Music Hall Mimesis in British Film, 1895-1960

作者:St. Pierre, Paul Matthew

页数:0

价格:386.00 元

isbn号码:9780838641910

用户评价

阅读这类深度文化史著作时，最让人兴奋的是发现那些被主流评论界所忽略的“边缘文本”。我猜测，这本书并没有将笔墨过多地放在像《歌剧魅影》那种跨国制作的显赫作品上，而是深入到那些二流甚至三流的、那些在地方剧院演出后被匆忙搬上银幕的影片中。正是这些“不够好”的模仿，才最真实地反映了当时的产业运作和观众的实际口味。它们可能在叙事上拙劣，但在对特定社会习俗和表演手法的记录上，却留下了无价的痕迹。例如，早期的喜剧片中，那些滑稽的舞台跑动和夸张的肢体语言，它们在电影空间里是如何被拉伸、扭曲，以适应更广阔的银幕视野的？这种对“不完美”的模仿的专注，体现了作者拒绝宏大叙事、拥抱细微历史的学术勇气。这本书的价值，不在于提供一个清晰的、英雄式的“英国电影发展史”，而在于构建一个错综复杂的文化编织物，展示在光影交错之间，一个民族如何试图在虚构的舞台上，为自己定位。

翻阅这本书的章节结构，我立刻注意到作者对“时间性”的精妙处理。1895年到1960年，这跨越了两次世界大战的动荡时期，英国的文化自信也经历了巨大的起伏。音乐厅本身，就是那种维多利亚/爱德华时代物质繁荣和大众娱乐的象征。那么，当战争来临，当社会结构开始瓦解，电影中的“音乐厅”形象是如何被挪用和异化的呢？我尤其好奇作者如何论述战后时期，比如在伊林（Ealing）工作室的黄金年代，那种对“常态”的怀旧如何通过对音乐剧元素（哪怕是潜意识的）的引用来完成的。这本书似乎不是一个简单的编年史，而是一场精密的文化考古。它不是在问“哪些电影里有歌舞”，而是在追问“英国人如何通过银幕上的‘舞台幻象’来处理他们不断变化的民族性格”。这种细致入微的分析，要求读者不仅要了解电影史，更要对英国社会史，尤其是流行文化史有相当的了解。它承诺提供一种全新的视角，即电影作为一种替代性的、被修正过的“记忆剧场”，来处理那些难以言说的社会创伤和集体渴望。

这本书的标题有一种古典的、学术的韵味，但内容却指向了最通俗的娱乐形式。这种张力本身就很有吸引力。我关注的焦点在于“1960年”这个时间点的选择。为什么是1960年？这恰好是“布里特流行”（British Invasion）开始酝酿，整个英国文化景观即将被“摩登时代”（Swinging Sixties）彻底颠覆的门槛。这意味着，这本书的后半部分可能会描绘一幅文化衰落或转型的图景：古典的、宏大的音乐厅美学，如何在新兴的、更具个人主义和叛逆精神的流行文化浪潮到来之前，在电影中完成了它的最后一次、也许是最高级的“告别演出”。这种对“终结”的捕捉，往往比对“开端”的记录更具文学性和悲剧色彩。我希望看到作者如何描绘这种文化上的“代际更替”——舞台的幽灵是如何在披头士和迷你裙出现之前，在黑白胶片上完成自我埋葬的。这不再是关于艺术的继承，而是关于一个时代的感官经验如何被记录、被遗忘，又如何在后世的电影分析中被重新发现。

从纯粹的电影美学角度来看，这本书的理论框架无疑是雄心勃勃的。当我们谈论“模仿”时，我们谈论的是可见与不可见之间的张力。舞台的表演是即时的、有生命的，它依赖于观众的在场感；而电影的模仿，即便是在早期，也是一种固定的、被媒介捕捉的影像。这部作品如果能成功地将这种媒介差异性与音乐厅的特定语境结合起来，那将是极具洞察力的。比如，早期电影中那些夸张的舞台手势和面部表情，是不是一种对舞台表演的过度补偿，以确保远处的银幕观众也能“看懂”戏剧张力？再者，1940年代末到50年代，随着电视的兴起，电影的“在场感”受到了挑战，音乐厅的遗存符号在电影中是否扮演了一种抵抗电视媒介的文化武器？作者对声音的探讨想必也是重点，那些被捕捉或重构的舞台歌声和管弦乐，它们在电影音轨中的位置，是作为叙事的支撑，还是作为一种超验的、不属于现实世界的“异质元素”存在？我非常期待看到作者如何处理这些技术和美学上的细微差别。

这部书的题目虽然听起来有些晦涩，但它所涵盖的跨度——从电影的黎明到“摇摆的六十年代”前夕的英国银幕——实在是引人入胜。我首先被它所捕捉的那个时代背景所吸引。想象一下，当电影这种新兴的“魔术盒子”进入英国，它如何与根深蒂固的剧院文化、尤其是那些光彩夺目、充满歌舞和戏剧性的音乐厅传统进行对话、冲突与融合？这本书似乎没有直接去翻拍那些著名的音乐剧电影，而是深入挖掘了那些潜藏在主流叙事之下的文化肌理。我期待看到作者如何解构“模仿”（Mimesis）这个概念，它不仅仅是简单的复制，更像是一种文化焦虑的投射。英国社会在快速的工业化和阶级固化中，通过电影屏幕上对过去辉煌的舞台场景的重现或戏仿，试图在现代性面前锚定自己的身份认同。那些早期的默片时代，舞台剧的布景和表演风格如何被粗粝的胶片记录下来，带着一种既模仿又失真的奇特美感，这绝对是研究早期媒介转换的关键视角。这本书的价值，或许就在于它揭示了电影如何继承了舞台的衣钵，却又在技术限制和新的观众期待下，将其改造、解构，最终孕育出一种独特的英式视觉叙事传统，这比单纯研究某部经典电影要深刻得多。