具体描述
《职工薪酬核算与管理》详细介绍了职工薪酬核算与管理方面的内容，共包括五个单元：职工薪酬的计算、职工薪酬的发放与分配、社会保险的办理、住房公积金的办理、职工薪酬的管理。《职工薪酬核算与管理》的主要特色：①教材的编写本着理论与实践一体化原则，坚持以“工作过程为导向”作为教材设计理念，体现了务实和创新的特色；②将企业的具体工作内容设计成案例或任务，体例设计简明易读，编排形式多样；③教材内容丰富，资料新颖，覆盖面广，涵盖职工薪酬核算与管理的全部内容；④引领学习者走近职场，力现工作情境，解决实际问题，重在培养能力。
《职工薪酬核算与管理》是一本集知识讲解、过程学习、技能训练、能力拓展为一体的新型教材，可作为中等职业教育财会专业教材、社会认证考试培训教材，也可供广大会计工作人员参考学习。
探索中国古代绘画的意境之美：从山水到人物的艺术之旅 本书旨在深入剖析中国古代绘画的独特魅力，带领读者穿越时空的洪流，领略那些凝固在宣纸与丝帛上的精神意境。我们并非关注具体的技法训练或是某个画种的分类考据，而是聚焦于中国古代绘画作品中所蕴含的哲学思考、人文情怀以及艺术家们如何通过笔墨的挥洒，将抽象的情感与深邃的意境具象化。 第一部分：山水意境的栖居 中国古代绘画，“山水”二字便占据了举足轻重的地位。但我们所探讨的山水，并非单纯的自然风光描摹，而是艺术家们借自然之景，寄托情思，表达“天人合一”的宇宙观。 山水的精神维度：我们将从“搜尽奇峰打草稿”的写生精神出发，探讨艺术家如何通过观察与体验，捕捉山川的骨骼与神韵。但这并非写实主义的简单复制，而是艺术家在自然中“得我者，何止我山水！”的顿悟。他们所画的山水，是心中之山水，是情感之山水。例如，宋代范宽的《溪山行旅图》，那巍峨的山峦，层层叠叠，仿佛蕴含着吞吐乾坤的宏大气魄；而元代黄公望的《富春山居图》，则展现了文人寄情山水的闲适与超然。我们将解析这些作品中，艺术家如何通过皴法、墨色的浓淡干湿，勾勒出山石的肌理，表现其体积感和质感，更重要的是，传达出一种雄浑、沉静、幽远的气韵。 留白与虚境的诗意：中国画的另一大特色是“留白”。这并非简单的空白，而是“虚境”。它是画面不可或缺的一部分，是引发观者想象力的空间。我们将深入探讨留白在山水画中的作用：它能营造深远的意境，暗示空间的无限，更能让观者参与到创作过程中，在“无”中生“有”，体验画外之意。如同宋代马远的《寒江独钓图》，寥寥数笔，一个孤舟，一个渔翁，江面茫茫，留白处仿佛能听到江风的呼啸，感受到冬日的寒意。我们也会分析，艺术家如何巧妙地运用湿墨、淡墨，使得画面既有实体的厚重，又有虚幻的缥缈，达到“可行、可望、可游、可居”的理想山水境界。 点景人物的情感寄托：山水画中常常出现的人物，他们往往不是画面的主体，却是画面的灵魂。这些或观瀑、或品茗、或行旅的人物，并非画家记录生活的流水账，而是艺术家精神情感的投射。他们或渺小，衬托出山水的壮丽；或悠闲，寄托了对隐逸生活的向往。例如，元代王蒙的《青卞隐居图》，画面中隐藏的隐士，正是画家内心渴望超脱尘世的写照。我们将探究，这些点景人物的身份、姿态、与环境的互动，如何深刻地揭示了画家的审美情趣和人生哲学。 第二部分：人物画中的精神肖像 除了山水，人物画也是中国古代绘画的重要组成部分。但中国古代人物画，远不止于记录人物的形貌，更是力图捕捉人物的精神气质，展现其内在的品格与情感。 “以形写神”的艺术追求：“以形写神”是中国古代人物画的最高境界。