花艺新课堂

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出版者:
作者:阿瑛 编
出品人:
页数:95
译者:
出版时间:2009-10
价格:36.00元
装帧:
isbn号码:9787535757753
丛书系列:
图书标签:
  • 花艺
  • 插花
  • 花艺设计
  • 园艺
  • 手作
  • DIY
  • 创意生活
  • 家居装饰
  • 植物
  • 艺术
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具体描述

《花艺新课堂·插花篇》以图文并茂的形式展示了数款时下流行时尚的花型,并对每款的制作步骤作了详细的介绍,是花艺爱好者的最佳选择。插花艺术是切取植物体具有观赏价值的部分作材料,经过构思,摆插造型,制作的立体造型作品,表达人的心态,以情动人,装饰环境装点礼仪,再现大自然的美和生活美,使人体验到艺术的美感和精神上的愉悦。插花艺术源于自然,高于自然,融自然、艺术、文学、历史、思想情趣为一体,拥有越来越广泛的群众基础,成为一种文明的象征和一种专业技能。

雕塑的诗篇:材质、技法与现代语境的对话 图书名称:《雕塑的诗篇:材质、技法与现代语境的对话》 图书简介: 本书并非一本关于插花艺术或园艺美学的指南,它深入探讨的是人类文明史上最具物质感和永恒性的艺术形式之一——雕塑。我们聚焦于材料的本质、技艺的传承与革新,以及雕塑艺术如何在中外不同的历史语境下,映照和批判我们所处的时代。 本书旨在为严肃的艺术爱好者、艺术史学者以及当代创作者提供一个多维度、深层次的理论与实践参照系。我们拒绝浮光掠影的介绍,而是致力于剖析雕塑艺术从泥土、石头到金属、复合材料的演变历程中,所蕴含的哲学思考与工艺秘密。 --- 第一部分:材质的形而上学——物质的内在语言 雕塑的本质,首先是物质的解放与重塑。本书的首要任务是解构不同材料的“性格”及其对艺术表达的制约与赋能。我们不满足于简单罗列材料名称,而是深入探讨每一种材质背后的物理特性、历史偏好和文化象征。 第一章:石的恒久与沉默:从巨石阵到大理石的“去物质化” 本章以花岗岩、砂岩、汉白玉等传统雕塑材料为核心,探讨石材的“时间性”。石头代表着不可逆转的重量、耐久性以及与地理环境的紧密联系。我们分析了古埃及方尖碑的纪念性、希腊古典雕塑对人体形态的极致摹写,以及米开朗基罗如何通过“剥离”的方式,揭示石头内部的生命力。特别关注了现代主义时期,艺术家如何挑战大理石的传统美学,例如康斯坦丁·布朗库西对材料的极度简化和光滑处理,使得沉重的石头获得了近乎有机的流动感。 第二章:泥土的低语与回响:陶、砖与大地艺术的周期性 泥土——人类最早的雕塑媒介——在此章被重新审视。我们追溯了新石器时代陶器的实用美学,以及中国古代兵马俑所展现的群体塑造的史诗性。重点解析了现代陶艺如何突破功能性限制,转为纯粹的雕塑表达。更进一步,本书探讨了“大地艺术”(Land Art)中对泥土的直接使用,如史密森的《螺旋防波堤》,揭示了在回归自然的同时,艺术家对人类文明痕迹消逝的深刻预言。泥土,象征着生灭的循环,是讨论“时间性”的绝佳载体。 第三章:金属的意志:铸造、焊接与工业时代的象征 金属,特别是青铜和钢铁,代表着力量、权威和工业时代的精神。本书详细介绍了失蜡法(Casting)的复杂工艺流程,以及它如何使雕塑从单一的实体转变为可复制的、宏大的叙事载体。我们比较了罗丹作品中对青铜表面的粗粝处理与现代抽象派雕塑对光滑镜面金属的偏爱。在当代,焊接技术的发展使得雕塑从“雕刻”(去除)转向“构建”(增加),标志着艺术家思维模式的重大转变——从发现内在形态到构建外部结构。 