动画短片的幕后制作，着重剖析了动画师如何在“关键帧”的选择上体现角色的内心挣扎或情绪转变。例如，在描述一个角色从惶恐到坚定的瞬间，作者详细对比了两个不同帧率下，手臂抬起的轨迹差异所带来的心理暗示。这已经超越了单纯的技术指导，简直是一本关于“运动心理学”的入门读物。我以前总觉得动画的魅力在于视觉冲击力，但这本书让我明白，真正的力量来源于精确控制的“节奏感”和“意图性”。它教会我如何用镜头语言和角色动作的细微变化去和观众进行无声的对话，这对于任何想把自己的作品提升到艺术层面的人来说，都是极其宝贵的洞见。

这本书的排版设计本身就是一种艺术表达，这点很少有技术书籍能够做到。从纸张的触感，到墨水的色泽，再到内页布局的留白处理，无不透露出一种对阅读体验的尊重。它没有采用那种压榨版面、恨不得把所有内容都塞进一页的廉价做法，而是大刀阔斧地留出了大量的空间，让重要的插图和图表能够充分“呼吸”。那些用以展示复杂模型拓扑结构和材质分解的示意图，简直精美绝伦，每一个箭头、每一个颜色编码，都经过了深思熟虑，仿佛是独立的作品。对我而言，视觉信息的有效传达至关重要，而这本书在这方面做到了极致。当涉及到复杂的光线追踪原理时，以往的书籍往往会用密密麻麻的公式让我望而却步，但这本书巧妙地使用了一系列分层、叠加的透视图来解释光线如何在不同介质中折射和反射，让原本抽象的物理现象变得直观可感。它让我意识到，好的教学，首先需要有好的呈现方式，这本书在形式美学上给自己设立了一个极高的标杆。

这本书简直是本“时间黑洞”，我一头扎进去就仿佛被卷入了另一个时空维度。说实话，刚拿到手的时候，我还有点抱着怀疑的态度，毕竟市面上关于“3D动画”的书籍汗牛充栋，真正能让人眼前一亮的少之又少。然而，这本书的开篇就展现出一种别具匠心的叙事风格，它没有直接抛出枯燥的技术术语，而是用一种近乎于散文诗的笔调，描绘了光影在三维空间中如何被捕获、被塑造，以及最终如何唤醒一个静止的模型。作者的文字功底深厚得令人咋舌，读起来完全没有传统技术手册的那种干涩感，更像是在听一位资深艺术家在分享他多年来与数字雕塑共舞的心路历程。我特别欣赏它对“动态捕捉”那一章节的深度挖掘，它不仅仅是讲解了设备原理，更着重探讨了表演者在虚拟空间中如何保持“真实感”的微妙平衡。那种对细节的极致打磨，对我这种追求完美主义的读者来说，简直是福音。我甚至好几次忍不住停下来，对着屏幕上的某个渲染效果出神良久，思考着作者是如何在这些复杂的数学模型和算法背后，注入如此丰富的情感和生命力的。这本书的价值，绝不仅仅在于传授技能，更在于它重塑了你对“三维”这个概念的认知边界。

我必须承认，我的技术背景相对薄弱，很多复杂的计算机图形学原理对我来说犹如天书。起初我担心这本书会很快把我甩下车，让我陷入那种“看来看不懂，扔了可惜”的尴尬境地。但令我惊喜的是，它在解释那些晦涩难懂的概念时，运用了大量极其生动的类比。比如，它将“法线贴图”的生成过程，比作是给一个光滑的石头表面手工雕刻出微小的纹理细节，从而欺骗人眼，让它看起来粗糙而富有层次感。这种将抽象技术具象化的能力，是这本书最强大的武器之一。我尤其欣赏作者对“渲染管线”的拆解，他没有采取那种传统的自上而下的流程介绍，而是仿佛在带领读者进行一次深入的“工厂探秘”，从几何体的准备阶段，到光照的计算，再到最终像素的输出，每一步骤的逻辑都清晰可见，脉络分明。更重要的是，他总是在关键的技术节点处，插入一些历史典故或者行业轶事，这使得整个阅读过程充满了知识的趣味性和历史的厚重感，而不是纯粹的工具书的冰冷。读完这一部分，我感觉自己像是站在了一个复杂的机械迷宫的中央，但现在，我手中拿着那张精确的、标注清晰的地图。

这本书的后半部分，开始探讨一些前沿和跨学科的思考，这让我对它刮目相看。它没有止步于传统的影视动画制作流程，而是大胆地将领域延伸到了虚拟现实（VR）环境下的沉浸式叙事以及实时渲染技术的伦理考量。其中有一章专门讨论了“数字人”在面部表情细节上的“恐怖谷”效应，以及如何通过调整次表面散射（SSS）模型的参数来微妙地跨越那条心理防线。作者的视野非常开阔，他不仅罗列了现有技术，更提出了许多尚未解决的、激发思考的问题，邀请读者参与到对未来动画形态的探索中去。这不仅仅是一本“操作指南”，它更像是一个充满智慧的“导师”，在你学会了如何搭建起虚拟世界的砖瓦之后，引导你去思考：我们为什么要建造这个世界？我们希望它带给人们怎样的体验？这种深层次的思辨性，使得这本书的生命力远超出版日期，它会随着技术的发展而不断地被赋予新的解读和价值。