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出版者:

作者:Kolker, Robert

出品人:

页数:328

译者:

出版时间:2009-3

价格:£ 65.00

装帧:

isbn号码:9781405155601

丛书系列:

图书标签:

媒体研究
传播学
大众传媒
媒介理论
文化研究
数字媒体
新闻传播
视听媒体
媒体批评
社会学

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具体描述

Media Studies is a comprehensive text for introductory and advanced courses in the growing field of media studies, integrating history with close textual analysis in a concise, readable style. Explores the growing synergies between print and online journalism, and the growth of independent journalism through blogging Discusses the ways advertising is connected to print and screen, economically and from the perspective of the reader Gives students the analytical skills they need in a presentation that is readable without sacrificing complexity Allows students to move within the media they know while increasing comprehension

《艺术的边界：视觉叙事、象征意义与文化解读》作者： [此处请自行填写作者姓名] 出版日期： [此处请自行填写出版日期] 出版社： [此处请自行填写出版社名称] 内容简介：《艺术的边界》是一部深入探索视觉文化、艺术表达及其背后复杂社会文化语境的学术专著。本书并非对某一具体艺术门类或特定时期艺术史的流水账式梳理，而是致力于构建一个关于“艺术”这一概念本身的多维度认知框架，审视其在不同文化、历史和社会层面的延展与边界。作者通过对大量具有代表性的视觉作品——涵盖绘画、摄影、电影、雕塑、装置艺术乃至早期数字艺术的演变——进行细致的分析，揭示了艺术家如何运用形式语言、象征符号以及叙事策略来构建意义，并探讨了这些意义如何被受众接收、解读，进而影响甚至重塑社会观念与文化认同。本书的核心论点在于，艺术的“边界”并非是固定不变的、预设的物理界限，而是由文化、历史、技术、经济以及权力结构共同塑造的动态范畴。作者认为，理解艺术作品的关键，不在于孤立地欣赏其技巧或形式美感，而在于将其置于其产生的具体语境中，审视其创作动机、表达意图，以及在传播过程中所经历的意义转化。因此，本书的论述围绕几个相互关联的关键主题展开：第一部分：视觉语言的构成与演变本部分聚焦于视觉艺术的基本构成要素，即形式语言。作者深入剖析了线条、色彩、构图、空间、光影等元素在艺术创作中的作用，并考察了它们如何随着技术进步（如摄影术的发明、数字技术的兴起）和文化思潮（如印象派、立体派、抽象表现主义的出现）而发生深刻的演变。例如，在分析印象派绘画时，作者并非仅仅描述其对光影的捕捉，而是着重探讨其如何打破学院派的传统束缚，将主观感受和瞬间的视觉经验转化为艺术语言，从而拓展了“什么是艺术”的界限。在探讨摄影的兴起时，本书强调其颠覆性，不仅在于记录现实，更在于其通过构图、视角和后期处理，赋予了现实以新的解读可能性，挑战了绘画在写实领域的垄断地位。第二部分：象征与意义的生产与解码艺术作品往往不是直白的陈述，而是充满象征意义的载体。本部分深入研究了象征在视觉叙事中的功能，包括其历史文化渊源、跨文化传播的差异性，以及艺术家如何有意或无意地植入象征符号。作者举例分析了宗教艺术中的经典象征，如十字架、莲花等，并探讨了它们在不同宗教和文化背景下的意义变迁。更进一步，本书关注了现代艺术中象征的复杂化与多义性，例如波普艺术如何挪用日常符号，赋予其新的商业和文化解读，以及抽象艺术如何通过非具象的形式来传达难以言说的情感和哲学观念。解读这些象征，需要超越表面的视觉形式，深入理解其背后的哲学、心理、社会乃至政治意涵。本书提供了一套分析工具，帮助读者理解艺术家如何“生产”意义，以及受众如何“解码”这些意义，并认识到解读的多样性与不确定性。第三部分：叙事策略与观众互动无论是叙事性绘画、电影还是具有强烈叙事张力的摄影作品，都涉及到叙事策略的运用。本部分着重分析了艺术家在构建叙事时所采用的各种手法，如蒙太奇、镜头语言、叙事视角、人物塑造等。本书探讨了叙事如何影响观众的情感体验和认知理解，以及艺术家如何通过操纵叙事节奏、悬念设置、信息披露等方式来引导观众的注意力与解读方向。例如，在分析某部具有里程碑意义的电影时，作者会详细拆解其剪辑手法如何营造紧张感，其镜头运用如何塑造人物的内心世界，以及其叙事结构如何挑战传统的线性叙事模式。同时，本书也关注了观众在艺术体验中的主动性，即观众并非被动接受信息的容器，而是会基于自身的经验、知识背景和文化语境，主动参与到意义的建构过程中。这种互动性，使得艺术作品的意义在每一次的观赏过程中都可能产生新的阐释。第四部分：技术、媒介与艺术边界的拓展技术的进步一直是推动艺术发展和边界拓展的重要力量。本部分深入探讨了不同媒介（如油画、版画、摄影、电影、数字媒体）的特性如何影响艺术的创作方式、传播渠道以及观念的形成。作者分析了从胶片摄影到数字摄影的演进，如何改变了图像的生成、编辑和传播方式，进而影响了公众对“真实”图像的认知。在探讨数字艺术时，本书关注了其在互动性、虚拟现实、人工智能生成艺术等方面的潜力，以及这些新媒介如何挑战传统的艺术本体论。本书认为，理解艺术的当下与未来，必须审视技术与媒介的演变，以及它们如何不断地重塑着艺术的形态、功能与边界。第五部分：艺术、权力与文化政治艺术并非孤立存在于象牙塔中，而是深刻地卷入到社会权力结构和文化政治之中。本部分分析了艺术如何被用作意识形态的工具，如何反映、挑战或巩固社会现有的权力关系。作者探讨了艺术赞助制度、美术馆的收藏与展示策略、艺术市场的运作等如何影响艺术的生产与传播，以及艺术家如何在政治动荡、社会变革时期，通过艺术作品表达批判性声音。本书还考察了文化挪用、身份认同等议题在艺术创作与解读中的复杂性，以及艺术如何成为文化冲突与对话的场域。例如，在分析某些历史时期的宣传画时，作者会深入揭示其背后所服务的政治目的，以及其如何通过视觉语言来塑造公众的集体情感和意识形态。结论：走向开放与多元的艺术理解《艺术的边界》并非为艺术下定一个终极的定义，而是旨在提供一个更加开放、包容和批判性的视角来理解艺术。本书强调，艺术的价值不在于其是否符合某种预设的标准，而在于其能否激发思考、触动情感、拓展认知，以及能否在与社会的互动中，不断地重塑和丰富我们的文化体验。通过对视觉叙事、象征意义、技术媒介和社会语境的深度分析，本书呼吁读者超越对艺术的简单化认识，以更加审慎的态度去审视我们身边的视觉世界，理解艺术在塑造我们感知、认知和理解世界过程中的重要作用，以及它如何不断挑战并拓展着人类创造力的边界。本书适合所有对视觉文化、艺术理论、传播研究以及社会文化分析感兴趣的读者。