第四章:非传统媒介的解放:树脂、塑料与数字模型的边界 进入20世纪后半叶,雕塑的边界被彻底打破。本章集中讨论了环氧树脂、玻璃纤维、以及工业废弃物等“非艺术”材料如何被引入雕塑创作。我们分析了艺术家如何利用这些轻质、易塑的材料,挑战传统雕塑的重量感和纪念碑性,转而关注瞬时性、流行文化符号的挪用,以及对消费主义的反思。这部分内容也触及了3D打印技术对“原创性”和“手工性”的冲击。 --- 第二部分:技法的演进与观念的迭代 雕塑不仅仅是材料的堆砌,更是技法与观念的交织。本部分将技法视为观念的载体,探讨技术进步如何驱动艺术语言的根本性变革。 第五章:体量与空间的关系重构:镂空、穿透与负空间的力量 传统雕塑强调实体的“在场感”。然而,自立体主义和构成主义以来,雕塑开始主动拥抱“虚空”。本章深入分析了负空间(Negative Space)如何从背景转化为主动的构图元素。我们研究了巴尔塔萨·布尔茹瓦的结构主义作品,以及现代主义大师如何利用穿透性的结构(如亨利·摩尔的作品)打破实体与环境的壁垒,使观众的目光和空气得以穿过作品,从而定义了作品的“非物质边界”。 第六章:动态与瞬间的捕捉:机械、动力学与时间作为维度 雕塑被传统观念认为是静止的艺术。本章挑战了这一前提,探讨了动态雕塑(Kinetic Art)的诞生。从卡尔达的自动装置到让·丁格利的自毁性机械,我们分析了如何将“时间”作为第四个维度纳入雕塑的创作。这不仅是技术上的进步,更是对“永恒不变”美学观的颠覆——艺术品开始呼吸、运动、甚至衰败,反映了现代人对不确定性的感知。 第七章:装置与环境:从台座到场域的转变 当雕塑不再囿于单一的“作品”形态时,它演变成了“装置艺术”(Installation Art)。本章探讨了雕塑如何从被凝视的对象,转变为一个需要被观众“进入”和“体验”的场域。我们考察了如克里斯蒂安·波尔坦斯基通过光影、声音和日常物品构建的记忆迷宫,展示了当代雕塑如何利用空间叙事,引导观众进行身体性的、沉浸式的感知与思考。 --- 第三部分:语境的对话——现代性与后现代性的雕塑命题 雕塑艺术的发展,始终是时代精神的物质化体现。最后一部分,我们将焦点从工作室转向社会和历史背景,审视雕塑在不同文化脉络下的角色转换。 第八章:身份的构建与解构:身体的政治与物质的表述 在后殖民主义和身份政治的背景下,雕塑承担了重塑或批判历史叙事的任务。本章分析了当代艺术家如何利用身体的碎片、残骸或非西方传统形象,挑战西方中心主义的审美标准。例如,探讨了如何通过纪念碑的拆解或重塑,来介入公共空间中的权力结构与历史记忆的争论。 第九章:工艺的回归与数字的幻象:工匠精神的当代困境 在高度数字化的时代,雕塑的“手工性”面临前所未有的挑战。本章辩证地分析了当代雕塑中“手工性”的两种趋势:一是部分艺术家对传统高难度手工艺的执着回归(如精细的手工打磨、复杂的木雕),将其视为抵抗工业化同质化的最后堡垒;二是数字模型和自动化工具在创作中的普及。我们探讨了在两者之间,如何维持雕塑艺术的审美价值与精神深度。 第十章:雕塑的未来:虚拟维度与物质的消隐 本书的收官章节,对雕塑的未来走向进行大胆的展望。随着增强现实(AR)和虚拟现实(VR)技术的发展,雕塑的物质实体性是否会逐渐消退?我们探讨了艺术家如何利用这些技术创造“不可触碰的实体”,以及这些新的维度如何挑战我们对“雕塑”——这一基于三维物质存在的艺术形式——的传统定义。未来的雕塑,或许是一种代码、一种算法,又或者是一种在物理与数字交界处闪烁的、短暂的物质显现。 总结: 《雕塑的诗篇》提供了一条清晰的脉络,展示了雕塑艺术如何从对永恒的追求,演变为对时间、空间、身份和物质边界的深刻反思。它是一部关于“重”与“轻”、“实”与“虚”、“古老”与“新生”的物质辩证法。

