The Chichester Psalms of Leonard Bernstein

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作者:Laird, Paul R.
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页数:0
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价格:371.00
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isbn号码:9781576471524
丛书系列:
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  • Bernstein
  • Chichester Psalms
  • Choral Music
  • Classical Music
  • Jewish Music
  • Vocal Music
  • Sacred Music
  • 20th Century Music
  • American Music
  • Music Scores
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具体描述

《奇切斯特弥撒曲:伯恩斯坦的音乐对话》 列昂纳德·伯恩斯坦(Leonard Bernstein)的《奇切斯特弥撒曲》(Chichester Psalms)是一部独具匠心、感人至深的合唱作品,它不仅是伯恩斯坦音乐生涯中的一座重要里程碑,更是对人类精神、信仰和希望的深沉探索。这部作品以希伯来语演唱,取材于《圣经》中的《诗篇》,却以一种超越宗教界限的普世人文关怀打动着每一个聆听者。 《奇切斯特弥撒曲》的创作缘起于1965年,当时正值英格兰奇切斯特大教堂(Chichester Cathedral)庆祝其落成典礼,作曲家约翰·洛克哈特(John Lockart)委托伯恩斯坦创作一部作品。伯恩斯坦接受了这一委托,并选择了《圣经·诗篇》中几段篇幅不长但寓意深远的章节。然而,这并非一次简单的宗教音乐创作。伯恩斯坦以其独特的音乐语言,将古老的经文与现代的情感、社会议题融为一体,赋予了作品全新的生命力。 这部作品共分为三个乐章,每个乐章都由不同的《诗篇》章节构成,但它们之间却有着内在的联系和递进。 第一乐章选取了《诗篇》第108篇的第2-5节,以及《诗篇》第109篇的第1-2节。音乐以一种充满力量和宣示性的节奏开始,描绘了对上帝的赞美和对罪恶的控诉。伯恩斯坦在这里运用了跳跃的旋律、强烈的节奏以及童声合唱的清澈声音,营造出一种既庄严又充满活力的氛围。特别是童声合唱的运用,为作品注入了一种纯真和希望的色彩。音乐的情感从对上帝的颂扬逐渐转向对人类罪恶和苦难的哀叹,但这种哀叹并非绝望,而是带着一种祈求救赎的迫切。 第二乐章是整部作品中最具戏剧性和感染力的部分,它选自《诗篇》第23篇的1-4节。这段《诗篇》以“耶和华是我的牧者,我必不致缺乏”开头,描绘了在上帝的引导下,生命所拥有的宁静、丰盛和安全感。《诗篇》的文字本身就带着诗意的画面感,而伯恩斯坦的音乐更是将这种意境发挥到了极致。他运用了如歌的旋律,抒情的男高音独唱(尽管在某些版本中可能由其他声部担任)与童声合唱的对话,营造出一种温婉、宁静、充满信任的氛围。音乐的色彩变得更加柔和,旋律线条流畅而优美,仿佛一幅宁静的田园画卷在眼前展开。然而,伯恩斯坦并未止步于表面的祥和,他在这份宁静中也 subtly 地融入了对人类内心深处复杂情感的洞察,以及对信仰力量的肯定。 第三乐章选自《诗篇》第131篇的1-3节。这段《诗篇》表达了一种谦卑、宁静、不再骄傲自满的心境,将内心的躁动与不安交托于上帝。音乐的情感也随之转向一种更加内省和沉思的状态。乐章以一种缓慢、温柔的旋律开始,随后逐渐发展,但始终保持着一种平和与超脱。伯恩斯坦在这里运用了更加复杂的和声,营造出一种深邃而庄严的氛围。合唱部分的力量逐渐增强,但并非激昂,而是充满了对内在平静的追求和对上帝的信靠。乐章的结尾,音乐回归到一种宁静与平和,仿佛一切的纷扰都已平息,只剩下心灵的安宁与满足。 《奇切斯特弥撒曲》在编配上也是独树一帜的。它通常由混合唱团、童声合唱、男高音独唱、管风琴以及一小型管弦乐队(或仅有铜管乐器和打击乐器)组成。这种独特的编配方式,既保留了弥撒曲的庄严传统,又赋予了作品更加现代、亲切的质感。童声合唱的运用尤其引人注目,它们纯净的声音仿佛是对原始信仰的呼唤,也是对未来希望的象征。 伯恩斯坦之所以选择《诗篇》作为创作素材,并在其中融入自己对于生命、信仰的深刻思考,也与他本人的人生经历和音乐理念息息相关。他是一位深受犹太文化熏陶的作曲家,但他的音乐却有着跨越宗教、文化界限的普世价值。他善于将古典音乐的严谨与流行音乐的活力相结合,他的作品总是充满激情、感染力和思想深度。《奇切斯特弥撒曲》正是他这一艺术理念的集中体现。 尽管《奇切斯特弥撒曲》是以希伯来语演唱,但其音乐所传达的情感却是全世界共通的。它不是一首简单的宗教赞美诗,而是一次深刻的心灵对话,一次对生命意义的追问,一次对人类共同情感的抒发。作品中既有对苦难的哀叹,也有对希望的渴望;既有对罪恶的控诉,也有对救赎的期盼。它邀请每一位听众,无论其信仰如何,都能在音乐中找到共鸣,反思自身,感受信仰的力量,以及对和平、爱与理解的永恒追求。 《奇切斯特弥撒曲》是一部经得起时间考验的杰作,它以其精湛的音乐技巧、深刻的思想内涵和动人的情感力量,继续在全球范围内被广泛演奏和传颂,成为伯恩斯坦音乐宝库中一颗璀璨的明珠。

