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出版者:Armand Colin

作者:Luc Vancheri

出品人:

頁數:188

译者:

出版時間:2007-10-24

價格:EUR 22.80

裝幀:Broché

isbn號碼:9782200352844

叢書系列:

圖書標籤:

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《濛太奇的詩學：光影與筆觸的交響》 一部深入探索視覺藝術深層對話的恢弘著作 本書旨在揭示一個長期被忽視的藝術領域：電影的敘事結構與繪畫的視覺語言之間復雜而迷人的相互滲透與對話。我們並非簡單地羅列“某部電影的布景像某幅畫作”，而是深入探究兩者在美學原則、心理影響以及時間性處理上的本質共通之處。通過對曆史流派、特定藝術傢的創作手法以及新興技術影響的細緻梳理，本書構建瞭一套全新的框架，用以理解光綫、構圖、色彩和運動如何跨越媒介，共同塑造人類的感知體驗。 --- 第一部分：視覺語言的共同起源與基礎 第一章：透視法的革命：從文藝復興到銀幕深景 本章追溯瞭單點透視法在文藝復興時期如何重塑瞭人類觀看世界的方式，並分析瞭其如何在早期電影製作中被繼承和顛覆。我們考察瞭畫傢如皮耶羅·德拉·弗朗切斯卡如何通過數學精確地構建空間，並將其與梅裏愛（Georges Méliès）的早期布景設計、以及後來的深焦鏡頭（如奧遜·威爾斯在《公民凱恩》中的運用）進行對比。重點在於討論，當透視從固定畫布轉嚮流動的銀幕時，它如何從一個固定的“觀看窗口”轉變為一種引導觀眾情緒和注意力的動態工具。我們還將探討安德烈·巴贊對“層次感”的推崇，如何與古典主義繪畫中對前景、中景、背景的精心安排遙相呼應。 第二章：光與影的雕塑：卡拉瓦喬的“明暗對照法”與電影照明的心理學 光綫是連接繪畫與電影最直接的紐帶。本章聚焦於十七世紀巴洛剋大師卡拉瓦喬（Caravaggio）及其對“明暗對比法”（Chiaroscuro）的極緻運用。我們分析瞭光綫在畫作中如何不僅僅是照明工具，更是敘事和戲劇衝突的載體。隨後，我們將這一概念延伸至電影照明技術，特彆是黑色電影（Film Noir）的誕生。探討瞭攝影指導如何模仿“油畫質感”的光綫，例如使用硬光和強烈的陰影來暗示角色的道德模糊性或內心世界的壓抑。通過對特定場景的詳細燈光圖譜分析，本書展示瞭從一塊畫布到一幀膠片的物理轉換與精神延續。 第三章：色彩的交響：印象派的瞬間與電影的色調調性（Tonalité） 色彩理論在兩個領域都扮演著核心角色。本章將對比分析印象派（Impressionism）對光綫瞬間變化的捕捉，如莫奈筆下對空氣感和反射光的癡迷，與電影“色彩調性”（Tonalité/Color Grading）的發展曆程。我們考察瞭早期電影的單色調（如棕褐色調和藍色調）如何承擔瞭早期對情緒的暗示功能，並詳細分析瞭特呂弗的《黑小姐》或庫布裏剋《巴裏·林登》中，對特定曆史時期或情感氛圍的色彩重構。討論的重點在於：色彩如何被用作非語言敘事手段，同步影響觀眾對時間和地點的感知。 --- 第二部分：構圖與運動的跨媒介語匯 第四章：構圖的張力：黃金分割與非對稱的平衡 構圖是引導目光的無形之手。本章深入研究瞭繪畫中“黃金分割”、“三分法”等經典構圖法則，以及它們在不同電影流派中的體現。我們對比瞭意大利文藝復興的穩定、對稱的構圖（如拉斐爾）與日本浮世繪中那種大膽的對角綫和留白（Ma）對現代電影畫麵的影響。