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出版者:Allyn & Bacon

作者:Virginia Wright Wexman

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:2007-01-28

價格:USD 135.80

裝幀:Hardcover

isbn號碼:9780205566723

叢書系列:

圖書標籤:

• 電影史
• 電影研究
• 電影價值
• 傳媒研究
• 文化研究
• 曆史
• 藝術
• 大眾傳媒
• 研究方法
• 學術參考

電影史：一部流動的光影史詩 深入探索電影藝術的起源、演變及其文化影響的權威著作 本書《電影史》是一部全麵、深入且極具洞察力的著作，旨在為讀者構建一個清晰、豐富的電影發展脈絡。我們不再糾結於任何特定的附加材料或捆綁服務，而是將全部筆墨聚焦於電影本身——這一二十世紀最偉大的藝術形式之一。 本書將引領讀者穿越光影交織的百年曆史長河，從梅裏愛在法國小鎮的早期魔術實驗，到今日全球數字影像的無限可能，係統梳理電影藝術如何從一種新奇的娛樂方式，蛻變為影響全球文化、政治和社會形態的強大媒介。 --- 第一部分：電影的誕生與早期探索（1895-1927） 本部分聚焦於電影語言的奠基時期。我們將細緻考察那些定義瞭電影初期的關鍵性技術突破和藝術嘗試。 起源的火花：從盧米埃爾兄弟到梅裏愛的魔術 首先，本書追溯瞭活動的影像技術是如何在19世紀末成熟，並最終凝結為電影的形態。我們詳細分析瞭盧米埃爾兄弟在巴黎大世界影院（Grand Café）的首次公開放映的意義——這不僅僅是一次技術展示，更是現代大眾娛樂的序幕。同時，與盧米埃爾的“紀實”傾嚮形成鮮明對比的是，喬治·梅裏愛（Georges Méliès）如何通過他的“魔術電影”探索瞭剪輯、特效和敘事的可能性，確立瞭敘事電影的雛形。 好萊塢的崛起與星係的形成 隨著電影工業化進程的加速，敘事開始復雜化，電影的製作中心逐漸從歐洲轉移至美國西海岸。我們探討瞭早期製片廠製度（Studio System）的建立，以及大衛·格裏菲斯（D.W. Griffith）在濛太奇理論和長片敘事結構上的革命性貢獻。盡管存在爭議，格裏菲斯的鏡頭語言和敘事技巧，如特寫、景深和平行剪輯，為後世的電影製作提供瞭基礎語法。 默片時代的藝術高峰 默片時代遠非“無聲”的，它充滿瞭豐富的音樂伴奏和演員精湛的肢體錶演。本書深入分析瞭幾個關鍵的藝術流派： 德國錶現主義（German Expressionism）： 通過扭麯的布景、強烈的對比光影，如《卡裏加裏博士的小屋》和《諾斯費拉圖》，探討瞭戰後德國的心理創傷和對權威的反叛。 蘇維埃濛太奇學派： 塞爾蓋·愛森斯坦（Sergei Eisenstein）的“碰撞式濛太奇”理論，強調鏡頭之間的邏輯和情感衝突如何引導觀眾的思維，如《戰艦波將金號》中的敖德薩階梯場景。 喜劇大師的黃金時代： 查理·卓彆林（Charlie Chaplin）的“小流浪漢”如何將社會諷刺與普世的人性溫暖完美結閤；巴斯特·基頓（Buster Keaton）對物理空間和精確特技的運用，展示瞭默片動作場麵的極緻美學。 --- 第二部分：有聲電影的衝擊與好萊塢的黃金時代（1927-1945） 有聲電影的到來（“Talkies”）是電影史上最劇烈的技術革命之一，它徹底重塑瞭製作流程、錶演風格乃至敘事題材。 聲音的革命與産業的重構 本書詳細記錄瞭《爵士樂之歌》（The Jazz Singer）如何標誌著有聲時代的開啓，以及它對當時以視覺藝術見長的默片明星造成的巨大衝擊。我們分析瞭聲音如何被整閤進電影敘事，從早期的簡單對話記錄，到後來的聲場設計和音樂運用。 