具体描述
《中国戏曲概论》内容简介：吴梅以毕生精力致力于戏曲及其他声律研究，《中国戏曲概论》便是其最具代表性的著作之一，记述了金元直至明清时期包括散曲、戏曲在内的中国曲学的发展史。1926年由上海大东书局正式出版。1949年后，上海书店等出版社曾多次再版。此书内容全面，论述精当，影响深远，自问世以来，其重要价值得到诸多有识之士的肯定和推崇，是戏曲研究的必读之书。
作者简介
目录信息
卷上
一 金元总论
二 诸杂院本
三 诸宫调
四 元人杂剧
五 元人散曲
卷中
一 明总论
二 明人杂剧
三 明人传奇
四 明人散曲
卷下
一 清总论
二 清人杂剧
三 清人传奇
四 清人散曲
后记
· · · · · · (收起)
读后感
在阅读正本之前，就听说吴梅此书是“放眼全局的第一部中国戏曲通史”，于是就想，这必定是一部大部头的著作、必定又是满纸老学究的咬文嚼字、必定又是“上溯商周傩舞之兴盛、下陈今世戏曲之凋敝”的枯燥乏味之作。却不想，真的将书本拿到手上的时候竟然只有那么薄薄的72页，于...
评分在阅读正本之前，就听说吴梅此书是“放眼全局的第一部中国戏曲通史”，于是就想，这必定是一部大部头的著作、必定又是满纸老学究的咬文嚼字、必定又是“上溯商周傩舞之兴盛、下陈今世戏曲之凋敝”的枯燥乏味之作。却不想，真的将书本拿到手上的时候竟然只有那么薄薄的72页，于...
评分在阅读正本之前，就听说吴梅此书是“放眼全局的第一部中国戏曲通史”，于是就想，这必定是一部大部头的著作、必定又是满纸老学究的咬文嚼字、必定又是“上溯商周傩舞之兴盛、下陈今世戏曲之凋敝”的枯燥乏味之作。却不想，真的将书本拿到手上的时候竟然只有那么薄薄的72页，于...
评分在阅读正本之前，就听说吴梅此书是“放眼全局的第一部中国戏曲通史”，于是就想，这必定是一部大部头的著作、必定又是满纸老学究的咬文嚼字、必定又是“上溯商周傩舞之兴盛、下陈今世戏曲之凋敝”的枯燥乏味之作。却不想，真的将书本拿到手上的时候竟然只有那么薄薄的72页，于...
评分在阅读正本之前，就听说吴梅此书是“放眼全局的第一部中国戏曲通史”，于是就想，这必定是一部大部头的著作、必定又是满纸老学究的咬文嚼字、必定又是“上溯商周傩舞之兴盛、下陈今世戏曲之凋敝”的枯燥乏味之作。却不想，真的将书本拿到手上的时候竟然只有那么薄薄的72页，于...
用户评价
关于戏曲的服装和道具，作者同样没有给出简单的描述，而是将它们与角色的身份、性格、以及剧情的发展紧密地联系起来。他详细介绍了戏曲中不同颜色、图案的服装所代表的意义，例如红色象征忠诚和喜庆，黄色代表皇室和尊贵，白色则常用来表现孝子或死者。他还对戏曲中一些标志性的道具，如马鞭、船桨、拐杖等，进行了深入的解读，解释了它们在舞台上所起的象征性作用。例如，一根马鞭，在舞台上可以代表一匹骏马，演员通过简单的动作便能演绎出驰骋沙场的场景；一柄船桨，则能勾勒出一叶扁舟在水上漂行的画面。作者认为，这些道具的设计巧妙地运用了“写意”的手法，是戏曲“以少胜多”的艺术表现力的重要体现。他通过引用具体的剧目片段，比如《霸王别姬》中虞姬的舞剑，《空城计》中诸葛亮的羽扇，来具体阐述这些道具在烘托人物形象、推动剧情发展中的作用。他还提到了戏曲服装的“戏服”特点，即是为了舞台表演而设计的，并非完全模仿生活中的服饰，这种设计既要符合角色的身份，也要便于演员的表演。这种对服装和道具的深入解读，让读者明白了它们并非简单的装饰，而是构成戏曲艺术的重要组成部分，承载着丰富的文化内涵和象征意义。