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读后感

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用户评价

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这本书带来的震撼,可能需要我花很长一段时间去消化。我一直以为自己对生活的要求不高,能过得去就行。但是,这本书彻底颠覆了我的想法。它不是那种教你如何“消费”生活的书,而是从一种更深层次的角度,去引导你去思考“生活”本身的意义。我印象最深刻的是书里关于“仪式感”的探讨,它不是让你去刻意营造什么,而是告诉你,那些看似微不足道的日常瞬间,如果用心去对待,都能变成美好的回忆。比如,早晨冲一杯咖啡,不再是匆匆了事,而是去感受咖啡豆的香气,去体会冲泡的过程;晚上睡觉前,不再是疲惫地倒下,而是可以静下心来,写下今天的收获或者感悟。这些点滴的改变,让我的生活变得不一样,不再是浑浑噩噩地度日,而是充满了意义和期待。这本书还讲到如何与“自然”建立更深的连接,比如,当你观察一片叶子的纹理,当你聆听风吹过树叶的声音,你就能感受到生命的力量。这本书让我明白,生活不止眼前的苟且,还有诗和远方,而诗和远方,其实就隐藏在每一个被用心对待的当下。

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这本书简直是给我的生活注入了一剂强心剂!我一直觉得自己的生活有点单调,缺乏一些亮点,看了这本书之后,我才意识到原来那些小小的改变,就能带来那么大的不同。它不是那种那种教你如何“装饰”生活的书,而是从根源上引导你去理解“美”是什么,以及如何将这种“美”融入到你的日常。比如,书里提到很多关于“留白”的哲学,讲到空间的疏密、物品的取舍,不仅仅是为了好看,更是为了让生活更自在、更舒心。我以前总喜欢把家里摆得满满当当的,觉得这样才温馨,看了书才知道,有时候少即是多,适当的留白,反而能让整体更有呼吸感,更显精致。还有关于“器物”的选择,它不是让你去追求名牌或者昂贵的物件,而是鼓励你去发掘那些有故事、有温度的器皿,它们能承载你的情感,也能让你的生活充满仪式感。我开始重新审视家里那些被遗忘的角落,尝试着去用一些简单的方法,比如调整光线、摆放一两件心仪的小物件,瞬间就感觉整个空间都活起来了。这本书教会我,美其实无处不在,关键在于你有没有一双发现美的眼睛,以及愿意为之付出一点点心思。

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最近真的被这本书的内容深深吸引住了,它带来的启发太大了!我一直觉得自己在生活中就是一个很普通、很平凡的人,没什么特别的才能,也没什么特别的追求。但是,这本书让我看到了另一种可能性,它就像一座桥梁,连接了我的平凡生活和那个我曾经渴望却不敢触碰的“艺术”世界。它不是那种高高在上的艺术理论,而是用一种非常接地气、非常亲切的方式,告诉你艺术其实离我们很近,甚至就藏在你的一呼一吸之间。我特别喜欢书里关于“感官体验”的描写,讲到如何通过听觉、嗅觉、触觉去感受世界,去汲取灵感。比如,它会引导你去聆听雨滴敲打窗户的声音,去感受微风拂过脸颊的轻柔,去分辨不同植物散发出的独特香气。这些平时被我们忽略的细微感受,在书里被放大、被珍视,让我突然意识到,原来我的生活可以如此丰富多彩,充满着各种各样的体验。这本书就像一个温柔的引路人,教会我如何去开启自己的感官,如何去捕捉生活中的点滴美好,然后用一种新的方式去回应这个世界。

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最近真的被一本新书给惊艳到了,虽然书名听起来挺文艺的,但我拿到手之后才发现,它简直就是打开了我对生活美学的全新视角!这本书不是那种空洞的说教,而是用一种特别细腻、特别有温度的方式,去引导你去发现身边的美。我平时就挺喜欢逛花市的,也偶尔买点花回家插插,但总感觉差点意思,插出来的总是不如花店里好看。这本书就像一位温柔的老师,一点点地教你如何去观察花材的形态、色彩,如何理解它们的语言。它没有直接教你“怎么插”,而是先带你走进花的世界,让你去感受,去体会。比如,它会讲到不同季节的花都有什么样的性格,有些热情奔放,有些内敛沉静;它会分享如何从大自然中汲取灵感,比如树枝的形态、叶片的纹理,都能成为创作的源泉。我尤其喜欢其中关于“光影与色彩”的部分,讲到光线如何影响花卉的质感,如何通过搭配不同的色彩来营造不同的氛围。读着读着,我仿佛能闻到花香,看到那斑斓的色彩在眼前跳跃。这本书带来的不只是插花的技巧,更是一种对生活的热爱和对美的追求,让我觉得生活本身就可以是一件艺术品。

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