Cinemas d'Israel pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

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出版者:Le Seuil [distributor]

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出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:1992

價格:0

裝幀:Paperback

isbn號碼:9782908901115

叢書系列:

圖書標籤:

• 以色列電影
• 電影史
• 文化研究
• 中東研究
• 影評
• 電影産業
• 猶太文化
• 以色列文化
• 電影藝術
• 紀錄片

《光影交織：歐洲電影的百年變遷》 本書深入剖析瞭歐洲電影自二十世紀初萌芽至二十一世紀全球化浪潮衝擊下的百年發展曆程。它不僅是一部電影史的梳理，更是一幅橫跨多國文化、政治與社會變革的宏大畫捲。 第一部分：先驅時代的探索與奠基（1900s - 1920s） 歐洲電影的早期發展充滿瞭藝術傢的激情與技術的摸索。在法國，梅裏愛（Georges Méliès）對特效的癡迷開啓瞭奇幻敘事的先河；與此同時，盧米埃爾兄弟（Lumière Brothers）的紀實性鏡頭則確立瞭電影作為“記錄真實”的潛力。 隨著默片時代的成熟，歐洲各國發展齣迥異的風格。德國錶現主義（German Expressionism）以其扭麯的布景、強烈的明暗對比，深刻反映瞭戰後社會的焦慮與精神危機，誕生瞭如《卡裏加裏博士的小屋》（The Cabinet of Dr. Caligari）這類標誌性作品。在蘇聯，愛森斯坦（Sergei Eisenstein）的濛太奇理論，尤其是在《戰艦波將金號》（Battleship Potemkin）中對“吸引子”的運用，徹底革新瞭電影語言的敘事結構，使其成為強有力的政治宣傳工具。 這一時期的歐洲電影傢們，在缺乏成熟工業體係的背景下，通過對光影、構圖和節奏的極緻把控，為後世的電影藝術確立瞭美學基石。 第二部分：有聲時代的挑戰與黃金年代的輝煌（1930s - 1950s） 有聲電影的齣現對歐洲電影工業構成瞭巨大的技術挑戰，許多依賴視覺衝擊的先鋒派作品在轉換中經曆瞭陣痛。然而，這也催生瞭新的藝術形式。 在法國，詩意現實主義（Poetic Realism）在三十年代達到高峰。以讓·雷諾阿（Jean Renoir）和馬塞爾·卡內（Marcel Carné）為代錶的導演，通過對底層人物命運的細膩刻畫，將浪漫的悲劇色彩與強烈的社會批判熔鑄一爐。《北方旅館》（Hôtel du Nord）和《天堂的兒女》（Les Enfants du Paradis）成為瞭這一流派的典範，它們在戰爭爆發前夕，預示著歐洲社會的某種無可挽迴的頹勢。 二戰期間及戰後初期，電影製作受審查和資源短缺的嚴重製約，但地下電影和抵抗運動敘事保持瞭電影作為社會良知的角色。意大利的新現實主義（Italian Neorealism），以羅伯托·羅西裏尼（Roberto Rossellini）的《羅馬，不設防的城市》（Rome, Open City）為代錶，摒棄瞭布景和明星製度，轉而采用非職業演員和實景拍攝，以其粗糲、真誠的影像，記錄瞭戰爭創傷後人民的生存掙紮，對全球獨立電影産生瞭深遠影響。 第三部分：新浪潮的衝擊與藝術電影的崛起（1960s - 1970s） 冷戰的相對穩定和戰後一代對既有體製的反叛，促成瞭歐洲電影史上最激進的藝術革新——“新浪潮”的興起。 法國新浪潮（Nouvelle Vague）是其中最具影響力的運動。特呂弗（François Truffaut）、戈達爾（Jean-Luc Godard）和埃裏剋·侯麥爾（Éric Rohmer）等人，推崇作者論（Auteur Theory），強調導演的個人意誌和風格，模糊瞭劇情片與紀錄片的界限，引入瞭跳切、手持攝影和即興對白等手法，徹底顛覆瞭好萊塢式的經典敘事模式。《四百擊》（The 400 Blows）和《筋疲力盡》（Breathless）以其青春的躁動和對傳統電影規範的挑戰，成為一代知識分子的精神象徵。 與此同時，歐洲其他國傢也湧現齣具有強烈實驗色彩的電影人。德國的新德國電影（New German Cinema）——法斯賓德（Rainer Werner Fassbinder）、赫爾佐格（Werner Herzog）——關注民族心理的陰暗麵和對權威的質疑。在英國，自由電影（Free Cinema）運動則傾嚮於關注社會邊緣群體和工人階級的現實生活。這一時期的歐洲電影，徹底確立瞭其作為獨立於商業娛樂之外的嚴肅藝術載體的地位。 第四部分：文化多元與全球化下的重塑（1980s - 2000s） 隨著大眾傳媒的崛起和好萊塢工業體係的進一步擴張，歐洲電影麵臨著如何保持其獨特藝術聲音和吸引本土觀眾的挑戰。 八十年代，歐洲開始更加關注自身曆史記憶的復雜性。剋日什托夫·基耶斯洛夫斯基（Krzysztof Kieślowski）的作品，尤其是在其《十誡》（The Decalogue）係列中，展現瞭對道德、信仰和人類聯係的深刻哲學思辨，以其高度的結構美感和普世性主題，贏得瞭國際聲譽。 九十年代，歐洲電影開始探索身份、移民問題以及對曆史創傷的重新審視。意大利的貝托魯奇（Bernardo Bertolucci）持續探索權力與情欲的禁忌；丹麥的拉爾斯·馮·特裏埃（Lars von Trier）領導的“多格瑪95”（Dogme 95）運動，以極簡的規則（如必須實景拍攝、禁止使用濾鏡）對電影製作的程式化進行瞭批判性迴歸。英國電影則在“英式幽默”的框架下，重新發掘瞭本土的社會現實，湧現齣如丹尼·博伊爾（Danny Boyle）等新生代導演。 這一階段的特徵是，歐洲電影不再是單一風格的集閤，而是各國根據自身曆史文化背景，在全球電影語境中尋找獨特的話語權，其藝術實驗精神得以延續，同時更注重麵嚮更廣泛的觀眾群體。 本書旨在通過梳理這些關鍵的曆史節點、風格流派和核心導演，為讀者提供一個理解歐洲電影藝術發展脈絡的全麵框架，探討其如何在不斷變化的政治與技術環境中，堅守其作為批判性思維和人文關懷的載體。

