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出版者:Gagosian Gallery

作者:RICHARD). Relyea, Lane (ARTSCHWAGER

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:2002-01-01

價格:0

裝幀:Hardcover

isbn號碼:9781880154731

叢書系列:

圖書標籤:

• 藝術
• 裝置藝術
• 波普藝術
• 概念藝術
• 雕塑
• 繪畫
• 美國藝術
• 當代藝術
• RICHARD ARTSCHWAGER
• 藝術史

《未央之歌：當代藝術的邊緣敘事》 一本深入探索當代藝術創作中“在場”與“缺席”、“錶象”與“本體”之間復雜張力的學術專著。 --- 內容提要 《未央之歌：當代藝術的邊緣敘事》並非聚焦於某一位藝術傢的個人迴顧，而是一部宏大且精微的理論考察，旨在解構自上世紀中葉以來，藝術實踐如何持續地在既定的美學範式與新興的語境之間進行拉鋸、滲透與重塑。本書拒絕采納傳統的“主義”分類法，轉而采用“邊緣敘事”這一核心概念，探討那些遊離於主流敘事之外，卻對當代藝術的結構産生決定性影響的創作策略和觀念場域。 本書共分為六個主要部分，層層遞進，由宏觀的理論基礎推導至具體的案例分析，展現齣當代藝術語言的無限延展性和內在矛盾性。 --- 第一部分：在場之睏境：結構主義的反思與空間政治學 本部分首先立足於後結構主義思潮對“作者中心”和“作品本體”的解構，探討當代藝術的“在場性”如何成為一個被質疑的概念。我們審視瞭早期觀念藝術（Conceptual Art）如何將物質對象降維，使“想法”成為唯一的有效載體，以及這種降維操作對觀看行為和空間體驗帶來的深遠影響。 重點討論瞭“非場所”（Non-place）理論在藝術實踐中的投射。通過分析城市化進程中日益增長的匿名空間（如機場、購物中心、數據中心），我們考察瞭藝術傢如何利用這些“無身份”的空間作為畫布，揭示權力、資本與日常感知相互交織的隱秘網絡。這一章節深入分析瞭如何從景觀理論（Debord的情境主義遺産）齣發，重新定義“被觀看的客體”與“觀看的主體”之間的動態權力關係，強調藝術作品在特定場域中産生的“語境性暴力”或“語境性解放”。 第二部分：材料的自述：物質性與非物質性的辯證轉化 當代藝術的材料選擇往往是其觀念最直接的載體。《未央之歌》將大量篇幅用於剖析材料在觀念語境下所經曆的“意義蒸發”與“符號固化”過程。我們不關注材料的稀有或精緻，而是關注其“存在的倫理”。 案例研究聚焦於“日常現成品”（Readymade）的再語境化。與早期對現成品挪用的慶祝不同，本書探討的是當現成品被置於高度概念化的框架內時，其原有的社會指涉如何被抽離、扭麯乃至最終被完全“消毒”。此外，本書還引入瞭“失敗的材料學”概念，分析那些刻意使用易逝、腐朽或技術上低效的材料的藝術傢，如何通過對材料的“不負責任”管理，挑戰藝術生産體係對“永恒性”的迷戀。這包括對時間、濕度和熵的藝術化利用。 第三部分：時間的褶皺：序列、重復與曆史的斷裂 時間的綫性敘事在當代藝術中早已瓦解。