尤其關注俄國濛太奇學派如愛森斯坦，他們對構圖元素的切割和重組，如何將繪畫中靜態的“並置”轉化為運動中的“碰撞”，創造齣前所未有的視覺衝擊力。 第五章：身體的在場：姿態、肖像畫與演員的形體錶演 電影的運動性使其超越瞭繪畫的靜止。然而，演員的“在場感”往往源自於經典藝術中對人體姿態的描繪。本章分析瞭從希臘雕塑到倫勃朗肖像畫中，人物錶情和身體語言如何捕捉內在的精神狀態。我們將這些靜態的“定格瞬間”與電影史上那些標誌性的演員錶演進行對比，例如馬龍·白蘭度或英格麗·褒曼的特定手勢。討論的焦點是：當時間被賦予形體，錶演如何成為一種持續的、流動的“動態肖像”。 第六章：敘事空間：風景畫中的“旅程”與電影的場域構建 風景畫（Landscape Painting）在曆史上曾是錶達人類與自然關係的重要媒介。本章考察瞭浪漫主義風景畫，如特納（Turner）筆下宏大而吞噬一切的自然力量，與電影中“公路片”或“史詩片”中對廣袤空間的描繪之間的對應關係。我們探討瞭電影如何利用運動來完成風景畫中隱含的“旅程感”，以及建築攝影如何繼承瞭對空間秩序和場所精神的關注，如同包豪斯風格的繪畫對現代主義建築的深刻影響一樣。 --- 第三部分：超驗與解構：現代主義的交叉點 第七章：瞬間的永恒：達達主義、超現實主義與電影的夢境邏輯 本章深入探討瞭二十世紀初先鋒藝術運動對電影媒介的解放。我們將分析達達主義對傳統邏輯的顛覆，如何體現在無厘頭喜劇和後現代拼貼電影中。更重要的是，我們將細緻考察超現實主義（如達利和馬格利特）如何直接影響瞭電影的夢境敘事。分析路易斯·布努埃爾的作品，探討二維視覺錯位如何通過運動和聲音的加入，轉化為更具侵入性的心理體驗，挑戰觀眾對現實的固有認知。 第八章：抽象的維度：從康定斯基到純粹電影（Ciné-Pure） 當藝術形式開始消解具象錶徵時，電影也找到瞭錶達純粹形式和運動的途徑。本章將分析抽象錶現主義畫傢（如波洛剋）的筆觸運動與動態抽象電影（如魏斯曼、裏赫特）的結構實驗之間的平行關係。討論如何通過非敘事、純粹的光影和色彩的組織，電影得以在美學層麵上達到與抽象繪畫相近的、直接訴諸感官的錶達高度。 第九章：媒介的邊界：數字時代下的融閤與未來 隨著數字技術的普及，傳統媒介的界限日益模糊。本章將探討電腦生成圖像（CGI）如何讓導演擁有瞭前所未有的“調色闆”和“畫筆”。我們分析瞭數字渲染如何使電影製作人能夠精確模擬古典繪畫的筆觸紋理（如某些曆史傳記片），或者完全超越物理限製，創造齣全新的、介於繪畫與雕塑之間的視覺實體。本書以對媒介本體論的深刻反思收尾，探討在高度可塑的數字環境中，視覺藝術如何繼續尋求其最真實、最動人的錶達方式。 --- 結語：在凝視與流逝之間 本書的最終目的，是為讀者提供一套全新的視覺素養。它鼓勵讀者在欣賞一幅古典油畫時，能夠感知到潛在的運動和敘事張力；同時，在觀看一部電影時，能夠辨識齣其背後深植的構圖法則和光影傳統。通過這場跨越數百年的藝術對話，我們得以更深刻地理解人類如何通過“看”來建構意義、體驗時間與空間。 --- 作者簡介： （此處省略，以保證內容純粹性） 本書特點： 收錄大量經典畫作高清圖像與電影截圖的並置分析。 結閤藝術史、電影理論和視覺心理學的前沿研究。 詳盡的術語解析，確保藝術專業人士與普通愛好者皆可深入閱讀。 全新的分析視角，突破傳統藝術史的藩籬。

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