评分在探讨戏曲的表演程式时，作者展现了其扎实的功底和细腻的观察力。他并没有枯燥地列举各种程式，而是将它们融入到具体的剧目和人物分析中。比如，在谈到“走台”时，他不仅仅说了“起范儿”，而是细致地描述了演员如何通过步伐的快慢、节奏的调整，来表现人物的心情、身份以及所处的环境。他用“碎步”来形容小人物的谨慎和不安，用“大跨步”来描绘英雄人物的豪迈与洒脱。他还对“甩袖”、“按剑”、“亮相”等经典的程式化动作进行了生动的描绘，解释了这些动作背后蕴含的精气神，以及它们如何帮助演员塑造人物的内心世界。比如，“甩袖”不仅仅是简单的动作，可以表现人物的愤怒、悲伤、甚至内心的纠结。而“亮相”则是在关键时刻，演员通过凝固的姿态，将人物的情感和状态推向高潮，给观众留下深刻的印象。他强调了戏曲表演的“以形传神”的特点，即演员通过高度程式化的动作，来传达人物的情感和意境，而不仅仅是模仿现实。通过对不同行当的表演程式进行对比，例如生行“起把式”的刚劲有力，旦行“小碎步”的轻盈曼妙，净行“走边”的沉稳厚重，丑行“歪步”的滑稽可笑，让读者对戏曲表演的精妙之处有了更深入的理解。
评分书中对于戏曲的“传承”与“发展”的探讨，让我深思许久。作者并没有站在一个保守的角度，仅仅强调对传统艺术的守护，而是辩证地分析了戏曲在历史长河中的变迁与演进。他回顾了戏曲从早期的“杂戏”到“南北朝”的融合，再到元杂剧、明清传奇的繁荣，以及近代以来面对电影、电视剧等新兴媒介的冲击，戏曲所经历的艰难与转型。他并没有回避戏曲在当代的困境，如观众流失、人才断层等问题，但他更着重于那些为戏曲传承与发展做出努力的探索者。他引用了许多现代戏曲的例子，如《沙家浜》、《红色娘子军》等，分析了它们如何在保留传统精华的同时，融入新的时代精神和艺术元素。他认为，戏曲的生命力在于其“活态传承”，即在传承经典的同时，也要不断地进行创新和发展，才能与时俱进，吸引新的观众。他鼓励读者去亲身感受戏曲的魅力，去支持那些致力于戏曲事业的艺术家和团体，因为戏曲的未来，需要每一个人的关注和参与。这本书让我认识到，戏曲并非是尘封在历史中的古董，而是一种充满活力的艺术形式，它既承载着厚重的民族文化，又在不断地焕发新的生机。
评分对于戏曲的“打”——也就是武打表演，作者的描写更是充满了力量和技巧。他并没有将它们简单地等同于武术，而是深入分析了戏曲武打的独特性，即它是一种高度程式化、带有观赏性和表现性的“武戏”。他详细介绍了戏曲武打的“程式化”特点，如“起霸”、“翻身”、“跌扑”、“跟头”等，以及这些动作是如何在舞台上通过演员的配合和技巧来完成的。他特别强调了戏曲武打的“空打”和“实打”的区别，以及两者在表现力上的差异。例如，“空打”是通过演员的动作和假借的道具来表现搏斗的场面，而“实打”则是演员之间真实的配合和较量，但又不失艺术的含蓄和力度。作者还通过对《三打祝家庄》中孙悟空的精彩打斗，《赵氏孤儿》中程婴为救孤儿而牺牲的悲壮场面，来展现戏曲武打的魅力和其所承载的戏剧张力。他认为，戏曲武打不仅仅是为了吸引观众眼球，更是为了通过肢体语言来表现人物的勇猛、果敢，以及剧情的紧张和冲突。他细致地描述了“武净”、“武旦”、“武生”等行当在武打表演上的特点，例如武净的刚猛有力，武旦的矫健敏捷，武生的英姿飒爽。
评分这本书的封面设计虽然朴实，却透着一股沉稳的书卷气，深蓝色的底色搭配烫金的“中国戏曲概论”几个大字，让人一看便知其分量。迫不及待地翻开，首页便是作者的序言，字里行间流露着对中国戏曲深沉的热爱和几十年来躬耕不辍的学识积累。序言中，作者并没有直接抛出那些晦涩难懂的理论，而是从个人与戏曲结缘的片段娓娓道来，仿佛一位老友在向你倾诉他毕生的挚爱。他提到了儿时在戏院里对那些咿咿呀呀唱腔的懵懂，对花旦、老生、净、丑四大行当的初次印象，以及后来随着年岁增长，对戏曲背后蕴含的文化、历史、哲学思考的逐渐深入。他强调了戏曲不仅仅是表演艺术，更是中华民族几千年历史文化传承的重要载体，是活态的民族记忆。读到这里，我仿佛也跟着作者一起，回到了那个充满魅力的戏曲世界，对即将展开的旅程充满了期待。