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读后感

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每次听完《奇切斯特圣歌》,我总有一种被彻底“净化”的感觉,但这种净化并非来自空洞的抚慰,而是源于音乐的“真实”。伯恩斯坦从不回避人性的复杂性,音乐中的情绪波动非常剧烈,从极度的宁静瞬间跳跃到近乎绝望的呐喊,这种真实感使得作品具有永恒的生命力。它的结构就像一个精心构建的迷宫,每一次进入都会发现不同的出口,每一个乐章之间都有着微妙的逻辑关联,它们并非孤立的碎片,而是一个有机的整体。例如,开篇的那个宣告性的和弦,它像一个母题,贯穿始终,以不同的面貌重新出现,有时被掩盖在复杂的织体之下,有时则以最纯粹的形式呈现。这种音乐上的“结构主义”运用,展示了伯恩斯坦远超一般作曲家的智慧。对我来说,这部作品的魅力在于它邀请听众参与到这种精神的构建过程中,它不是被动接受的背景音乐,而是一种主动的、需要投入精力的审美体验,而这份投入,永远都会得到丰厚的回报。

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这本由伯恩斯坦创作的《奇切斯特圣歌》简直是一次心灵的洗礼,尤其是当你在寻找一种既能触动信仰深处,又不失现代音乐张力的作品时。我记得第一次听到完整的演奏,是在一个非常肃穆的教堂里,那空灵的童声合唱与管弦乐团的交织,那种纯净到近乎透明的音色,瞬间将听众带入了一种远离尘嚣的境界。它不像传统宗教音乐那样沉重或过于学院派,伯恩斯坦那种与生俱来的旋律天赋在这里得到了完美的释放,即便是那些看似复杂的对位和节奏变化,听起来也无比自然流畅,仿佛是呼吸一般。尤其值得一提的是其中对希伯来语文本的音乐化处理,他巧妙地利用人声的特质,使得那些古老的诗篇焕发出鲜活的生命力。我个人对第三乐章中那种略带不安和探索性的和声特别着迷,它展现了伯恩斯坦内心深处对信仰的质疑与追问,而非简单的赞美。这哪里是一部简单的宗教合唱作品,它分明是作曲家对自己生命哲学的一次深刻剖析,每一次聆听都能发现新的光泽和层次。它的结构设计极其精妙,前后呼应,张弛有度,让人不得不惊叹于这位二十世纪音乐巨匠的结构掌控能力。

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坦白说,初次接触《奇切斯特圣歌》时,我有些被它的“现代感”震慑住了。它并不像我想象中那种庄严到让人昏昏欲睡的传统“圣歌集”,反而充满了爵士乐的影响痕迹,那种跳跃的节奏和不和谐音的使用,一开始让我有些难以适应,总觉得它与“圣歌”这个标签有些格格不入。但坚持听了三次之后,我才真正领悟到伯恩斯坦的高明之处——他打破了神圣与世俗之间的壁垒。音乐中的驱动力极其强大,那种仿佛要冲破束缚的力量感,尤其在管乐部分表现得淋漓尽致。你仿佛能感受到作曲家在试图用二十世纪的语言,去重新解读那些永恒的文本,这本身就是一种巨大的勇气和创新。那些充满能量的打击乐部分,更是将整部作品的张力推向了顶峰,它不是为了炫技,而是服务于情感表达。对于那些习惯了浪漫主义时期宗教音乐的听众来说,这无疑是一次听觉上的冒险,但如果你愿意接受这种充满活力、甚至有些“粗粝”的美感,你会发现它比任何丝滑流畅的作品都更具穿透力,它直击灵魂,带着一种毋庸置疑的诚实。

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我必须强调,《奇切斯特圣歌》在配器上的选择是极具匠心的,尤其是对童声的运用。这种高音域清澈、未经世俗污染的人声,在伯恩斯坦的手中,不再仅仅是“合唱团”的一部分,而更像是天使的低语或是纯粹精神的载体。与成年人浑厚或饱满的声音相比,童声的脆弱和锐利形成了鲜明的对比,尤其是在面对乐队那偶尔爆发出的、近乎野性的能量时,这种反差制造了一种令人心悸的美学效果。我注意到,乐谱中对“清晰度”的要求极高,每一个音符的起始和结束都必须精准无误,否则那种微妙的平衡就会被打破。这要求演奏者具备极高的专业素养,不仅仅是技巧上的完美,更重要的是对文本精神的深度理解。它让我想起许多早期的清唱剧,但伯恩斯坦又巧妙地加入了大量的现代和声色彩,使得整部作品既有历史的厚重感,又不失前卫的探索精神。它更像是一部音乐剧的咏叹调集合,充满了戏剧性的冲突和高潮,绝不平淡。

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要评价这部作品,绕不开它所蕴含的深刻的犹太精神背景。尽管伯恩斯坦的创作跨越了多个文化领域,但这部作品中那种源自《旧约》的、对上帝既敬畏又亲近的情感,表达得尤为强烈。它没有那种典型的西方基督教音乐的宏大叙事感,而是更内敛、更偏向于个体与神之间的对话。我特别喜欢他处理节奏的方式,很多段落的节奏型变化莫测,听起来像是即兴的,但当你细看总谱时,会发现每一个停顿和重音都经过了精密的计算,这正体现了犹太音乐传统中对韵律的独特敏感性。它成功地在西方古典音乐的框架内,植入了一种近乎民间音乐的生命力和律动感。对于非专业听众而言,这可能意味着你不需要理解复杂的对位法,只需要跟随音乐的情绪走,就能感受到那股强大的精神力量。它像一条奔腾的河流,时而平静舒缓,时而激流险滩,但始终朝着同一个方向——对更高存在的探求——前进。

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