1st Valencia Biennial

出版者:Charta

作者:Peter Greenaway

页数:470

出版时间:2002-01-15

价格:USD 49.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9788881583362

具体描述

Centered on innovation as the language of contemporary culture, Valencia featured artists including Nobuyoshi Araki, Peter Greenaway, Mona Hatoum, CLegg & Guttman, and Maja Bejevic.

用户评价

这本书的装帧工艺本身就值得称赞，看得出出版方在细节上是下了血本的。纸张的选择非常讲究，不同部分的插图使用了不同克重和处理工艺的纸张，比如那些需要展示原作细节纹理的雕塑摄影，用了偏哑光、高密度的铜版纸，而那些需要展现大面积色彩饱和度的绘画作品，则用了表面略带光泽的纸张，这种触感上的变化，极大地丰富了阅读体验。我甚至可以感受到那种策展人试图在平面媒介上重建三维空间的努力。当然，作为一本汇集了多国艺术家的画册，不同国家、不同艺术背景的创作者带来的风格差异是必然的，有些作品的印刷效果就显得略微逊色，色彩的层次感似乎在转印过程中有所损失，这或许是跨文化印刷品难以避免的遗憾。但瑕不掩瑜，整体的呈现水平，无疑是国际一流的，它成功地将一场空间性的艺术盛事，转化成了一本可以被反复摩挲、细细品味的实体文献。

说实话，我更偏爱那些能让我产生强烈共鸣的、更贴近“人”的作品，而不是那些过度依赖高科技或复杂工程的展示。在这本册子里，我惊喜地发现了不少这样的“柔软”角落。其中一组关于家庭记忆的影像记录，简直是神来之笔。拍摄者用一种近乎冷峻的、纪录片的视角，记录下那些代际之间无声的传承和疏离。画面中的老人们，他们的眼神里有太多未曾言说的故事，岁月的痕迹清晰可见，比任何华丽的辞藻都更有力量。我看到其中一个片段，一个孩子笨拙地试图学习祖父修理钟表的动作，那种专注和不耐烦的混合情绪，瞬间把我带回了童年某个被遗忘的下午。这种对日常瞬间的精准捕捉和放大，让整个展览的基调从宏大叙事中抽离出来，变得非常私人化。编辑在排版上也花了心思，将这些相对安静的作品放在一起，形成了一个可以让人喘息、沉思的“静默区”，这对于观看如此多高强度艺术品的读者来说，是一种必要的缓冲和引导。

从批判性角度来看，如果说有什么地方让我感到稍许的困惑或是不满，那可能在于部分理论阐述的冗余。艺术作品本身应该“说话”，而某些板块的文字说明，似乎过于热衷于将作品放置在一个预设好的、宏大的“主义”框架下进行解读。我理解理论分析的重要性，但当解读的语言变得过于学院化、过于沉重时，反而会成为观众理解作品的障碍。有时候，只需要作者的一句短小的创作自述，或者仅仅是作品的标题，就足以激发出读者心中最本真的感受。我不得不承认，在翻阅那些标榜“后结构主义反思”或“批判性地缘政治介入”的篇章时，我的注意力很难集中。这可能反映了当代艺术界一个普遍的倾向：对阐释的过度依赖，似乎担心如果没有一套复杂的理论支撑，作品本身的力量就会被削弱。我更倾向于相信，那些真正有力量的作品，即便只是一个简单的图形或一块废弃的材料，其所蕴含的能量也足以穿透任何理论的壁垒。

我最喜欢这本书的一点是它对于“地域性”与“全球化”之间张力的探讨，这一点贯穿始终，即便不是直接的主题，也潜藏在每一个作品的底色之中。瓦伦西亚，这座兼具历史厚度和地中海门户地位的城市，本身就是一个充满矛盾的交汇点。册子里有一组非常引人注目的建筑摄影，它们捕捉了新旧建筑交锋的瞬间——古老的石砌墙体旁，突兀地矗立着充满未来感的玻璃幕墙，这种强烈的并置，让人联想到全球化浪潮对地方身份的冲击和重塑。这种张力不仅仅体现在视觉上，更渗透到了材料的选择、叙事角度的选取中。一些作品明显带有强烈的本地文化符号，但在表达方式上却采用了国际通行的现代艺术语汇，这种融合与碰撞，令人深思。它没有给出简单的答案，没有宣扬某种单一的文化优越性，而是提供了一个观察当代文化生态如何在高压下求生存、求表达的绝佳窗口，让人读完后，不仅对艺术有了新的认识，也对不同文化间的对话模式有了更细致的体会。

这本厚重的画册拿到手里，首先给我的感觉就是一种沉甸甸的、带着历史厚度的存在感。封面设计极简，或许正是为了突出内部作品本身的张力。我本来对“双年展”这种官方性、学术性的活动抱持着一种敬而远之的态度，总觉得会充斥着晦涩难懂的理论和标新立异却缺乏根基的装置艺术。然而，翻开内页，这种预设立刻被打破了。我仿佛置身于瓦伦西亚那片古老而又充满现代活力的土地上，空气中弥漫着地中海的咸湿气息和新鲜混凝土的气味。那些摄影作品，特别是关于城市肌理变迁的系列，那种细腻的光影处理，简直让人呼吸困难。它们不是在记录，而是在解剖，将时间切片固定在胶片上，让你不得不去思考，我们脚下的土地在过去几十年间究竟经历了怎样的蜕变。有几幅大型装置艺术的照片，虽然无法亲临现场感受那种空间压迫感，但构图本身就极具叙事性，那种将日常物件提升到哲学层面的手法，着实高明，让人忍不住停下来，试图从那堆看似随机的物品中找出作者埋藏的线索。整体而言，这更像是一部关于“场所精神”的深度田野调查报告，而不是简单的艺术展选集。