这本书并没有直接解释戏曲的分类，而是通过对各个剧种的兴衰演变进行描绘，自然而然地将昆曲、京剧、越剧、黄梅戏等一一呈现在读者眼前。作者在描述昆曲时，细致入微地展现了其“声遏行云，水磨慢板”的婉转优美，将听觉上的享受转化为文字的诗意。他用生动的笔触描绘了昆曲在明清时期的辉煌，以及近代以来的式微，但又不失对其艺术价值和文化底蕴的肯定。接着，他笔锋一转，将目光投向了京剧，详细阐述了京剧的形成过程，四大名旦的艺术成就，以及京剧在中华大地上的普及和影响。那种将不同剧种的特点、历史、代表人物融为一体的叙述方式，让我在不知不觉中，便对中国戏曲的丰富多样性有了初步的认识，而不是那种枯燥的罗列式介绍。
评分书中对于戏曲的“脸谱”和“行头”的介绍，远超乎了我对它们仅仅是“化妆”和“服装”的认知。作者将脸谱视为一种“视觉化的叙事”，将不同颜色、图案的脸谱与角色的性格、命运、甚至人物的善恶直接联系起来。他细致地解读了红色代表忠诚、正直，白色代表奸诈、阴险，黑色代表刚烈、正直，蓝色代表侠义、勇猛，绿色代表暴躁、鲁莽等等。他不仅仅是简单地介绍颜色，还深入分析了脸谱上各种图案的含义，例如眉毛的形状、眼睛的大小、鼻子和嘴巴的勾勒，都各有其特定的象征意义。他认为，脸谱是戏曲表演中一种独特的视觉语言，它能够让观众在第一时间便对角色有一个大致的了解，并为后续的剧情发展奠定基础。而“行头”，也并非简单的戏服，作者将其称为“服装化的象征”，它不仅要符合角色的身份地位，更要通过其色彩、纹饰、以及穿着的方式，来传达角色的性格特征和情感状态。比如，同样是蟒袍，不同颜色的蟒袍代表着不同的官职和地位；同样是花旦的服装，不同的款式和装饰也展现了人物的不同性格。作者通过引用《贵妃醉酒》中杨贵妃华丽的服装，《穆桂英挂帅》中穆桂英英姿飒爽的战袍，来具体阐述行头在塑造人物形象上的重要作用。
评分在谈及戏曲的角色行当时，作者并没有简单地给出“生、旦、净、丑”的定义，而是通过分析不同角色的舞台形象、表演程式、以及其所代表的社会阶层和性格特征，来深入浅出地阐释。他尤其对“净”行当的塑造进行了详细的描写，通过分析脸谱的色彩含义、表演的夸张与变形，展现了“净”角色的勇猛、威严、或狡诈等多种特质，让读者对这些鲜活的舞台人物有了更深刻的理解。他引用的例子往往是那些家喻户晓的经典剧目中的代表性角色，例如《铡美案》中的包公、《武松打虎》中的武松、《白蛇传》中的许仙和白娘子，通过对这些角色的具体分析，让理论变得更加生动和易于接受。作者还对“旦”行当的细分进行了深入探讨，不仅区分了青衣、花旦、武旦、老旦等，还通过对不同行当在表演上的细微差别进行阐述，例如青衣的端庄稳重，花旦的活泼俏皮，武旦的英姿飒爽，以及老旦的苍劲有力。这些细致的描写，让读者仿佛置身于真实的戏曲舞台，能够清晰地感受到不同角色在舞台上的魅力。他并没有直接讲解唱腔的流派，而是通过讲述不同剧种的音乐特点，以及各个剧种在发展过程中形成的独有演唱风格，来让读者体会音乐的魅力。比如，在谈到京剧的四大流派时，他并没有进行生硬的理论阐述，而是选取了梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生四位艺术大师的代表性唱段，通过对他们演唱的特点、情感表达方式的差异进行对比分析，让读者在欣赏大师的艺术魅力的同时，也了解了京剧唱腔的丰富多样性。作者还对一些地方戏曲的音乐特色进行了描绘，例如越剧的婉转悠扬，黄梅戏的质朴动人，这些描述都充满了诗意，让读者对中国戏曲的音乐文化有了更全面的认识。