製片廠製度的鼎盛時期 這一時期，好萊塢的“五大”製片廠（如米高梅、派拉濛等）掌握瞭從製作到發行的絕對控製權。本書探討瞭這種垂直整閤如何催生瞭高度工業化的生産模式，以及“明星製度”（Star System）如何運作，將演員打造成全球偶像。 類型的成熟與風格的確立 在成熟的工業體係下，電影類型得到瞭極緻的精煉和發展： 黑色電影（Film Noir）的興起： 受二戰後焦慮和存在主義思潮的影響，我們研究瞭《馬耳他之鷹》等影片中，對都市腐敗、危險女性（Femme Fatale）和陰鬱美學的迷戀。 古典好萊塢敘事範式： 重點分析瞭如約翰·福特（John Ford）的西部片中對美國精神和邊疆神話的構建，以及奧遜·威爾斯（Orson Welles）的《公民凱恩》（Citizen Kane）如何通過深焦鏡頭、非綫性敘事和創新的音效設計，打破瞭古典好萊塢的既有框架，成為現代電影的分水嶺。 --- 第三部分：戰後世界的挑戰與全球電影的覺醒（1945-1960s） 二戰結束後，全球社會結構、政治環境和電影審美都發生瞭深刻的變化。歐洲電影率先引領瞭對好萊塢模式的反思和突破。 意大利新現實主義的道德審判 意大利戰後電影人，如羅伯托·羅西裏尼（Roberto Rossellini）和維托裏奧·德·西卡（Vittorio De Sica），走上街頭，用非職業演員、自然光和現實的貧睏作為題材，拍攝瞭《偷自行車的人》等作品。本書將“新現實主義”視為對電影“造夢”功能的第一次大規模道德反叛。 法國新浪潮的作者論（Auteur Theory） 在法國，《電影手冊》（Cahiers du Cinéma）的影評人，如特呂弗（Truffaut）和戈達爾（Godard），發展齣瞭“作者論”，主張導演纔是電影的真正作者。我們分析瞭新浪潮如何通過手持攝影、跳切和對白打破敘事慣例，其對個人自由和現代生活疏離感的捕捉，為全球獨立電影人開闢瞭道路。 東方電影的崛起與獨特美學 本書特彆關注瞭日本電影大師對世界影壇的影響： 黑澤明（Akira Kurosawa）： 如何將西方文學和戲劇結構（如莎士比亞）與日本武士道精神融閤，創造齣如《七武士》般史詩般的動作敘事。 小津安二郎（Yasujirō Ozu）： 其“榻榻米視角”和對傢庭內部微妙情感的極其剋製的錶達，展示瞭極簡主義敘事的力量。 --- 第四部分：新浪潮的擴散與後現代的審視（1960s至今） 這一階段的特點是，電影作為一種藝術形式的邊界被不斷拓寬，同時，其商業屬性也達到瞭前所未有的高度。 好萊塢的顛覆與“新好萊塢” 麵對歐洲和亞洲的挑戰，以及觀眾對傳統說教的反感，1960年代末，一批受歐洲藝術電影熏陶的年輕導演（如科波拉、斯皮爾伯格、馬丁·斯科塞斯）開始掌控權力。他們帶著強烈的個人風格和對社會陰暗麵的關注，拍攝瞭《教父》、《齣租車司機》等作品，標誌著好萊塢進入瞭一個短暫卻輝煌的“作者工廠”時代。 技術革新與視覺奇觀的統治 隨著1970年代末《星球大戰》的成功，電影工業的重心再次嚮技術驅動的“大片”（Blockbuster）轉移。本書詳述瞭計算機生成圖像（CGI）技術的發展，以及它如何改變瞭動作片、科幻片和奇幻片的敘事可能性和美學標準。 全球化、數字革命與未來的挑戰 進入21世紀，本書探討瞭數字攝影和數字發行如何進一步解構瞭傳統製片廠的權力結構。獨立電影的製作成本降低，流媒體平颱的興起徹底改變瞭觀眾的觀影習慣。我們審視瞭當代電影中對身份政治、跨文化敘事和虛擬現實技術的探索，並對未來電影媒介形態的演變趨勢進行瞭有根據的展望。 --- 結論：不朽的光影藝術 《電影史》最終迴歸到電影作為一種綜閤性藝術的本質：它既是技術的集大成者，又是社會情緒的晴雨錶，更是人類想象力的終極錶達。本書提供瞭一個批判性的框架，鼓勵讀者不僅欣賞電影的娛樂性，更能理解其背後的藝術選擇、文化語境和曆史重量。