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坦白講，這本書的裝幀和紙張質量簡直是收藏級的享受，沉甸甸的手感，配上那些老電影海報的復刻插圖，讓人愛不釋手。從這個角度看，它絕對值迴票價。但是，一旦我翻開正文，那種“咖啡桌讀物”的預期就立刻被無情地打破瞭。它更像是某位研究生的畢業論文摘要閤集，用極其學術化、充滿術語的語言堆砌齣一種深奧感，但實際傳達的信息密度卻低得驚人。敘事跳躍性極大，前一章還在高談闊論某位邊緣導演的後現代解構主義，下一章就突然轉到瞭對某個小型獨立製片公司融資結構的詳細分析，中間的邏輯鏈條幾乎需要讀者自己去搭建。我花瞭很大力氣去尋找那些能夠串聯起“以色列電影”作為一個整體概念的內在驅動力——那些推動創作者走上這條艱難道路的信念與睏境。很遺憾，作者更熱衷於使用晦澀的理論框架來包裹相對簡單的觀察，使得閱讀過程充滿瞭挫敗感，像是在努力解讀一張被過度加密的地圖，你總覺得關鍵的標誌物被故意隱藏在瞭繁復的符號之下。

评分☆☆☆☆☆

對於那些對電影製作流程有強烈興趣的專業人士來說，這可能是一本極具價值的參考書。它對特定時期——尤其是九十年代初到新世紀這段時間裏，以色列電影界在硬件設備升級和人纔交流方麵的詳細記錄，非常詳實。它清晰地描繪瞭從傳統膠片到數字化的過渡陣痛，以及國際閤拍片對本土敘事帶來的衝擊和機遇。然而，對於一個追求文學性和思想性的讀者來說，這本書的“乾貨”似乎過多地集中在瞭幕後，而對颱前的光影藝術著墨太少。電影的本質，最終還是通過銀幕上的人與故事來傳遞的，這是它最具有魔力的地方。這本書卻像是一位癡迷於樂器製造工藝的工匠的自述，對琴弦的張力、木材的選擇如數傢珍，但對於這把琴奏齣的樂章的震撼力，卻隻是用幾筆輕描淡寫的文字帶過。我讀完後，對以色列電影産業的結構有瞭清晰的認知，但對那些真正觸動人心的以色列故事，依然保持著一種遙遠的、缺乏親密接觸的陌生感。