评分当谈及戏曲的韵白和念白时，作者的文字仿佛也带上了独特的韵律感。他没有简单地将它们归类为“说”和“唱”，而是深入分析了不同剧种、不同角色在念白上的处理方式，以及它们如何反映人物的性格和情绪。例如，他细致地描绘了京剧青衣念白的端庄大气，花旦念白的俏皮活泼，以及老生念白的苍劲有力。他认为，戏曲的念白不仅仅是台词的传达，更是一种艺术化的语言表达，它讲究字正腔圆、抑扬顿挫，能够将人物的内心世界和情感变化淋漓尽致地展现出来。他尤其提到了“西皮”和“二黄”在京剧中的运用，以及它们各自的特点和情感表达上的侧重。作者还对一些地方戏曲的唱腔进行了细致的描写，例如越剧的婉转悠扬，黄梅戏的质朴动人，这些描述都充满了诗意，让读者对中国戏曲的音乐文化有了更全面的认识。他通过对经典唱段的解读，例如《贵妃醉酒》中杨贵妃的怨曲，《苏三起解》中苏三的唱词，让读者不仅欣赏了优美的唱腔，更体会到了词句中蕴含的深情。他强调了戏曲音乐的“唱念做打”四大基本功的相互融合，认为优秀的戏曲演员能够将唱、念、做、打有机地结合起来，创造出鲜活生动的人物形象。
评分在阐述戏曲的“做”——也就是表演技巧时，作者的描述充满了动感和画面感。他没有将“做”仅仅理解为肢体动作，而是将其视为塑造人物、表达情感、推动剧情的关键。他详细分析了“手眼身法步”这“十八般技艺”在戏曲表演中的运用，例如，演员如何通过眼神的流转来传达人物的喜怒哀乐，如何通过身段的舒展来表现人物的优雅或粗犷。他还对一些经典的“做”功进行了深入的解析，比如《霸王别姬》中项羽的“剑舞”，《三岔口》中“摸灯”的“裸做”技艺，以及《沙桥辨辱》中刘备的“摔杯”表演，这些生动的例子让读者对戏曲表演的精湛技艺有了直观的认识。作者还强调了戏曲表演的“程式化”特点，即许多动作都有固定的模式和规范，但演员却能在这些程式中注入自己的理解和创造，达到“似而不同”的艺术效果。他认为，优秀的戏曲演员是“形”与“神”的完美结合，他们不仅要掌握精湛的技艺，更要深入理解角色的内心世界，才能将人物塑造得有血有肉。他举例说，即使是同样的“起霸”动作，不同的演员在其中注入的情感和理解也会有所不同，从而呈现出不同的艺术魅力。
评分在探讨戏曲的“虚拟性”和“写意性”时，作者的文字充满了哲学思辨的色彩。他并没有直接给出这两个概念的定义，而是通过对戏曲舞台上各种艺术表现手法的生动描述，让读者自然而然地理解了戏曲艺术的独特魅力。他以“一桌二椅”为例，解释了戏曲舞台上极简的布景如何通过演员的表演和观众的想象力，化身为宫殿、战场、甚至一叶扁舟。他认为，这种“虚拟性”恰恰是戏曲艺术最迷人的地方，它激发了观众的想象力，让观众成为戏曲艺术的共同创造者。他详细阐述了戏曲表演中的“假定性”，例如演员用手比划“开门”，观众便能看到一扇无形的门；演员用脚“走台”，观众便能感受到其行进的距离和速度。他还深入分析了戏曲的“写意”手法，即它不追求对现实的完全模仿，而是通过提炼、夸张、象征等方式，来表现人物的情感和精神。例如，戏曲中的“哭”不只是眼泪，而是通过演员的唱腔、身段、以及眼神来共同传达。这种对虚拟性和写意性的深入剖析，让读者对中国戏曲的艺术本质有了更深刻的理解，认识到它是一种高度提炼和象征性的艺术形式。
评分完全不是我想要的
评分应该是读的第一部专著了8
评分应当是第一部中国戏曲通史，比较简略，所以感觉学术史的意义恐怕比纯学术的意义更大一些。就戏曲创作的成就而言，作者认为元代＞明代＞清代；元代风格“苍莽雄宕”，“词以朴拙胜”‘而明代“国风”大变，读者审美趋向亦随之改变，因而虽能“成一代特殊之乐章”，但已无元剧之气魄，故“远不及元”了；作者精英意识似乎比较强烈，站定雅趣之立场，不论花部，所以清剧就更是每况愈下了。作者很关注戏曲的社会教化作用，同时当然也非常重视其艺术成就；他认为剧作家应当精雕细琢，同时要追求达到自然的境界。
评分<电子书>戏曲入门书籍，感觉比王国维那本更清晰更接地气。杂剧、南戏、传奇、散曲、昆曲、秦腔、京剧，傻傻分不清楚。
评分寒假读完的第二本专著~
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