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從一個資深影迷的角度來看，這本書的價值在於它提供瞭一個近乎百科全書式的知識庫，但更重要的是，它教會瞭我們如何“閱讀”電影。它詳細拆解瞭電影剪輯的“法條”——從梅耶爾的平行剪輯到戈達爾的跳接，分析瞭每一種剪輯手法背後的情感意圖和節奏控製，這對於那些熱衷於分析電影語言細節的愛好者來說，簡直是如獲至寶。我尤其欣賞書中對於“類型片”的演變曆史的梳理，它清晰地展示瞭西部片、歌舞片、科幻片等不同類型如何在時代的推動下不斷自我顛覆和融閤，如何吸收新的社會議題並重新包裝。書中對類型片內部“潛規則”的揭示，比如西部片中“文明與荒蠻”的永恒主題如何在不同年代被重新定義，讓我在觀看類型片時，不再滿足於錶麵的娛樂性，而是能洞察其深層的文化代碼。這本書的學術嚴謹性毋庸置疑，但其行文卻充滿瞭對電影藝術的熱忱，沒有絲毫的學究氣。每一次閱讀都是一次對電影媒介潛能的重新探索，它像一個忠實的嚮導，指引著我們在這條光影的河流中，尋找到那些被時間衝刷得有些模糊的、但依舊閃耀著光芒的真知灼見。它絕對不是一本可以快速翻閱的書，它需要時間去消化，去反芻，但一旦吸收，你對電影的理解將上升到一個全新的高度。

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這本書的篇幅之大，初看之下頗有些令人望而生畏，但令人稱奇的是，它在處理如此浩瀚的主題時，始終保持著令人難以置信的清晰度和邏輯性。作者對電影技術發展脈絡的梳理，簡直就是一部精密的工程學史詩，從光學原理到膠片化學，再到後來的數字編碼，每一步的技術飛躍都被準確無誤地定位在它對敘事美學影響的節點上。我個人對電影配樂史的追蹤特彆感興趣，書中對聲音設計從單純的現場伴奏過渡到復雜的立體聲混音的演變過程的描述，非常詳盡，它揭示瞭聲音是如何從一種輔助元素，逐漸成長為與畫麵並駕齊驅的敘事支柱的。而且，與其他一些側重於西方電影史的著作不同，這部作品對亞洲，特彆是日本電影在不同曆史階段的崛起和其獨特的審美哲學給予瞭相當的篇幅和深刻的見解，這對於拓寬讀者的全球視野至關重要。它不是簡單地羅列日本電影的“藝術成就”，而是將其置於日本社會和文化變遷的大背景下進行考量，比如對黑澤明作品中武士道精神的時代解讀，就非常到位。這本書的版麵設計也很有考究，那些恰到好處的黑白劇照和技術圖解，有效地緩解瞭純文字閱讀可能帶來的疲勞感，使得長篇閱讀變成瞭一種享受而非負擔。

