Selected Organ Works, Vol 3

作者:Alfred Publishing 编

页数:96

出版时间:1985-3

价格:$ 19.15

isbn号码:9780769242606

用户评价

最近在二手书店淘到一本极其冷门的书，叫《二十世纪电子音乐的拓扑结构》。说实话，这本书完全颠覆了我对“音乐”的传统认知。它不是在讨论合成器如何发出美妙的声音，而是将声音视为一种可以被数学建模和空间重构的物理现象。作者花了大量篇幅去解释频谱分析、傅里叶变换在音乐合成中的应用，以及如何通过非线性系统来模拟自然界中的随机过程。阅读这本书需要很强的空间想象力和对高等数学的一些基础概念的了解，我坦白说，很多关于“分形维度”和“混沌理论在声场构建中的应用”的部分，我只能囫囵吞枣地略过。然而，那些讲解早期磁带音乐实验和空间化处理的部分却让我着迷。它让我意识到，那些听起来“怪异”的噪音，其实是作曲家们对传统音高和节奏体系的彻底反叛，他们试图用一种更纯粹的、物理性的方式来组织听觉体验。这本书对于那些沉迷于传统和声的音乐家来说，可能是一剂猛药，它强迫你跳出“旋律-和声-节奏”的框架，去思考声音本身作为一种物质的可能性。它不是一本让你学会作曲的书，而是一本让你重新审视听觉世界的哲学指南。

我最近入手了一本关于十九世纪浪漫主义钢琴协奏曲创作手法的专著，书名叫《Virtuosity and Emotional Excess: The Concerto in the Age of Liszt》。这本书的切入点非常犀利，它没有停留在曲目分析上，而是深入探讨了“炫技”本身如何被用来表达作曲家和演奏家内心极度膨胀的个人情感。作者以李斯特和勃拉姆斯为例，细致地剖析了当时钢琴技术如何被推向极限，以及这种极限如何反过来塑造了听众对“英雄式”音乐的审美期待。书中对我影响最大的是关于“宿命感”的讨论，很多协奏曲的慢乐章，那种看似温柔的旋律下，隐藏着如何通过细微的力度变化和节奏的延迟来暗示无法逃脱的悲剧命运。作者引用了大量当时的乐评和私人信件，使得分析不仅仅是冰冷的技术剖析，而充满了那个时代特有的戏剧张力。我特别喜欢它对“辉煌的技巧是为了掩盖灵魂的空虚”这一观点的论证，这让我在重听勃拉姆斯第一协奏曲时，那种雄浑和挣扎感更加立体了。唯一的缺点可能是，它对肖邦和舒曼的篇幅相对较少，更偏向德奥体系的宏大叙事，但总体来说，这本书极大地丰富了我对浪漫主义晚期音乐表现力的理解。

天呐，终于把这本《The Art of Fugue》啃完了，简直是一场精神的洗礼。巴赫这位老人家，真是把对位法的精妙玩到了极致。我得说，如果你不是对音乐结构有着异乎寻常的痴迷，这本书可能会让你感到有些枯燥。它不像那些充满旋律和情感的奏鸣曲那样能轻易抓住你的耳朵，它更像是一份严谨的数学证明，每一个声部都像精密齿轮一样咬合在一起，既独立又相互依存。我尤其喜欢那个复杂的C.F. 镜像赋格，刚开始听的时候，感觉就像在走一个巨大的迷宫，你以为找到了出口，结果发现自己又绕回了起点，但当你真正理解了它内在的逻辑结构后，那种豁然开朗的喜悦是无与伦比的。我必须承认，我不是科班出身，很多时候我只能依靠反复聆听和查阅相关的音乐分析资料才能勉强跟上巴赫的思路。这本书的排版和注释也帮了大忙，但即便如此，面对那些不断转调、主题不断变形的段落，我还是需要暂停下来，深呼吸，重新审视每一个声部的运动轨迹。这本书需要的不是“听”，而是“解构”。它揭示了音乐作为一种纯粹逻辑艺术的最高境界，但代价是，它几乎剥夺了所有传统意义上的抒情性。对于那些只想放松心情听点古典乐的人来说，这绝对是灾难性的选择；但对于想挑战自己智力极限，想深入了解复调音乐内核的硬核乐迷，它无疑是一座难以逾越的高峰，值得攀登，尽管过程可能伴随着大量的困惑和挫败感。

我正在研读一本关于巴洛克时期歌剧咏叹调的声乐技术专论，书名是《Affekt and Ornamentation: Vocal Mastery in Handel and Monteverdi》。这本书的焦点非常集中，几乎完全围绕着十七世纪到十八世纪初的“情感表达”（Affekt）理论如何指导声乐的装饰技巧展开。它详尽地分析了如何根据文本的情感色彩（愤怒、悲伤、狂喜）来选择特定的音型和装饰音的处理方式，而不是简单地将装饰音视为炫技的工具。作者对古意大利语发音对气息控制的影响也有深入的探讨，这对于我们理解当时歌唱家如何在不使用现代美声技巧的情况下，达到惊人的高音和力度变化至关重要。我特别欣赏它对蒙特威尔第和亨德尔早期作品中“Recitative Secco”（干宣叙调）中情绪推进的研究，它揭示了即使是最简单的对话部分，其背后的能量管理也是极其复杂的。这本书对嗓音的讨论非常细致，涉及到声带的张力、共鸣腔体的调整，如果你是一个对早期音乐表演实践（HIP）有兴趣的演唱者，这本书简直是宝典。它让你明白，巴洛克的“华丽”并非空洞的堆砌，而是服务于特定情感的精准雕琢，每一个颤音和回音都承载着意义。

我最近迷上了一本关于中世纪音乐理论的精装本——《De Institutione Musica》，这本书简直把我带回了那个充满圣咏和早期多声部音乐的时代。和那些十八世纪的键盘作品相比，这本书的重点完全放在了教会调式（Modes）的细致划分和它们在礼仪中的象征意义上。内容极其学术化，充满了拉丁文的术语和大量的图表来解释音高的精确关系，比如那个关于“全音”和“半音”在不同语境下的微妙差异。我花了整整一个下午，才搞明白作者是如何区分“真调式”和“伪调式”的，这涉及到对古希腊哲学家理论的继承和修正。这本书的魅力在于它的历史厚重感和对音乐“形而上学”的探讨。它不是在教你如何演奏，而是在教你如何“思考”音乐的起源和神圣性。阅读过程中，我感觉自己像一个历史学家，而不是一个音乐爱好者。书中的插图大多是手抄本的摹本，虽然清晰度一般，但那种古老的气息扑面而来，让人不禁想象当时的修道士是如何在羊皮纸上记录这些神圣的音符的。不过，对于现代乐理学习者来说，这本书的实用性几乎为零，它的价值完全体现在对音乐史脉络的梳理和早期西方音响观念的还原上。如果你期待能从中找到任何关于和弦进行或配器的技巧，那你肯定会大失所望，这是一趟纯粹的学术朝圣之旅。