Dan Flavin

作者:Flavin, Dan 绘

页数:72

出版时间:2010-11

价格:$ 50.85

isbn号码:9783865216793

具体描述

This book examines a seminal 1964 Dan Flavin exhibition at New York's influential (though short-lived) Green Gallery, which broke new ground--and marked a turning-point in the artist's career--with the first series of works composed of colored fluorescent light tubes. The exhibition included seminal works like "the diagonal of May 25, 1963 (to Robert Rosenblum)" (1963) and "a primary picture" (1964). This volume coincides with Zwirner and Wirth's recreation of the Green Gallery installation--the first in a series of projects that will explore the presentation and influence of historical gallery shows of the twentieth century. Along with new scholarship by Jeffrey Weiss, former Director of the Dia Art Foundation, this volume contains new color plates, a selection of drawings tracing the development of Flavin's ideas about these works and their original installation, rare archival photographs, reproductions of exhibition reviews and a selection of recently commissioned statements by artists and critics who saw the exhibition.

用户评价

这本书的装帧和纸张质量无疑是顶级的，每一页的触感都充满了高级感，这与内容本身形成了一种奇妙的张力。我注意到，作者在论述艺术家后期创作转型时，使用了非常多复杂的句子结构和被动语态，使得原本可能富有戏剧性的转变过程，读起来像是一份被层层过滤的官方报告。我尝试去捕捉那种从早期的简约几何结构，到后期对环境光场更宏大布局的演变轨迹，但这些演变似乎都是在冰冷的逻辑链条上被强行串联起来的。更遗憾的是，书中对于艺术家本人在创作过程中的犹豫、突破和灵感乍现的时刻几乎是绝口不提的，所有内容都被处理得异常平滑和必然。阅读体验就像是观看一场没有配乐的、只有精确几何投影的幻灯片演示，虽然技术上无懈可击，但情感上的共鸣却无从谈起。我希望看到的是一位艺术家如何与光线这位看不见的伙伴进行艰难而美妙的搏斗，而非这份详尽的、如同遗嘱般的文献记录。

翻阅这本书时，我的一个强烈感受是，它更像是给“圈内人”写的一本内部参考书，充满了只有行家才能心领神会的“黑话”和行业典故。作者似乎对读者的背景知识抱有极高的预期，使得初次接触这一领域的人会感到格格不入。特别是涉及到不同国家地区对荧光灯管的命名和标准差异时，简直是令人头疼的细节轰炸。我试图理解艺术家对于“非物质化”艺术的追求，但书中所有的解释都导向了对“物质实体”——也就是那些灯管本身的——的过度关注。这种本末倒置的倾向，让我感到非常困惑。为什么艺术的重点落在了支撑光线的金属外壳上，而不是光线本身带来的感官体验呢？阅读过程中，我几次停下来，拿起手机搜索那些被提及的，但没有充分展示的特定环境照片，试图用外部的视觉信息来弥补书中文字的空洞。这本书需要读者已经对该艺术家的作品体系有着相当的了解，否则，它提供的指导意义非常有限。

我承认，这本书在资料的详尽程度上是无可挑剔的，简直像是一个小型图书馆的缩影。如果你是一个专注于研究光照设备历史或者特定时期装置艺术材料学的学者，那么这本书绝对是案头的必备圣典。然而，作为一名被光线艺术的诗意所吸引的普通读者，我发现自己不断地在“阅读”和“查阅”之间切换身份。书中对早期作品的文献引用极其丰富，甚至连当时展览的场地租赁合同碎片都被收录其中，这无疑是极具史料价值的。但这种近乎偏执的资料堆砌，牺牲了文本的可读性。叙述的节奏如同慢镜头下的工业流水线，每一个微小的进展都被拉长成冗长的段落。我期待的，是那种能将人瞬间拉入作品氛围的文字魔力，比如描述光束如何切割黑暗，如何制造出一种近乎宗教般的静谧感。在这本书里，光线被降维成了一种物理现象，一种可以被精确测量的变量，而非一种可以触动灵魂的媒介。

说实话，这本书的排版设计简直是一场视觉上的迷宫探险，每一个章节的切换都让人感到突兀和不适应。它似乎刻意避开了传统的叙事逻辑，更像是一系列互不关联的、高度风格化的视觉报告的堆砌。我特别关注了其中关于“空间介入”理论的那一部分，原本以为会深入探讨极简主义如何与环境进行对话，结果却是充斥着大量几何图形的分解图和晦涩的哲学引用，让人读得云里雾里。每一次尝试去理解艺术家是如何“雕刻”空间的，都会被作者抛出的生僻术语和冗长的脚注绊倒。而且，插图的选择也显得过于刻板，几乎都是在标准化的画廊空间中拍摄的作品全景，缺乏那种亲历现场时，光线打在皮肤上或者空间角落里细微变化的特写镜头。对我来说，阅读体验像是在看一份古老的工程蓝图，而非一册艺术画册。我试图在文字中寻找一个可以依附的情感锚点，但作者的笔触始终保持着一种令人敬畏的距离感，仿佛在说：“你必须自己去感受，文字是多余的。”这种“多余”感贯穿始终，使得整本书读起来异常费力。

这本关于光线艺术的精装大部头，初捧在手时，那沉甸甸的分量和封面简洁到近乎冷峻的设计风格，就已经预示了它绝非那种可以轻松翻阅的消遣读物。我花了整整一个下午，才算是真正“读完”了它——当然，这里的“读完”更多指的是走马观花地浏览了每一个章节的排版和图片，试图在那些令人眼花缭乱的荧光灯管照片中捕捉到一丝丝线索。作者的叙述方式，老实说，有些过于学术化，仿佛在撰写一份详尽的装置艺术技术手册，而非一本面向普通爱好者的导览。大量的篇幅被用来分析特定空间中光照角度与材料反射率之间的复杂关系，这对于一个业余的艺术爱好者来说，阅读起来的门槛实在太高了。我更期待一些关于艺术家创作心路历程的侧写，一些幕后的轶事，或者至少是对于光线如何影响观看者情绪变化的感性描述，但这些在书中几乎是凤毛麟角。它更像是一份严谨的学术档案，完整收录了每一件作品的尺寸、安装日期以及所使用的特定型号的商业照明设备。我合上书本时，脑海中留下的，更多是关于灯具型号和光谱波长的记忆，而非艺术的震撼感。