Feminist Theatre Practice

作者:Aston, Elaine

页数:232

出版时间:1999-7

价格:$ 148.03

isbn号码:9780415139243

具体描述

Feminist Theatre Practice: A Handbook is a helpful, practical guide to theatre-making which explores the different ways of representing gender. Best-selling author, Elaine Aston, takes the reader through the various stages of making feminist theatre- from warming up, through workshopped exploration, to performance - this volume is organised into three clear and instructive parts: * Women in the Workshop * Dramatic Texts, Feminist Contexts * Gender and Devising Projects. Orientated around the classroom/workshop, Handbook of Feminist Theatre Practice encompasses the main elements of feminist theatre, both practical or theoretical.

用户评价

对于我们这个跨学科的表演研究小组来说，我们最初对这本书的期望是，它能提供一套严谨的、可供量化的评估框架，用以衡量特定戏剧作品在促进性别平等对话方面的有效性。我们的小组致力于将社会学研究方法引入艺术创作，因此，我们非常看重那些能够帮助我们系统地分析观众反应、并解析舞台上权力动态的工具。这本书虽然充满了对“解放性空间”的激情描述，但却极少涉及如何“测量”这种解放的发生。它似乎更偏向于一种内省式的、主观体验的记录，而不是一种可供检验和讨论的方法论体系。例如，书中对于“观众参与”的讨论，更多是停留在理论上鼓吹打破舞台/观众的界限，却几乎没有提到，在实际操作中，如何设计互动环节既能保证参与者的安全感和表达欲，又能避免陷入表演性的“政治正确”陷阱。我们更希望能看到关于风险管理、伦理边界设置，以及如何将这些实践结果转化为可供学术发表的数据报告的章节。总而言之，它在哲学层面很有启发性，但在方法论层面，它留下了巨大的空白，让我们不得不重新从其他学科（如行动研究或参与式观察）中寻找支撑。

我花了整整一个周末，试图从这本书中挖掘出一些可以立即应用于我正在筹备的社区剧场项目中的东西，那个项目旨在探讨本地移民女性的身份认同困境。我非常渴望看到书中能详细阐述一些非线性叙事在集体创作中的具体运用技巧，比如如何设计一种能够让所有参与者共同“生成”意义，而非仅仅是“诠释”既有剧本的排练流程。我期待它能提供关于如何处理不同语言背景的演员之间沟通障碍的实用策略，或者如何在视觉设计上打破西方中心主义的审美惯例。但这本书的重点似乎完全落在了对剧场历史脉络的批判性梳理上，它对早期的女性主义先驱（比如卡罗琳·格里格斯或玛丽亚·伊雷内·福尔克斯）的介绍，停留在一种高度概括的层面，缺乏对她们具体实践细节的深入挖掘。更让我感到遗憾的是，书中关于技术与剧场的结合，或者在数字时代如何运用新的媒介拓展女性主义剧场边界的讨论，几乎是空白。这让我感觉这本书在时间上滞后了，它似乎停留在对上世纪八九十年代剧场革命的总结与反思中，而对当下我们面临的，由社交媒体和全球化带来的新的表演形式的挑战，鲜有提及。它固然有学术价值，但对于一个迫切需要面向未来的实践者来说，它提供的视角略显陈旧。

这本关于女性主义戏剧实践的书籍，简直是为我这种刚踏入戏剧界，却对传统舞台叙事感到困惑的实践者量身定做的指南。我记得我当初拿到这本书时，满心期待能看到一些颠覆性的排练方法，关于如何真正将文本解构，并让那些长期被边缘化的声音——尤其是那些非白人女性和跨性别者的声音——在舞台上获得实质性的“在场感”，而不仅仅是作为符号存在。然而，当我翻开前几章时，我发现它更像是一本偏向理论建构的学术著作，大量引用了后结构主义和酷儿理论的晦涩概念，仿佛作者认为读者已经完全掌握了批判性理论的基础，可以直接跳入高阶辩证。我原本希望能看到大量的案例研究，具体的排练日志，甚至是失败的尝试记录，来帮助我理解那些宏大的理论概念是如何在排练室的泥泞中运作的。书中对诸如“身体政治”和“空间规训”的探讨固然深刻，但对于一个急需具体工具来应对剧团日常冲突和文本选择困境的人来说，它提供的帮助是抽象而遥远的。我感觉自己像是在阅读一本关于如何建造高精度机械的蓝图，但却没有提供扳手和螺丝刀。最终，我不得不把这本书放在一边，转而寻找更注重行动导向的剧场实践手册，这本书，坦白说，更适合在理论研讨会上进行辩论，而不是在排练场上指导实践。

我对戏剧的兴趣点在于它作为一种社会动员工具的可能性，特别是如何通过快闪（Flash Mob）剧场或公共空间干预来挑战现有的权力结构。我本以为这本书会浓墨重彩地介绍如何在公共领域进行“去中心化”的表演，如何利用突发性和不可预测性来震撼麻木的公众意识。我期待看到关于如何规避城市管理和法律限制的实用建议，以及如何设计能够迅速传播并引发线上讨论的视觉符号。然而，这本书的内容几乎完全聚焦于“黑箱剧场”内部的身体训练、空间调度和文本分析。它仿佛生活在一个完全受控的、受保护的艺术空间里，对于剧场如何“走出去”与现实世界发生直接碰撞，它表现得极其谨慎，甚至可以说是保守。书中对“颠覆性”的理解，似乎也仅限于在舞台灯光下对既有话语的重新排列组合，而缺乏将这种颠覆延伸至真实生活场景的勇气和方法。读完后，我感觉自己收获了一堆精美的舞台道具，却没有得到将这些道具带到街头巷尾的勇气和路线图，这对于我所追求的行动主义美学来说，无疑是一种美中不足。

拿到这本书后，我立刻被它那充满激情的导言所吸引，它承诺要揭示那些被主流戏剧史遗忘的女性艺术家的声音。我一直深信，真正的戏剧革新来自于对“边缘”实践的挖掘和再现。然而，当我深入阅读后，发现这本书在处理“边缘”概念时，自身却陷入了某种“中心化”的陷阱。它似乎将重点过多地放在了少数几个被学界认可的西方女性主义戏剧家身上，对于那些在地方、少数族裔或特定文化背景下独立运作的、缺乏学术发表渠道的剧团的实践，几乎没有涉及。我的兴趣点在于东南亚地区的母系社会在仪式剧场中的性别表达，我希望能找到哪怕是一丁点关于非西方表演传统的比较研究，或者至少是关于如何将这些迥异的文化背景融入到当代女性主义戏剧框架中的具体探讨。这本书的视野似乎过于局限于特定的知识分子圈层内部，它在批判主流时，不经意间也建立了自己的小圈子标准。它更像是一份内部文件，而非一份面向全球戏剧实践的宣言，因此，对于我们这些试图在不同文化土壤中播撒女性主义种子的人来说，这本书的土壤条件并不适用。