Dalcroze Eurhythmics in Today's Music Classroom

作者:Hoge Mead, Virginia

页数:222

出版时间:1996-6

价格:$ 39.55

isbn号码:9780930448516

具体描述

Written to help teachers understand and adapt Dacroze techniques in the teaching of music. Part One introduces Emile Jaques-Dalcroze, the musician and teacher, and explains the three main areas of the approach * eurhythmics, ear training and improvisation. Part Two covers the use of 'games' and exercises and their intended purpose at different levels in the junior school.

用户评价

从整体结构来看，该书的逻辑推进非常清晰，仿佛是为一位充满热情的音乐教师精心设计的年度教学蓝图。它不仅提供了方法，更重要的是，它提供了一种全新的教育哲学——即音乐教育的最终目标是培养一个能够用自己的身体、心智和情感去完整地“在场”于音乐体验中的人。书中关于如何利用现代技术辅助达尔克罗兹教学，如使用节奏感应APP进行即时反馈训练的章节，也展示了作者对未来的展望。这种对经典的尊重与对现代工具的拥抱，使得整本书充满了生命力。它不是在教我们如何演奏某一种乐器，而是教我们如何“成为”一个更敏感、更具创造力的音乐聆听者和思考者。对于任何希望跳出传统音乐教育的窠臼，寻求真正能激发学生内在音乐潜能的教育工作者而言，这本书提供了一个强有力的、可借鉴的、且充满启发性的参照系。

这本书的叙事风格非常引人入胜，它没有采用那种严肃、刻板的学术腔调，而是更像一位经验丰富的教育者在向同行分享他多年实践的心得体会。这种亲切感让阅读过程变得异常流畅。我特别留意了书中关于“情感共鸣与节拍理解”的部分。传统教学往往将情感与音乐的“内容”挂钩，而这本书则巧妙地将情感体验内化到对“形式”的掌握中。作者提出，当我们真正通过身体去感受一个不规则拍号（比如五拍子或七拍子）的内在张力与释放时，我们对音乐的理解已经超越了简单的数数，而是进入了一种更深层的、与身体节奏相契合的共鸣状态。书中通过引用一些现代音乐作品的片段作为案例，展示了这些看似复杂的节奏结构是如何通过简单的身体指令被学生轻松捕捉的。这种“由内而外”的教学路径，彻底打破了传统音乐教育中“先知后感”的僵化模式，转而倡导“边感边知”，让知识的习得成为自然而然的结果，而非学习的最终目的。

坦率地说，市面上关于教学法改革的书籍很多，但大多停留在理论的倡导层面，真正能提供具体“工具箱”的却为数不多。这本书的强大之处就在于它兼具了理论的深刻性和实践的落地性。它对不同年龄段和不同音乐背景的学习者的适应性考量尤为周全。例如，针对初学者，它提供的动作序列是极其基础和直观的，强调的是协调性；而对于高阶学习者，它则引入了复杂的空间几何概念与音乐结构进行映射，要求学生在多维空间中同时处理多条音乐线索。我特别欣赏作者对“评估”环节的处理。它摒弃了传统的测验模式，转而采用一种基于观察和互评的形成性评估体系。老师需要观察学生在特定动作序列中对音乐细微变化的反应速度和准确性，并将此作为衡量其音乐理解深度的指标。这使得评估不再是一种压力，而成为了教学反馈的组成部分，极大地提高了学生的参与度和自我修正能力。

阅读这本关于当代音乐教学实践的书籍时，我最大的感受是它在“跨界融合”上的大胆和成功。它显然没有局限于达尔克罗兹学派的传统框架，而是积极地将其方法论与其他前沿的教育理念，如体验式学习、建构主义教学法，甚至是一些神经科学的认知理论进行了巧妙的结合。书中对如何利用即兴元素来培养学生的“音乐思维连贯性”的探讨，非常具有启发性。它不是简单地要求学生“跟着感觉走”，而是提供了一套清晰的、可操作的框架，让学生在即兴的自由中，依然能保持对音乐逻辑的内在把控。比如，作者设计的一系列“动作叙事”练习，要求学生用身体讲述一个完全由他们自己构建的音乐故事，这极大地锻炼了他们的听觉记忆、空间感知以及快速决策的能力。这些练习的范例都配有详尽的教学步骤和预期的学习成果，使得即便是刚接触这种教学法的老师，也能迅速上手并看到效果。这本教材的价值在于，它展示了如何将一个经典的教学体系“现代化”和“去专业化”，使其对所有水平的音乐学习者都具有吸引力和教育价值。

这本关于达尔克罗兹（Dalcroze）节奏教学法在现代音乐课堂应用的著作，无疑为我们提供了一个既有深度又具实操性的视角。作者并没有陷入对历史的回溯或纯理论的探讨，而是将其核心理念——如何通过身体的动态、听觉的敏感以及即兴的创作，来重塑我们对音乐的感知和理解——紧密地嫁接到当代教育的语境中。我尤其欣赏它在处理“身体作为乐器”这一概念时的细腻。它不仅仅是告诉你应该如何移动，更是深入剖析了运动的物理特性如何直接映射到音乐的结构和情感表达上。例如，书中关于如何引导学生通过脚步的轻重缓急来区分和再现复调织体的那几章，简直是醍醐灌顶。它避开了传统音乐教学中枯燥的视唱练耳练习，转而采用一种全身心投入的体验式学习，让抽象的节奏和节拍变得可以触摸、可以呼吸。对于那些在传统课堂中感到被动、难以真正“进入”音乐体验的学生来说，这种方法提供了一个绝佳的切入点，让学习过程本身就成为一种充满活力和创造性的探索，而非被动的知识灌输。这本书真正实现了将音乐教育从案头工作解放出来，回归到生命律动本身。