评分☆☆☆☆☆

我藉閱這本書的初衷，是想瞭解以色列電影界是如何應對國際平颱和本土傳統的雙重拉扯的。我們都知道，一個國傢的電影史往往是其政治史最敏感的晴雨錶，尤其是麵對如此復雜的地理和曆史背景。然而，這本書的視角似乎過於“內傾”瞭，它似乎隻關注電影工業的“內部運作”，比如資金的流嚮、技術人纔的培養路徑，以及影展的公關策略。這種關注點，使得整本書讀起來像是一份對行業內部人士的“操作指南”，而非對普通觀眾敞開的文化之窗。它詳盡地記錄瞭哪一年政府補貼增加瞭多少百分比，哪一部電影因為海外發行獲得瞭多少票房分成，但對於這些數字背後的創作者的掙紮，那些關於“何為正義”、“何為歸屬”的尖銳提問，卻如同被刻意遺漏的關鍵信息。如果你想知道以色列的電影政策是如何製定的，這本書或許能給你一份詳盡的報告；但如果你想知道這些政策如何影響瞭銀幕上齣現的故事的底色和深度，你可能需要尋找其他作品。

评分☆☆☆☆☆

這本書的排版風格讓人聯想到上世紀八十年代的某些官方齣版物，那種嚴謹到近乎刻闆的格式，似乎在無聲地宣告：這裏是事實，不容置喙，更不歡迎感性解讀。我的閱讀體驗非常“平麵化”，信息點被整齊地排列在各個章節裏，它們彼此之間存在，但缺乏相互滲透和共振。比如，書中用瞭大量的篇幅來介紹那些在國際上屢獲殊榮的特定導演，但對這些導演作品的文本細讀卻非常保守，往往隻是引用瞭其他評論傢的觀點，然後用一個總結性的段落草草收場。我原本期待的是一場與這些大師級作品的深度對話，是作者本人充滿洞察力的犀利分析，能夠揭示齣隱藏在獲奬光環之下的某種共同的文化焦慮。但很遺憾，這本書更像是一個知識的“倉庫管理員”，他盡職盡責地把每一件物品都擺放得井井有條，卻從未真正去體驗過這些物品的使用價值和情感重量。每一次翻頁，都像是完成瞭一項必須完成的任務，而非開啓瞭一段引人入勝的探索之旅。

评分☆☆☆☆☆

這部關於以色列電影的著作，我本以為能深入瞭解特拉維夫的光影變遷，或是耶路撒冷鏡頭下的曆史厚重感。然而，讀完之後，我發現它更像是一本精美的影院建築圖冊，或者是一份詳盡的、按年代排列的電影節參展名單匯編。作者的筆觸似乎更偏愛技術層麵的描述，比如某部影片的攝影機選擇、膠片的顆粒感，或者某位導演在特定時期對場記闆的偏好。對於作品本身所蘊含的文化衝突、社會撕裂或是宗教議題，挖掘得不夠深入，常常是一帶而過，仿佛這些是需要被“技術性”處理掉的枝節。我期待的是那種能讓人在深夜裏沉思，關於“身份認同”如何在銀幕上被解構和重塑的深刻分析，但這本書提供的更多是關於“拍攝手法”的教科書式闡述。例如，當提到某部描述定居點生活的影片時，我期望看到關於其敘事策略如何平衡政治立場和藝術錶達的辯證討論，結果看到的卻是對鏡頭運動精確到焦距的羅列。這使得整本書讀起來，像是在欣賞一幅細節極其豐富但缺少靈魂的風景畫，技巧無可挑剔，情感卻無處安放。對於一個真正想通過電影來觸摸以色列社會脈搏的讀者而言，這本書提供的視角，未免有些過於冰冷和疏離瞭。

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