Performance Artists Talking in the Eighties

出版者:University of California Press

作者:Linda M. Montano

页数:553

出版时间:2000-10-16

价格:USD 25.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780520210226

具体描述

Performance artist Linda Montano, curious about the influence childhood experience has on adult work, invited other performance artists to consider how early events associated with sex, food, money/fame, or death/ritual resurfaced in their later work. The result is an original and compelling talking performance that documents the production of art in an important and often misunderstood community. Among the more than 100 artists Montano interviewed from 1979 to 1989 were John Cage, Suzanne Lacy, Faith Ringgold, Dick Higgins, Annie Sprinkle, Allan Kaprow, Meredith Monk, Eric Bogosian, Adrian Piper, Karen Finley, and Kim Jones. Her discussions with them focused on the relationship between art and life, history and memory, the individual and society, and the potential for individual and social change. The interviews highlight complex issues in performance art, including the role of identity in performer-audience relationships and art as an exploration of everyday conventions rather than a demonstration of virtuosity.

用户评价

我对这本书的关注点更多地集中在语言和语境的张力之上。表演艺术本身就是一种极度依赖情境的媒介，而八十年代的纽约、伦敦或柏林，它们各自的文化土壤对于表演艺术的塑造必然是千差万别的。我非常好奇，书中是否能呈现出不同地域的艺术家在面对相似的社会议题时，如何运用截然不同的表演语言进行回应。例如，面对艾滋病危机和身份政治的崛起，他们的身体是如何成为抵抗或记录的工具的？那些口述的片段，是否保留了大量俚语、行话，甚至是只有圈内人才能理解的典故？如果这本书仅仅是整理了那些老生常谈的艺术理念，那它的价值就会大打折扣。我更倾向于那些充满“噪音”和“失真”的对话，那些关于技术滥用、关于身体极限的脆弱性，以及关于“美学”与“伦理”之间拉锯战的深入探讨。这本书对我而言，不应该只是一部艺术史的脚注，而应该是一份关于“感知力”的时代档案，记录下当时的艺术主体是如何在充斥着新奇与危险的世界中，努力保持其敏锐和清醒的。

这本书的标题《Performance Artists Talking in the Eighties》本身就充满了那个时代特有的先锋和实验精神，让人忍不住想一头扎进去，看看那些在舞台上挑战传统、用身体和声音撕裂既有边界的艺术家们，在八十年代这个风云变幻的十年里，他们究竟在“说”些什么。我尤其期待能从中窥见，在那个冷战尚未完全结束、新自由主义思潮涌动的年代，表演艺术如何成为一种直接的社会批判和个人宣言的场所。我总觉得，八十年代的表演者们，他们的对话绝不会是温吞水的学术探讨，而更像是一场场即兴的、充满火药味和哲学思辨的碰撞。他们如何看待媒介的介入？身体的政治性在那个时期是如何被重新定义的？是否还有对后结构主义思潮的直接回应？我设想其中会有大量关于身体的边界、身份的流动性，以及艺术在商业化浪潮中的挣扎与反抗的深刻剖析。这本书的价值，我想一定在于它捕捉到了一个关键的历史断层，用第一人称的叙述，还原了艺术生态在转型期的脉搏。它应该像一面棱镜，折射出当时艺术圈那种既兴奋又迷茫的复杂情绪，是研究当代艺术史绕不开的一手资料，那种未经修饰的、最直接的声音，才最有力量。

读完对这本书的想象，我感到一种难以言喻的激动，它代表着一种对纯粹艺术探索精神的致敬。八十年代，对于许多人来说，是后现代主义达到高潮又开始瓦解的时期，表演艺术家们在那个十字路口上，不得不做出艰难的抉择：是拥抱数字化和商业化的洪流，还是坚守更具抵抗性的剧场传统？我希望书中能捕捉到这种内在的张力。我尤其关注那些关于“失败”和“遗忘”的讨论，毕竟，在那个信息爆炸的年代，许多前卫的尝试可能很快就被主流遗忘。这本书若能将那些被埋没的声音重新带回聚光灯下，让它们在今天的语境中重新发声，那它的意义就非同凡响了。它不应该只是怀旧，而是要展现出这些“八十年代的对话”是如何为我们理解当下的艺术困境，提供了坚实的思想基础和丰富的参照样本。这本书，对我来说，是对“艺术的韧性”的一次深刻探寻。

这本书的结构和呈现方式想必也经过了深思熟虑。我猜想，如果它仅仅是按照时间顺序排列对话，可能会显得有些单调。我更希望看到的是一种策展式的编排，也许是按照主题——比如“身体的解构”、“媒介的迷恋”、“公共空间的政治”——将分散在不同年份的访谈片段进行重组，这样才能最大化地凸显出特定议题在十年间的演变轨迹。如果能够加入当时的一些环境描述或者相关的视觉资料说明（即使文字中没有直接呈现图片），那将极大地增强阅读体验。我想象着，其中一定会有关于那些标志性作品的诞生细节，艺术家们是如何克服预算的限制、如何与舞美技术人员周旋，以及如何在审查制度的边缘跳舞的幕后故事。这些具体的、充满细节的叙述，才是真正构建起一个艺术年代感的基石。这本书若能做到这一点，它就超越了简单的口述历史，而成为了一部关于“创造性劳作”的微观社会学报告。

翻开这本书的篇章，我首先感受到的是一种强烈的现场感和时代错位感，仿佛时间机器启动，将我瞬间抛回那个充斥着合成器音乐、霓虹灯光和地下文化暗涌的十年。我一直在琢磨，这些艺术家们在谈论创作时，语气会是怎样的？是带着早期先锋艺术家的那种固执和理想主义，还是已经开始流露出对市场和体制的某种妥协或嘲讽？八十年代，可以说是一个文化转折点，朋克精神在某种程度上被吸纳或异化，表演艺术也必然要面对如何保持其反叛性，同时又不至于被完全边缘化的问题。我期待看到的是那些关于“在场”与“缺席”的辩证，他们如何处理录像、摄影这些新的记录技术对“瞬间性”艺术的冲击。如果书中收录的访谈足够坦诚，我们应该能看到关于“谁有权力定义艺术价值”的激烈争论，以及艺术家群体内部对于商业画廊和非营利空间不同路线的选择与冲突。这种关于生存策略的讨论，往往比纯粹的理论探讨更能揭示一个艺术时代的底色。我希望，这些对话能清晰地勾勒出，在那个经济快速发展与社会焦虑并存的年代，表演艺术的“疼痛点”和“兴奋点”究竟在哪里。