Teaching Art and Design 3-11

作者:Cox, Sue (EDT)/ Grahame, Judy (EDT)/ Mcauliffe, Diarmuid (EDT)/ Watts, Robert (EDT)/ Herne, Steve (E

页数:179

出版时间:2007-7

价格:$ 50.79

isbn号码:9780826451101

具体描述

Whether you are beginning a teacher training course or embarking on a career in teaching, this introductory textbook provides comprehensive information on how to meet the standards for the effective teaching of art and design in foundation and primary settings. The authors offer comprehensive guidance on everything from reflecting on your own subject knowledge, to organizing the classroom, planning your lessons, using a variety of art processes and using other artists' work in your teaching.

用户评价

读完《Teaching Art and Design 3-11》，我立刻感觉自己被注入了一剂强心针，尤其是在处理那些“有挑战性”的学生群体时。作者对“包容性艺术教育”的关注，远远超出了我们通常理解的特殊需求学生。它探讨的是如何设计一个环境，让每一个孩子——无论其文化背景、语言能力或先前的艺术经验如何——都能感到自己被接纳，并且有能力进行创造。书中关于“构建支持性工作室文化”的章节尤其具有启发性。它不是谈论纪律管理，而是谈论如何通过空间布局、语言运用和师生互动，营造一种允许犯错、鼓励探索的氛围。我特别采纳了书中建议的一种“同伴互评”模式，这种模式的重点不在于批评，而在于学习如何清晰地表达自己对他人的作品的观察和感受，这极大地提升了班级的集体学习氛围。此外，书中对于如何利用技术辅助教学的探讨也十分到位，它区分了哪些技术是真正增强创造力的，哪些只是分散注意力的工具，这对于我们这些在数字时代成长的教师来说，是至关重要的辨别力。这本书的语言是温暖而坚定的，它让你相信，每一个孩子都有潜力成为一个有创造力的思考者。

这本书简直是为那些在小学低年级（3-11岁）阶段教授艺术和设计课程的老师量身定做的！我一拿到手就被它那种既扎实又充满创意的氛围深深吸引住了。首先，它对“教什么”和“怎么教”的探讨非常深入，完全不是那种空泛的理论堆砌。比如，书中关于如何引入基础视觉元素——线条、形状、颜色——的章节，简直是我的救星。我过去常常觉得，如何在不让孩子们感到枯燥的前提下，让他们真正理解这些概念，是个大难题。但这本书提供了一系列可以立即投入使用的活动方案，它们巧妙地将游戏和学习结合起来，让孩子们在“玩”的过程中自然而然地掌握了艺术的“语法”。尤其让我印象深刻的是，它没有固守传统的教学路径，而是鼓励教师去探索不同文化背景下的艺术表达方式，这极大地拓宽了我原本略显狭隘的教学视野。我特别欣赏作者对“过程重于结果”这一理念的强调，书中详细阐述了如何通过观察记录和开放式提问来评估学生的进步，而不是仅仅盯着最终作品是否“漂亮”。这种以儿童为中心的视角，让我在课堂上变得更加自信和从容，真正感受到了教学的乐趣，而不是仅仅完成任务的压力。这本书无疑为初入职场或希望革新教学方法的教育工作者，提供了一份珍贵且实用的行动指南。

这本书给我带来的最大震撼，在于它对“跨学科整合”的实践性指导。在当前的教育环境下，艺术教育往往被边缘化，这本书恰好提供了一个强有力的论据和方法论，证明艺术设计完全可以成为连接其他学科的桥梁。我过去常为了将数学或科学概念融入艺术课而绞尽脑汁，效果往往不尽人意。但这本书中介绍的模块化教学单元，例如如何通过建筑设计来理解比例和结构（数学），或者如何通过观察自然形态来表现光影变化（科学），都设计得非常巧妙且易于实施。它教会我如何去“看”课程标准，并从中挖掘出与艺术相契合的连接点。更重要的是，它还非常细致地讨论了“评估”在跨学科项目中的复杂性。如何公平地评估一个融合了工程思维和视觉表达的项目？书中给出了具体的量表和观察工具，这对于我们这类需要向管理者展示艺术课价值的教师来说，简直是雪中送炭。我感觉这本书不仅提升了我的艺术教学技能，更让我成为了一个更全面的、能与其他学科教师有效协作的教育者。它的实用性是毋庸置疑的，但其背后蕴含的教育视野更加开阔宏大。

这本书的装帧和排版都透露出一种对“视觉体验”的尊重，这本身就是对艺术教育者的一种无声的致敬。但抛开这些外在的优点，真正让我爱不释手的是它对“教师个人发展”的关注。它不是一个静态的指南，而是一个动态的成长伙伴。在不同章节的末尾，作者设置的“反思提示”和“行动挑战”，强迫我跳出日常教学的惯性思维，去审视我自己的艺术偏见和教学盲点。例如，它让我思考：我是否因为自己不擅长某种媒介（比如数字动画），而下意识地减少了在课堂上的教学比重？这种坦诚的自我剖析，是很多教科书不敢触及的深层议题。书中对“教师的专业学习社群（PLC）”如何利用这本书进行集体研讨也提供了非常实用的框架。我们已经开始利用书中的案例来进行部门内部的讨论会，这让我们的教研活动从空洞的口号变成了具体、可操作的实践改进。总而言之，这本书的价值在于它提供了一种持续学习和自我完善的生态系统，它不仅教会我如何教导11岁以下的孩子，更教会了我如何持续地做一个更好的艺术教育者。

老实说，我最初翻开这本《Teaching Art and Design 3-11》时，内心是持保留态度的。市面上的教学用书太多了，很多都是华而不实的集合，缺乏真正的深度和实操价值。然而，这本书却以一种令人惊喜的、近乎学术研究的严谨性，解构了儿童早期艺术教育中的复杂问题。它不仅仅停留在“教什么材料”的层面，而是深入探讨了艺术教育背后的哲学基础——例如，它如何影响儿童的认知发展、情感表达以及批判性思维的萌芽。书中关于“审美体验的培养”那几章内容，对我触动极大。作者引用了多位教育心理学家的理论，辅以丰富的案例研究，清晰地展示了不同年龄段儿童对“美”的不同理解层次，以及教师应该如何适时介入，引导而不是主导他们的审美判断。我特别喜欢它对于“材料的意义”的讨论，不再将材料仅仅视为工具，而是将其视为激发学生想象力的媒介和伙伴。例如，书中探讨了如何利用回收材料进行创作，这不仅环保，更重要的是培养了学生对现有资源的重新审视和转化能力。这本书的文字功底扎实，逻辑层次分明，阅读体验非常流畅，它真正做到了将高阶理论与基层实践完美对接，是那种值得反复研读的工具书。