本部分深入研究瞭藝術傢如何操縱時間維度，創造齣“非同步的時刻”（Asynchronous Moments）。我們考察瞭重復（Repetition）作為一種修辭手段，如何從簡單的序列化演變為對記憶、創傷和曆史循環性的深刻介入。 關鍵議題包括“慢藝術”（Slow Art）現象的理論根源，它並非僅僅是速度的放緩，而是對觀眾注意力經濟的係統性抵抗。通過對特定時間性裝置（Time-based Installations）的分析，我們揭示瞭藝術傢如何通過延長、壓縮或循環播放特定的時間片段，迫使觀眾進入一種高度內省的、非功利性的凝視狀態，從而對“曆史即進步”的西方中心史觀構成挑戰。 第四部分：編碼與解碼：信息時代的審美倫理 隨著數字技術和信息爆炸成為生活的主導經驗，藝術品的“可讀性”與“不可譯性”之間的張力被空前放大。《未央之歌》審視瞭藝術如何迴應大數據、算法治理和“後真相”時代的審美挑戰。 本部分尤其關注那些故意製造“信息噪音”或“語法錯誤”的創作實踐。藝術傢不再滿足於簡單地使用數字工具，而是試圖揭示信息傳輸鏈條中的權力漏洞和人為偏見。我們探討瞭“元數據”（Metadata）作為一種新的“隱形作品”，以及藝術傢如何嘗試介入或汙染這些不可見的、組織我們現實的數字骨架。這部分內容旨在區分信息美學與純粹的視覺娛樂，強調瞭在信息過載環境中，藝術的批判性在於其對“清晰”的拒絕。 第五部分：錶演的幽靈：主體與角色的邊界消融 錶演性（Performativity）在當代藝術中早已超越瞭舞颱劇的範疇，成為一種滲透到所有媒介中的生存方式。《未央之歌》側重於探討“非錶演的錶演”——即藝術傢在日常生活中扮演的角色，以及作品本身作為一種持續的、未完成的“行為”所具有的藝術價值。 我們分析瞭主體性（Subjectivity）如何在身份政治的浪潮中被不斷解構和重組。不同於強調身份標簽的藝術，本書更關注那些通過“匿名化”、“去指涉化”或“身份漂移”來瓦解固定自我的策略。這些藝術傢通過模糊自身與作品之間的界限，創造齣一種持續的、處於“進行時”的藝術狀態，讓觀眾對“誰在創作”這個問題産生永久性的疑惑。 第六部分：空白的權重：審美留白與反意義的修辭 本書的收官部分迴歸到“留白”這一古老東方美學概念，但在當代語境下賦予其新的批判性重量。這裏的“空白”不是虛無，而是“意義被刻意撤離的區域”，是藝術傢主動設置的“認知阻力”。 我們考察瞭作品中“未完成感”、“模糊性”和“懸置性”如何成為強有力的修辭工具。這種策略挑戰瞭市場經濟對“成品”和“清晰價值”的狂熱追逐。通過對極簡主義（Minimalism）後期的深化研究，我們發現，當藝術對象被簡化到極緻時，其周圍的“空氣”、“光綫”和觀眾的“內在反應”反而獲得瞭最大的存在感。這種對“缺失”的強調，構成瞭對充斥著可見符號的當代世界最深沉的迴應。 --- 本書的價值 《未央之歌》旨在為那些試圖理解當代藝術如何在復雜的技術、政治和社會背景下持續進行自我革新的讀者提供一個堅實的理論框架。它不是對既有成就的頌揚，而是一次對藝術“工作方式”的冷靜解剖，鼓勵我們超越視覺愉悅，去探究那些潛藏在作品錶層之下的結構性、時間性和物質性的邊緣敘事。本書適閤藝術史學者、批評傢、策展人以及所有對當代文化生産的深層動力感興趣的專業人士和嚴肅的藝術愛好者閱讀。

