Ultimate Soul Guitar Collection

作者:Alfred Publishing 编

页数:0

出版时间:2003-12

价格:$ 22.54

isbn号码:9780757914843

具体描述

Warner Bros. Publications' new Ultimate Guitar Collection series is an incredible value and a tremendous resource. Each book contains more than 40 complete note-for-note guitar transcriptions -- approximately 200 pages in each book Fifty-four classic soul hits including: Ain't No Stoppin' Us Now * Break Up to Make Up * Chain of Fools * Freddie's Dead (Theme from Superfly) * (Your Love Has Lifted Me) Higher and Higher * Hot Fun in the Summertime * If You Don't Know Me by Now * In the Midnight Hour * Lady Love * Love Train * Me and Mrs. Jones * The Midnight Train to Georgia * Papa's Got a Brand New Bag * People Get Ready * When a Man Loves a Woman and many, many more.

用户评价

坦白说，我是在寻找特定技巧提升的背景下接触到这本书的，一开始担心它会过于学术化，充满枯燥的理论推导。幸运的是，作者以一种非常叙事性的方式展开内容，像是老前辈在酒吧里分享他的独门秘籍。这本书的后半部分，专门开辟了一个章节讨论即兴演奏（Improvisation）的“情绪流”管理。它不像其他速成指南那样，罗列一堆音阶和琶音模式让你去套用。相反，它强调的是“聆听听众”、“感知乐队其他成员的能量”以及“在SOLO中讲述一个完整的故事”。书中详细分析了几位传奇吉他手的即兴片段，不仅仅是指出他们用了什么音阶，更着重分析了他们的“意图”——他们是在表达愤怒、哀伤、还是狂喜？然后，作者会给出对应的练习，比如如何在限定的音符范围内，通过重复和细微变化来构建一个情绪上的高潮。这种“情感驱动型”的教学方法，对我这种更看重表达甚于技巧的乐手来说，简直是醍醐灌顶。它让我明白了，真正的Soul吉他手，弹奏的不是音符，而是心跳。

这本书的排版和印刷质量令人印象深刻，纸张厚实，对吉他谱的标注极为清晰，这一点对于在舞台上或录音棚里快速阅读乐谱至关重要。我尤其欣赏作者在处理复杂节奏型时的可视化技巧。Soul音乐的精髓在于其律动（Groove），而律动恰恰是文字和标准五线谱最难捕捉的部分。然而，这本书通过一系列精心设计的图形符号和节奏示意图，将那些看似飘忽不定的切分音和错位节奏完美地“固定”在了纸面上。举个例子，书中对Stevie Wonder歌曲中那些标志性的、带着Funk味道的和弦分解，给出了非常直观的指法和手型图解，这比我之前在网上找到的任何资源都要精确得多。另外，作者没有止步于讲解“是什么”，而是深入探讨了“为什么”。例如，为什么在某些特定的和弦转换中，一个不协和音的短暂出现反而能极大地增强解决到主音时的满足感。这种对和声心理学的探讨，极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再机械地模仿，而是开始理解背后的创作逻辑。我发现自己现在听老灵魂乐时，耳朵里不再是嘈杂的一团，而是能清晰地分辨出低音线、节奏吉他和主音吉他之间的对话方式。

这本书的封面设计实在是太抓人眼球了，那种深邃的紫色背景配上泛着金属光泽的吉他剪影，一看就知道这不是那种平庸的教材。我本来以为它会是一本偏向于基础乐理的入门指南，毕竟名字听起来宏大，但翻开目录后才发现，它完全是为那些已经对吉他有一定基础，渴望将“灵魂乐（Soul）”的精髓融入自己演奏的乐手准备的。书中对Blues和R&B和声的讲解深入骨髓，从最基础的三和弦进行到复杂的九和弦、十三和弦的色彩运用，都有大量的范例。特别是关于“推弦（Bending）”的细腻处理，作者简直像一个经验老到的老乐手在耳边手把手地教导，如何通过指尖的力度和颤音（Vibrato）来赋予音符“呼吸感”和“人味儿”。那些关于如何捕捉Motown时期吉他手那种律动感的章节，我反复研读了好几遍，发现自己以前弹奏时总是在追求速度和精准，而这本书却在教我如何“慢下来”，如何让每一个音符都充满情感的张力。我甚至觉得，光是这本书里提供的关于音色塑造的建议——如何选择拾音器、如何调节音箱的混响和失真度——就已经值回票价了。它不是教你怎么弹奏，而是教你如何“感受”音乐。

我个人认为，这本书的最大价值在于它对“风格化”的细致解构和重构。它不是一本包罗万象的吉他百科全书，而是针对“Ultimate Soul Guitar”这一特定领域进行了极度聚焦和深挖。书中有一个篇章专门对比了芝加哥灵魂乐、底特律摩城（Motown）和南部灵魂乐（Southern Soul）在吉他伴奏上的细微差异。例如，摩城吉他手偏爱更紧凑、更清晰的琶音和分解和弦，而南部风格则更倾向于使用失真较大的音色和更宽广的推弦。作者通过拆解几首标志性歌曲的吉他声轨，详细展示了这些地域风格是如何在音色、节奏、和和声选择上体现出来的。这种细致入微的对比分析，让我在试图融入不同乐队风格时，能够做到有的放矢，避免“一招鲜吃遍天”的尴尬局面。它提供的是一套“风格工具箱”，而不是一套死板的“标准操作流程”。对于希望在特定流派中做到登峰造极的乐手来说，这种深度的剖析是无价的。

这本书的附加材料——我指的是它所提供的在线资源链接和配套音频——简直是锦上添花。通常情况下，教材附带的伴奏带质量都很堪忧，要么音质粗糙，要么节奏拖沓。但这里提供的伴奏轨道却是经过专业混音的，充满了温暖的模拟质感，听起来就像是直接从七十年代的录音棚里扒下来的。更妙的是，这些伴奏并不是简单的循环，而是包含了真实的乐队互动，鼓手会突然来个小小的Fill-in，贝斯手会在不经意间和你进行一次短暂的“对答”。这为练习提供了极佳的沉浸感。我下载了其中几段专门用来练习“Call and Response”（呼叫与回应）的练习曲目，发现自己很快就能找到那种与乐队成员“眼神交流”的感觉。这本书的作者显然深知，Soul音乐是根植于现场演奏和集体默契中的，所以他提供的工具也尽可能地模拟了这种真实环境。通过跟着这些高质量的伴奏练习，我发现自己对节奏的锁定能力和对和声色彩的敏感度都得到了质的飞跃。