Acting Theory and the English Stage, 1700-1830 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:Zunshine, Lisa (EDT)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:6934.00元

装帧:

isbn号码:9781851969012

丛书系列:

图书标签:

Acting
Theatre History
English Theatre
18th Century Theatre
19th Century Theatre
Performance Studies
Dramatic Literature
Stagecraft
Cultural History
Literary History

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具体描述

Acting Theory and the English Stage, 1700-1830 内容概要本书深入探讨了1700年至1830年间，英语戏剧舞台上表演理论的演变及其对演员实践的深远影响。这一时期，英国戏剧正经历着从后巴洛克到浪漫主义的转型，戏剧文本、观众审美、剧场技术以及演员自身的社会地位都发生了显著的变化。本书聚焦于这些变化如何塑造了当时人们对“如何表演”的理解，以及这些理解又是如何反过来影响了舞台上的具体呈现。核心论点与结构本书的核心论点在于，1700年至1830年间的英语戏剧舞台，并非简单地被动接受来自剧本的指令，而是通过一系列活跃的理论建构与实践探索，逐渐形成了一套自身独特的表演美学。这套美学既受到古典戏剧理论的回响，也积极回应着启蒙时代的理性精神、感伤主义的情感潮流，直至浪漫主义对个体天才与情感的推崇。本书将这一复杂的历程梳理为几个相互关联的阶段与主题：第一部分：古典遗产与理性主义的余晖 (约1700-1750) 在18世纪初，舞台表演仍然深受古典戏剧理论的影响，尤其是亚里士多德关于模仿、合乎情理（propriety）和道德教化的原则。然而，新的思潮正在涌动。模仿与“自然的”表演：早期理论家如约瑟夫·艾迪生（Joseph Addison）和理查德·斯蒂尔（Richard Steele）在《旁观者》等刊物中，提倡一种“自然的”表演方式，强调演员应该模仿现实生活中的情感和行为，而非程式化的夸张。这与对当时一些演员过度装饰和造作的批评声相呼应。这里的“自然”并非完全脱离情感的理性控制，而是指一种合乎情理、易于理解的表达。情感的合理表达：启蒙时代的理性主义强调情感的有序与节制。因此，演员被要求在表达情感时，要遵循一定的规则，避免失控或过度的表现，以确保观众能够理解并从中获得道德启迪。这种“理性之情”的表达，在喜剧和悲剧中都有体现，演员需要通过恰当的语调、表情和姿态来传达角色的内心世界。角色的“原型”与“类型”：尽管强调模仿，但演员仍然需要面对各种“原型”或“类型”的角色。例如，老者、青年、悲剧英雄、滑稽角色等，都有其约定俗成的表演模式。演员需要在模仿具体人物的同时，把握这些类型的共性。台词的韵律与发音：在那个时代的戏剧中，韵文仍然占有重要地位。因此，演员的发音、语调的抑扬顿挫、以及对诗歌节奏的把握，是表演训练的重要组成部分。清晰、洪亮且富于变化的嗓音，是获得成功的重要条件。身体语言与姿态：尽管没有后世系统化的身体训练，但演员的身体语言，包括站姿、步态、手势等，仍然受到严格的规范。这些姿态往往带有一定的装饰性和象征性，用以强化角色的情感和性格。第二部分：感伤主义的冲击与情感的深入挖掘 (约1750-1800) 18世纪中叶以来，感伤主义思潮开始深刻影响英国的文学和艺术。这种思潮强调情感的真挚、同情以及对人类苦难的关注，直接改变了表演的重心。 “同情”的舞台化：感伤主义剧作，如奥利弗·戈德史密斯（Oliver Goldsmith）的《负心人》或理查德·谢里丹（Richard Brinsley Sheridan）的一些作品，更侧重于刻画人物细腻的情感变化和内心挣扎。演员不再仅仅是传递情节的工具，而是需要深入挖掘角色的情感世界，并将其真实地呈现给观众。 “眼泪”与“叹息”的艺术：演员被鼓励表达更加强烈和直接的情感，包括悲伤、同情、愤怒等。对“眼泪”和“叹息”的逼真模仿，成为衡量演员功力的重要标准。观众也期望在剧场中体验强烈的情感共鸣。 “同情”的表演技巧：为了引起观众的同情，演员需要在舞台上表现出角色的脆弱、痛苦和无助。这需要演员具备高度的情感投入能力，以及通过细微的表情和声音变化来感染观众。 “善”与“恶”的道德审判：感伤主义作品往往带有强烈的道德倾向，强调善良和美德的价值。演员在塑造角色时，需要清晰地展现角色的道德品质，引导观众进行道德判断。对“过度”的辩论：随着情感表达的自由化，关于表演“过度”与否的争论也愈发激烈。一些评论家认为，演员的情感表现应有所保留，以免显得虚假或矫揉造作。另一些人则认为，只有充分表达情感，才能真正打动人心。第三部分：浪漫主义的兴起与个性化的表演 (约1800-1830) 19世纪初，浪漫主义思潮席卷欧洲，对表演理论也产生了革命性的影响。浪漫主义强调个体、天才、想象力以及对自然和情感的原始力量的崇拜。 “天才”演员的崛起：浪漫主义推崇“天才”的个体创造力。在表演领域，这意味着对演员个性和独创性的强调。像莎拉·西登斯（Sarah Siddons）和埃德蒙·基恩（Edmund Kean）这样的明星演员，以其独特的艺术魅力和对角色的深刻解读，赢得了巨大的声誉。内心世界的解放：浪漫主义认为，真正的艺术源于内心深处的情感和体验。因此，演员被鼓励去探索和表达自己内心真实的情感，并将这些情感融入到角色的塑造中。这与早期强调模仿和规则的表演理念形成了鲜明对比。情感的“狂热”与“激情”：浪漫主义允许并鼓励更为激烈和澎湃的情感表达。演员被赋予更大的空间去展现角色的狂热、激情、绝望和狂喜。这种表演风格往往具有强烈的感染力。对“个性”的塑造：浪漫主义戏剧中的人物往往更加复杂和具有独特性。演员需要深入理解角色的个性，并将其在舞台上鲜活地呈现出来。这要求演员具备敏锐的洞察力和丰富的表现力。 “自然”与“非自然”的再定义：浪漫主义对“自然”的理解更加多元。有时，它指的是对原始情感和自然力量的回归；有时，它也包括对超自然、梦幻和非理性世界的探索。这使得演员的表演能够超越现实的束缚。戏剧效果与观众的互动：浪漫主义时期的戏剧制作更加注重舞台效果和观众的体验。演员的表演不再是孤立的，而是与其他舞台元素（如布景、灯光、音乐）协同作用，共同营造一种沉浸式的艺术氛围。贯穿始终的主题与争论除了上述不同时期的特点，本书还将探讨贯穿整个1700-1830年间的几个核心主题：演员的社会地位与公众形象：这一时期，演员的社会地位经历了一个复杂的变化。从早期被视为“流浪艺人”，到后来一些明星演员成为公众崇拜的对象，他们的表演理论和实践也与自身的社会认知紧密相关。表演的“诚实”与“欺骗”：演员在舞台上扮演一个虚构的角色，这本身就涉及某种形式的“欺骗”。然而，优秀的演员能够通过表演，让观众相信角色的真实性，从而产生情感共鸣。本书将探讨当时人们对表演“诚实”与“欺骗”界限的理解。训练与天赋：在表演理论的讨论中，训练的重要性与天赋的作用始终是一个辩证的关系。理论家和评论家们一直在探索，如何通过训练来培养出具备表演天赋的演员，以及如何最大限度地发挥演员的天赋。评论家与观众的角色：戏剧评论家的评价和观众的反应，对表演理论的发展起到了重要的塑造作用。本书将分析当时的戏剧评论是如何影响演员的表演，以及观众的审美趣味如何引导了表演风格的变迁。对外国表演传统的借鉴与影响：尽管本书主要关注英语舞台，但也会提及当时英国对法国、意大利等国表演传统的一些吸收和回应。本书的独特贡献本书并非简单地罗列表演理论家的观点，而是试图通过对大量历史文献（包括剧本、评论、演员回忆录、信件、理论著作等）的细致梳理和深入分析，构建一个动态的、多维度的表演理论图景。它强调了理论与实践之间的相互渗透，以及表演理论在特定历史和社会文化语境中的生成与演变。通过对这一关键时期的深入研究，本书不仅能增进我们对英国戏剧史的理解，更能为我们当下思考表演艺术的本质与发展提供宝贵的历史借鉴。本书将呈现一个充满活力、不断求索的表演艺术领域，其中充满了关于如何触动人心、如何呈现人性、以及如何通过舞台艺术创造意义的深刻探讨。