Billy Sheehan Bass Day 97

作者:Sheehan, Billy

页数:0

价格:$ 22.54

isbn号码:9780739054086

具体描述

Bass Day a97 was a historic event organized by the Bass Collective NYC and Bass Player magazine. It brought together world-class bassists from all over the globe for an all-day show that included an all-star jam session. Billy Sheehan has rewritten the book on virtuoso rock bass. His groundbreaking style and technique has been an integral part of Talas, Mr. Big, Niacin, and David Lee Rothas band. On this instructional DVD from Bass Day a97, Billy intertwines stunning solo performances with answers to audience-selected questions such as about tapping, neck bending, scalloped frets, dual-output basses, 4-finger plucking, covering several parts at once, string gauges, aplayinga the pickups, distortion, compression, and much more. Learn from one of the true legends of bass from this remarkable, once-in-a-lifetime event. Special features include DVD-ROM content with the complete video formatted for computer and iPod.

用户评价

读完这本书的前半部分，我感觉自己像是进入了一个充满迷雾的地下排练室，空气里弥漫着汗水和老胶皮的味道。这本书的叙事方式非常跳跃，它不按部就班地讲解什么“根音、五度、八度”的刻板公式，而是通过一系列看似不相关的小故事和灵感碎片来构建知识体系。比如，有一章讨论到如何用“空间感”来定义一个低音部的角色，作者居然引用了建筑学的空间布局理论来类比，这视角之刁钻，让我拍案叫绝。他没有提供任何标准的练习，取而代之的是大量关于“聆听”的训练建议，强调如何去捕捉乐队中其他乐器留下的“空隙”，并将自己的演奏精准地填入其中。这种强调“融入”而非“炫技”的理念，对于那些陷入技术瓶颈的中级乐手来说，简直是一剂清凉散。它迫使你放下你的手指，去用耳朵和头脑去“看”音乐的结构，非常深刻，但也非常考验读者的悟性。

这本书的封面设计就带着一种复古的、手工制作的质感，厚实的纸张和略微泛黄的边缘，让人立刻联想到那些经典音乐书籍的沉稳。我一翻开它，首先感受到的是文字排版的讲究，字里行间都透着对内容本身的尊重。内容上，它并没有直接给我任何关于特定曲目的分解，而是像一位经验丰富的老乐手在跟你拉家常，分享他对于“乐器”这个载体的深层理解。比如，它花了大量的篇幅去探讨低音吉他在不同年代音箱和拾音器技术变革下的角色转变，那种细腻入微的对比分析，让人不得不停下来反复琢磨。作者似乎并不急于展示技巧，而是引导你深入思考，为什么某些声音会成为经典，以及如何去构建属于你自己的“声音签名”。读到一些关于录音棚哲学的部分，我简直茅塞顿开，原来很多我们习以为常的低音线条，背后蕴含着如此复杂的制作考量，远超出了我们初学者想象的“弹奏音符”本身。这更像是一本关于“音乐哲学与设备演变史”的著作，而非单纯的教程。

这本书的语言风格极其个人化，像是一篇写给老友的信件，充满了俚语和只有资深乐手才能领会的那种“圈内笑话”。我尤其欣赏其中关于“律动（Groove）”的那几段论述。它没有试图用数学公式去定义律动，而是将其描绘成一种“时间的呼吸”，一种介于精准和松弛之间的微妙平衡点。书中穿插了几张非常模糊但极具年代感的照片，可能是某个九十年代的巡演后台，这些画面虽然与技术讲解毫无关系，却极大地增强了代入感和历史厚重感。它在讨论如何构建稳定的低音线时，会突然跳到对某个特定历史时期爵士乐鼓手的欣赏上，这种看似漫无目的的游走，其实是在潜移默化地拓宽读者的音乐视野，让你明白，一个出色的低音手，必须首先是一个博学的音乐史学家。

对于那些期待快速提升指弹速度的读者来说，这本书可能会令人失望，因为它几乎没有提及速度训练或者爬格子练习。然而，对于沉迷于音色雕琢的“音色控”而言，这简直是一本圣经。它用近乎偏执的程度去剖析了不同品牌琴弦在不同湿度和温度下的张力变化对泛音的影响，甚至连更换琴弦的时机和手法都被上升到了艺术创作的高度。书中有一部分内容专门探讨了“被动拾音器与主动拾音器的哲学差异”，作者的观点非常激进，他认为被动拾音器承载的是乐器本身的“原罪性”，而主动拾音器则代表着现代科技对这种原始声音的“过度美化”。这种带着强烈个人主观色彩的探讨，虽然可能引起争议，却极大地激发了我去重新审视我自己的音色选择，让我开始怀疑那些过于干净、过于“完美”的声音，是否真的具有灵魂。

这本书的结构安排简直像是一场精心编排的即兴演奏，充满了意想不到的转折和高潮。它并非线性的知识传递，更像是一系列对低音演奏者职业生涯中关键时刻的深度访谈的集合。其中关于“舞台应对策略”的部分尤其精彩，作者分享了在演出中设备突然出现问题时，如何利用现场环境的反射音和听众的反应来即兴调整演奏策略，以避免冷场。这些内容不是书本能教出来的，而是从无数次真实面对麦克风和舞台灯光中提炼出的智慧。它让我意识到，技术只是工具，真正的乐手是在“不完美”中寻找最优解的能力。读完后，我感觉自己看待舞台表演的角度完全变了，不再只关注指板上的动作，而是开始更关注声音在空间中是如何与听众建立连接的，这本书提供的是一套完整的、立体的音乐家思维框架。