我们并非仅关注人物的五官比例、服饰穿戴是否准确，更着重于艺术家如何通过对人物神态、眼神、姿态的细腻刻画，将人物的性格、情绪、乃至内在的精神世界呈现出来。唐代阎立本的《步辇图》，唐太宗与吐蕃使臣的对话，虽是历史场景，但人物的表情、眼神，都透露出帝王的威严、使臣的恭敬，以及当时复杂的外交氛围。我们将分析，艺术家如何通过线条的粗细、顿挫，墨色的晕染，以及色彩的搭配，来塑造人物的立体感和生命力。 仕女画中的风情与雅韵：仕女画是中国人物画中的一个重要分支，它描绘了古代女性的生活场景和情感世界。我们所关注的，并非仅仅是女性的容貌，更是通过她们的服饰、妆容、发髻，以及在闺阁中的活动，来展现不同时代、不同阶层的女性的审美情趣和生活方式。唐代周昉的仕女画，丰腴的体态，华丽的服饰，展现了大唐盛世的富丽与雍容；而宋代李公麟的《维摩诘像》，虽是宗教题材，但其中人物的宁静与智慧，同样是对精神层面的深刻描绘。我们将探讨，仕女画如何通过对人物姿态的优美化处理，以及对生活细节的精心描绘，来传达一种含蓄、内敛、典雅的东方美学。 历史与宗教题材的深层解读：中国古代人物画也大量涉及历史故事和宗教题材。这些作品，不仅是故事的再现，更是艺术家对历史事件的解读，对人生哲理的思考，以及对精神信仰的表达。例如，明代唐寅的《枯木观音》，观音的超凡脱俗，神情中的慈悲与忧思，都体现了艺术家对宗教的理解和个人情感的融入。我们将分析，艺术家如何在遵循故事情节的同时，注入自己的理解与情感，通过人物的造型、表情、以及整体氛围的营造，来引发观者对历史、对人生、对信仰的思考。 第三部分：笔墨意象的生命力 无论是山水还是人物，最终都离不开“笔墨”这一核心载体。中国古代绘画的魅力，很大程度上也体现在其独特的笔墨语言。 线条的韵律与力量：线条是中国画的骨骼。我们将不再局限于讲解线条的勾勒技巧，而是深入探讨线条所蕴含的节奏、韵律与生命力。一根直线可以表现山的刚毅，一根曲线可以表现水的柔美，点、划、钩、剔，各种线条的变化，如何组合成千变万化的形象，又如何传达出不同的情感力量。我们将分析，古代艺术家如何通过对线条的极致运用，使其既能描绘物象，又能抒发情感，达到“写”的目的。 墨色的层次与变化：墨，是中国画的灵魂。墨的浓淡干湿，层次的丰富变化，是中国画独有的表现力。我们将探讨，墨色是如何被艺术家用来表现物象的体积、质感、光影，以及画面的空间感和氛围感。湿墨的渲染可以表现云雾的朦胧，干墨的皴擦可以表现山石的苍劲，浓墨的提染可以表现物体的质感。我们将看到，墨的运用并非单一的黑色，而是蕴含着万千色彩的可能性，能够营造出宁静、深邃、沉郁、或轻快等各种不同的意境。 点触的生命迹象：除了线与墨，中国画的点触同样充满生命力。这些看似随意的一点，可能是一滴露珠，可能是一片苔藓，也可能是人物画中眼中的灵光。我们将探讨，这些点触如何起到画龙点睛的作用，如何增强画面的生动性，以及如何与整体的笔墨语言相互呼应，共同构建出画面的意境。 结语：在观看中体悟，在体悟中传承 本书并非旨在教授一套僵化的绘画技法，而是希望通过对中国古代绘画作品的深入解读，引导读者去感受、去理解、去体悟其中蕴含的东方哲学、人文精神和艺术审美。我们鼓励读者在欣赏每一幅作品时，不仅仅停留在表面的形象，更能深入其肌理，去感受艺术家们倾注其中的情感与思考，去体味那份超越时空的意境之美。通过这样的学习，我们希望能够激发读者对中国传统艺术的兴趣，并将其中的精髓融入到我们当下的生活与思考之中。
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