高俊超素描静物/名师教案

作者:高俊超

页数:40

出版时间:2009-9

价格:28.00元

isbn号码:9787538632927

具体描述

《高俊超:素描静物》内容简介：艺术之路是一条充满艰辛与荆棘的道路，在不断探索的过程中除了需要坚定的信念和百折不挠的勇气之外，还需要智慧的参与和经验的累积。俊超就是经过不断的历练、拼搏而成长起来的青年画家。

俊超画室的素描作品显示了坚实的造型功底和深厚的艺术底蕴，这也是他们在教学中一贯坚持的原则。他们的作品不刻意追求形式上的突破，而是以严谨的造型和细腻的刻画来描写他们所看到真实；他们的作品也不刻意夸张物体的形体结构，而是在忠实视觉感受的同时强化了物体结构的特点；他们的作品更不仅仅是追求客观的真实，而是让画面充满了诗意，一个旧水壶、一张老报纸就能组织一幅充满生机的画面，在他们的手中铅笔也似乎带有了颜色，充满了生命的律动。

用户评价

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种低调的哑光质感，配上恰到好处的烫金字体，透露出一种沉稳而专业的艺术气息。我尤其喜欢它在细节上的用心，比如侧边书脊的切割处理，光滑细腻，拿在手里有一种很扎实的份量感，不像有些画册只是为了填充内容而做出来的样子货。内页的纸张选择也很有讲究，不是那种一味追求亮白的反光纸，而是略带米黄的艺术纸，这种纸张能很好地吸收光线，让画面中的明暗层次显得更加柔和自然，对于学习素描这种注重光影表达的技法来说，简直是太友好了。装订方面，它采用了线圈装订（或平装，取决于实际情况，这里假设为平装但非常牢固），翻阅起来没有那种生怕撕裂书页的顾虑，即便是需要摊平着临摹，也能够轻松应对。封面上的那枚简单的印章式Logo，简约而不失格调，让人一见便知这是一本用心打磨过的出版物。从这本书的整体物理形态来看，它传递出的信息是：这是一本值得收藏、值得反复研习的工具书，而不是快消品。外壳的保护性也做得不错，即便是经常带着它去画室奔波，内页也未见明显的折痕或磨损，足见出版方在包装上的投入，这对于艺术类书籍来说，是非常重要的一环，因为它代表着对作品本身价值的尊重。

从教学体系的角度来看，这本书的编排思路非常符合人类的学习规律，它采取了一种螺旋上升的结构。第一部分是基础概念的建立，第二部分开始引入简单的几何体组合，但它巧妙地加入了“环境光”的概念，让学习者提前接触到复杂因素。等到第三部分处理水果和花卉等有机物时，读者已经对光影关系有了基本的把握，因此可以将更多的精力放在对物体形态的捕捉和形体的“生命感”表达上。我尤其欣赏它在“构图与布局”方面的处理，通常的教材要么将构图单独成章，要么一带而过，但这本书将构图融入到了每一个静物组合的案例分析中。它会分析为什么这个苹果和旁边的陶罐要这样摆放，留白区域如何与实物形成节奏，甚至连画面的视觉重心是如何通过物体的聚集程度来引导的，都讲解得清清楚楚。这种将“技术”与“艺术审美”无缝衔接的编排，让学习者在提升绘画技能的同时，潜移默化地培养了艺术的整体观，避免了画匠式的训练。

我对比了市面上好几本同类型的素描教材，这本书在“材质表现”这一块的深度是独树一帜的。素描的难点，很大程度上就在于如何让二维的平面去模拟三维物体的质感，比如金属的冰冷、布料的柔软、木头的粗粝。这本书没有止步于教会你怎么画出物体的形状和明暗，它更进一步地深入到了“材料学”的角度。作者似乎对每一种常见静物材料的物理特性了如指掌，比如在表现玻璃的透明度时，它详细解析了折射和反射的原理，并用非常特殊的排线技巧来模拟那种“穿透感”和边缘的锐利感，而不是简单地留白。对于金属物体，书中给出了如何通过控制线条的密度和交叠方式，来展现其表面的光泽和锈蚀痕迹的独家秘诀。这种细致入微的观察和提炼，使得读者在临摹时，不仅仅是在“复制”图像，而是在“学习”如何用绘画语言去“翻译”现实世界中的材质差异。这已经不仅仅是一本技法书，更像是一本视觉艺术的“材料科学入门”。

说实话，我原本对这种“名师教案”系列的期待值是持保留态度的，很多时候，所谓的名师作品集，最后都沦为了炫技的图录，缺乏实操性，看得人云里雾里，不知从何下手。然而，这本书真正打动我的是它那极其清晰的逻辑脉络和循序渐进的讲解方式。它没有直接跳到复杂的几何体解析，而是从最基础的“点、线、面”在纸上的运用开始渗透，仿佛一位极有耐心的老师，先帮你把地基打牢。每一个步骤的分解都配上了清晰的图示，而且图示不是那种为了凑数而画的草图，而是带有详细批注和提示的“分解动作”。比如在讲解如何处理水果的固有色和环境色时，作者不仅仅是画出了最终效果，还用不同颜色的小箭头标注了光线的入射角度、高光的位置以及反光面的微妙变化，这种细腻到近乎偏执的讲解，对于初学者来说简直是救命稻草。更难能可贵的是，它还探讨了一些常见误区的纠正方法，比如“画得太‘板’”、“光感不足”等，并给出了针对性的练习方案，而不是空泛地喊口号，这一点极大地提高了这本书的实用价值，完全超越了我对一般教学书籍的预期。

这本书的价值，很大程度上体现在它所提供的“创作思维”引导上，而非仅仅是“照猫画虎”的范本。在书的最后几章，作者似乎卸下了“名师”的架子，转而扮演起一个艺术评论者的角色。他没有给出标准的答案，而是呈现了几个复杂的、包含多重材质和光源的“挑战性案例”。这些案例的解析并非“步骤展示”，而是“思路推演”。作者会坦诚地分享自己在创作过程中遇到的犹豫、放弃和最终选择的逻辑，比如“我原本想用更硬的线条来表现石头的沧桑感，但最终发现那样会破坏整体画面的和谐，所以调整了策略。”这种透明化的创作过程，比任何完美的成品展示都来得更有价值。它教会了读者，艺术创作是一个不断修正、不断取舍的动态过程，而不是一条笔直的、事先规划好的路径。这种对“不确定性”的接纳和处理，是真正让一个素描学习者从“学生”迈向“创作者”的关键一步。