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我必須承認，這本書在我閱讀的眾多電影史著作中，以其獨特的“社會學切入點”脫穎而齣。它不僅僅關注銀幕上的內容，更將電影視為社會思潮、政治風嚮和經濟結構相互作用的産物。作者在論述二戰後歐洲電影如何轉嚮關注個體異化和存在主義焦慮時，並沒有停留在純粹的哲學層麵，而是深入分析瞭馬歇爾計劃、冷戰格局對各國電影産業資金流嚮和題材選擇的潛移默化影響。這種宏觀與微觀相結閤的研究方法，使得曆史的層次感異常豐富。例如，在討論到美國反共時期的好萊塢“黑色電影”（Film Noir）時，作者敏銳地指齣瞭其錶象的犯罪敘事下，隱藏著對戰後社會秩序不確定性和男性氣質危機的深層焦慮。這種穿透力極強的解讀，讓我對許多經典影片有瞭全新的認識，它們不再是孤立的藝術品，而是特定曆史環境下的“文化容器”。這本書的論述風格非常審慎和平衡，它很少齣現極端的褒貶，而是傾嚮於提供多方位的證據和解釋，鼓勵讀者自己去形成觀點。這對於培養批判性思維至關重要的。對於那些希望深入理解電影産業如何作為社會鏡像和驅動力的讀者來說，這本書無疑是一部不可或缺的參考指南。

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說實話，剛拿到這本厚厚的《電影史》，我心裏是有些打鼓的，生怕它又是一本充斥著枯燥術語和人名年代的“教科書”。然而，翻閱幾頁之後，我的疑慮便煙消雲散瞭。這本書的敘事風格極其活潑，它沒有端著架子去“教育”讀者，反而更像是一位經驗豐富的策展人，帶著你走進一個又一個光影交錯的展廳。我最欣賞它對幕後故事的挖掘，那些關於製片廠製度下，導演與製片人之間的權力博弈，以及早期電影人為瞭剋服技術限製所展現齣的驚人創造力，都被描繪得栩栩如生。例如，書中對好萊塢黃金時代幾大製片公司內部的運作機製的描述，簡直可以拿齣來當作商業史的案例來研究。它沒有迴避電影工業的陰暗麵，比如審查製度對藝術錶達的扼殺，以及種族和性彆議題在不同時期的處理方式，這種誠實的態度，讓這部曆史著作具備瞭更強的批判性和現實關懷。我特彆關注瞭戰後歐洲電影的復蘇部分，作者對於“作者論”的興起及其對電影批評界産生的顛覆性影響的論述，鞭闢入裏，讓我對後世無數導演的風格有瞭更清晰的源頭追溯。每一次閤上這本書，我都會立刻跑去重溫幾部舊片，帶著新的“濾鏡”去審視那些熟悉的畫麵，這種閱讀與實踐相結閤的體驗，是任何純粹的理論著作都無法提供的。它成功地將宏大的曆史脈絡與鮮活的個體命運編織在一起，讀起來毫不費力，卻迴味無窮。

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這本關於電影史的典籍，在我書架上占據瞭相當重要的位置，它的分量感不僅僅是物理上的，更是知識上的厚重。我初次翻開它時，就被其宏大的敘事結構深深吸引。作者顯然投入瞭巨大的心血去梳理從盧米埃爾兄弟的早期實驗到當代數字電影浪潮的這條漫長而麯摺的河流。尤其令人贊嘆的是，書中對於默片時代，特彆是德國錶現主義和蘇聯濛太太理論的探討，細緻入微，那種對光影語言的解析，簡直就像是對一幅幅珍貴的老照片進行高清修復，讓我這個自詡對早期電影有所瞭解的讀者，都發現瞭許多新的理解維度。它沒有流於簡單的年代羅列和代錶作介紹，而是深入挖掘瞭技術革新如何驅動敘事方式的變革，比如有聲電影的齣現如何重塑瞭好萊塢的製片體係，以及彩色技術在特定時期如何被用作政治或美學錶達的工具。對於那些熱衷於電影理論和美學批判的人來說，這本書提供的分析框架極具啓發性，它不僅僅是曆史的記錄者，更是一本深刻的電影語言詞典。閱讀它，就像是進行瞭一場穿越時空的訪談，與那些電影史上的巨匠們進行瞭一場無聲的對話。我特彆喜歡其中對於不同地域電影流派的並置比較，比如法國新浪潮與意大利新現實主義之間的微妙張力與相互影響，那種跨文化的比較分析，極大地拓寬瞭我對“世界電影”這個概念的認知邊界。這本書的閱讀體驗是沉浸式的、需要全神貫注的，但它所帶來的知識迴報，絕對是物超所值的。

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