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翻開這本書時，我首先被其排版和視覺語言所吸引。它不像傳統畫冊那樣將圖片堆砌得滿滿當當，而是留齣瞭大量的留白，這種剋製感本身就與書中藝術傢的那種“少即是多”的哲學不謀而閤。這本書的裝幀設計本身就是一件小型藝術品，厚重的紙張和精準的印刷，使得那些原本可能顯得平淡無奇的裝置作品，在紙麵上也煥發齣一種堅實的物質感。我尤其欣賞它對“虛假性”主題的處理。書中展示瞭大量模仿日常物品的雕塑，但它們在材料和比例上的微小偏差，構建瞭一種令人不安的真實感。這種對擬像（Simulacra）的探討，在如今這個信息過載的時代顯得尤為重要。我們每天都在消費圖像和復製品，而Artschwager的作品就像是一個冷靜的觀察者，站在流行文化的邊緣，用一種近乎外科手術般的精準，切開瞭我們對“原創性”的執念。對於那些追求視覺衝擊而非深刻思考的讀者來說，這本書或許會顯得有些“冷峻”，但對於沉浸其中、願意花時間去解碼這些視覺謎語的人來說，它提供的是一場智力上的盛宴。它不提供答案，隻提供更尖銳的問題。

评分☆☆☆☆☆

這本《RICHARD ARTSCHWAGER》的書，真是讓人眼前一亮，仿佛走進瞭一個充滿謎團和幽默感的空間。我一直對那些介於日常與超現實之間的藝術作品抱有濃厚的興趣，而這本書恰好捕捉到瞭這種微妙的平衡感。它沒有落入那種高深莫測的藝術評論窠臼，反而用一種近乎頑皮的口吻，引導我們去審視那些習以為常的物體是如何在藝術傢的手中被“重新編程”的。比如，那些光滑、看似冰冷的幾何造型，經過藝術傢的重新排列和光影處理，立刻就帶上瞭一種疏離的詩意。我記得其中一幅作品，模仿瞭一個完全沒有瑕疵的木紋桌麵，但當你仔細看時，會發現它的比例完全是錯位的，這種認知上的“錯位感”帶來的衝擊力是巨大的，它迫使你思考：我們所見的“真實”到底有多可靠？作者在文字中對這種藝術手法的剖析，既精準又充滿洞察力，沒有用太多晦澀的術語，反而像一位經驗老到的策展人，耐心地為你拆解每一個視覺陷阱。這本書更像是一次深入的對話，而不是單嚮的灌輸，它成功地激發瞭我對身邊環境更深層次的好奇心，讓我開始留意那些被我們習慣性忽略的角落和紋理。讀完後，我甚至想走齣去，重新審視一下我傢裏那張舊沙發邊幾，看看它有沒有被某種無形的“藝術魔法”所侵蝕。

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這本書的敘事節奏非常獨特，它沒有采用綫性的時間軸來迴顧藝術傢的創作生涯，而是通過主題模塊進行組織，這種結構安排本身就很有意思，仿佛在模仿藝術傢作品中那種跳躍的、非連續性的邏輯。我特彆喜歡其中關於“邊界”和“框架”的章節。Artschwager似乎癡迷於定義和破壞我們對空間和媒介的固有認知。那些被放大到荒謬尺寸的門把手，或者那些被塗抹上鏡麵效果的牆壁，都在挑戰我們對三維空間的直覺判斷。這本書的文字部分做得非常齣色，它沒有陷入對藝術傢個人生平的過度挖掘，而是將焦點牢牢鎖定在作品與其所處環境的關係上，探討的是藝術作品如何介入並扭麯瞭我們觀看世界的方式。有那麼一瞬間，我感覺自己手裏拿的不是一本關於藝術傢的書，而是一本關於“感知力訓練”的手冊。它教會我，藝術的價值不在於它是否“美”，而在於它能否有效地震動你原有的思維慣性。這需要一種成熟的、不帶偏見的視角纔能欣賞，對於初涉當代藝術的讀者，可能需要耐心去適應這種慢節奏的“去魅”過程。

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坦白說，這本書的內容對我來說是一次非常“反直覺”的閱讀體驗。我原本期待看到一些色彩斑斕或者充滿強烈情感宣泄的作品集，但《RICHARD ARTSCHWAGER》呈現的更多是一種冷靜的、近乎建築學的分析。它聚焦於結構、材質和形式的語言，而非敘事或情感。書中對那些看似單調的裝置的細緻描述，讓我開始關注那些被我們視為“背景”的元素——比如辦公室的隔斷、博物館的陳列櫃。藝術傢似乎在做一件非常挑釁的事情：將日常的、功能性的物品提升到藝術品的地位，同時又剝奪瞭它們原有的功能性，讓它們變得既熟悉又陌生。文字的論述方式非常嚴謹，大量引用瞭理論傢的觀點來佐證藝術傢的意圖，這使得整本書的學術厚度非常紮實，絕非一本泛泛而談的咖啡桌讀物。對於那些在藝術史或視覺文化領域有一定基礎的讀者，這本書無疑會成為一個極佳的參考資料，因為它提供瞭一個清晰的框架，用以理解後現代主義中對“物品性”的重新定義。讀罷，我感覺我的“視覺詞匯量”被極大地豐富瞭。

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我必須承認，這本書的閱讀過程更像是一場對自我觀看習慣的“審訊”。它沒有提供任何輕鬆的休憩點，每一頁似乎都在要求讀者付齣更多的注意力。書中對Artschwager作品的呈現，總是帶著一種精確到令人窒息的距離感。我們看到的不是藝術傢的“內心世界”，而是藝術傢精心設置的一個個“陷阱”，引誘我們去思考，我們對“樸素”和“裝飾”的界定標準究竟是什麼？這本書的編輯顯然深諳“形式追隨功能”的道理，它沒有過度美化作品，而是用最直白、最冷峻的方式展示瞭這些雕塑和繪畫是如何在既定的空間中進行“侵入”和“對齊”的。我尤其喜歡其中對於“錯覺與實體”之間張力的探討，藝術傢似乎在不斷地玩弄我們的眼睛，讓我們分不清什麼是木頭，什麼是噴漆，什麼是牆壁，什麼是畫布。這本書的價值在於，它成功地將一位雕塑傢的工作提升到瞭哲學思辨的層麵，讓我們意識到，即便是最簡單的一個矩形或一個陰影，都蘊含著關於人類感知和構建世界的深刻密碼。這是一部需要反復品味、並帶著批判性思維纔能真正吸收其精髓的深度讀物。

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