Watercolor Tips & Tricks

作者:Norman, David

页数:224

出版时间:2009-1

价格:$ 14.68

isbn号码:9780785824398

具体描述

This book provides all the practical tips that every watercolor artist will need, from buying the right equipment to the trick of painting people, helping even experienced painters create just the right effect.

用户评价

从艺术性和哲学层面上来说，这本书《Watercolor Tips & Tricks》给我的启发是它强调了“接受不完美”的重要性。水彩的特性在于其不可逆性，很多时候，一次失误的滴水或者不小心混入的杂色，对于初学者来说是灾难，但对于有经验的画家来说，却可能是惊喜。这本书非常巧妙地将这种“意外”纳入了创作流程进行引导。它教导读者如何识别一个“错误”是否可以转化为一个“特色”，比如如何利用颜料的自然流动形成类似云雾或水波的纹理，而不是试图用笔去“修正”每一个细节。书中有一段话令我深思：“你不是在与纸张对抗，而是在与水和重力合作。” 这种理念的转变，极大地释放了我对“精确控制”的执念。我开始更注重捕捉光线和氛围，而不是纠结于物体边缘是否描绘得一清二楚。此外，书中对“留白”的探讨也超越了技术层面，它将其视为画面结构中不可或缺的“负空间”，是引导观众视线的重要元素。这种将技术融入艺术哲思的写作风格，让这本书不仅仅是一本操作手册，更像是一次心灵的放松之旅，让人更爱上水彩这种媒介本身所蕴含的东方韵味。

这本《Watercolor Tips & Tricks》简直是为我这种水彩新手量身定做的！我一直对水彩那种透明、流动的质感心生向往，但自己上手总是不得要领，颜色要么太闷，要么就是控制不住地洇开，搞得画面一团糟。这本书的讲解方式极其细致入微，完全不像有些技术书籍那样干巴巴地堆砌理论。它更像是请了一位经验丰富、又特别耐心的老师在手把手教你。比如，关于“湿对湿”的技巧，作者没有简单地说“把纸弄湿再上色”，而是详细解释了不同程度的水分对颜料扩散速度和边缘控制的影响，甚至配有不同湿度的对比图例，让你能直观地感受到“中湿”和“润湿”之间的微妙差异。书里还特别提到了如何调制出那种清亮而不浑浊的颜色，我以前总是习惯把颜色调得很厚重，总觉得颜色不够饱和，看了这本书才知道，秘诀在于水和颜料的比例，以及如何利用纸张的吸水性来引导色彩的流动。特别是关于如何处理高光和留白的部分，简直是茅塞顿开，它教了我一些巧妙的方法，比如如何用刮刀或者干净的笔尖去“唤醒”被颜料覆盖的白色区域，而不是一味地依赖留白胶。自从用了书里的方法练习之后，我的画作明显有了“呼吸感”，那种水彩特有的灵动感终于在我的笔下展现出来了一点点。这对于我建立信心真的太重要了，强烈推荐给所有在水彩初学阶段感到迷茫的朋友们。

我对这本书的期待值原本是比较高的，毕竟“Tips & Tricks”听起来就很实用，但实际阅读体验上，我发现它的侧重点似乎更偏向于初学者建立基础概念，而不是提供那些真正能让人眼前一亮的“奇招怪招”。比如，关于调色盘的清洁和颜料的保养，虽然内容详实，但对于一个已经画了几年水彩的爱好者来说，这些信息显得有些基础了，我更希望看到的是关于复杂光影的塑造，或者如何利用特殊介质（比如酒精、保鲜膜）来创造更丰富的肌理效果。当然，书中关于“色阶过渡”的章节确实值得称赞，作者用非常清晰的步骤图展示了如何从深色平稳地过渡到浅色，避免了生硬的色块拼接，这一点对于绘制风景画中天空和水面的渐变非常有帮助。不过，在谈到“笔触运用”时，我感觉深度不够。它提到了平涂、扫笔、点彩这些基本笔触，但对于如何根据不同物体的固有属性（比如树皮的粗糙感、丝绸的光滑感）来选择和变化笔触的力度和方向，探讨得不够深入。说实话，这本书更像一本优秀的入门教材，如果你已经掌握了基础铺色和勾线，想寻求质的飞跃，可能会觉得里面的“秘诀”略显保守和常见。我希望它能在特定主题（比如人像的皮肤处理，或者建筑的透视上色）给出更具突破性的建议。

我入手这本书主要是为了解决我的色彩“恐惧症”。我特别害怕用水彩来画复杂的场景，尤其是当需要表现阴影和环境色的微妙关系时，我的画面总是显得灰蒙蒙的，缺乏生气。这本书中关于“色彩关系”的章节，简直就是一剂强心针。它不仅仅停留在“冷暖对比”这种基础概念上，而是引入了“色彩的呼吸”理论——强调在阴影区域中，应该如何巧妙地融入环境中的反光色和微弱的暖调来避免死黑。作者通过对一幅静物写生的分解步骤，清晰地展示了“底层铺色→中间调叠加→高光提亮”这三个阶段中，每一步颜色选择的逻辑性。尤其让我印象深刻的是，它解释了为什么在阴影中加入少量的互补色（比如在蓝色阴影中加入一点点极淡的橙色）能让阴影看起来更丰富而不是更“脏”。这本书的排版也非常友好，大量使用了高质量的彩图，每一步的转变都配有放大细节图，让你能清晰地看到笔触在纸上留下的痕迹。阅读完这部分内容后，我尝试着去画了一组水果，原本平面的阴影竟然开始有了体积感和空间感，这种进步是立竿见影的，对于提升画面整体质感非常有帮助。

翻开这本书，最让我感到惊喜的是它对“工具选择”的极端重视。现在的画材市场琳琅满目，对于一个有选择困难症的人来说，光是挑个合适的纸张就能耗费一整天。这本书简直就是一本行走的“画材鉴定指南”。它没有一味推崇最贵的品牌，而是非常客观地对比了不同磅数、不同棉含量纸张在吸水性和干燥速度上的差异。作者甚至专门开辟了一章，详细分析了不同类型毛笔——圆头笔、平头笔、狼毫、貂毛——在沾水后能保持的“水线”长度，这对我调整用笔的习惯帮助太大了。以前我总觉得笔不好用，现在才知道，可能是我的“水”控制得有问题。此外，它还深入探讨了如何“保养”你的水彩颜料块，比如如何正确地“唤醒”一块沉睡已久的干涸颜料，以及如何避免在调色时产生“浮粉”现象。这部分内容绝对不是那些免费网络教程能给出的深度，因为它需要长期的实践积累。这本书的书页质量也非常棒，采用了哑光覆膜设计，即使沾染了颜料，也相对容易擦拭干净，而且纸张的厚实感也让我在反复涂抹修改时不用担心它会轻易起皱。对于追求器材极致体验的画友来说，光是这一部分的详尽解析就值回票价了。